La novela del ex oficial de inteligencia y autor best seller británico John le Carré se adentra en el mundo del espionaje. Todo empieza con el fracaso de una misión especial que provoca un cambio en la cúpula de los servicios secretos británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Sin embargo, cuando ya se había hecho a la idea de retirarse, le encargan una misión especial. Se sospecha que hay un “topo” infiltrado en la cúpula del Servicio y solo alguien de fuera puede averiguar quién es. Con la ayuda de otros agentes jubilados, Smiley irá recabando información y encajando las piezas para intentar descubrir al traidor. Al final, solo encontrará una verdad: que los seres humanos somos demasiado complejos para ser clasificados con una sola palabra, ya sea “héroe”, “traidor” o cualquier otra.

Games of Thrones temporada 1: serie de HBO basada en las novelas de George R.R. Martin. En un mundo donde los veranos se alargan décadas y los inviernos pueden durar toda una vida, la corona de Poniente tiene un precio. Traición, lujuria, intriga y fuerzas sobrenaturales agitan las cuatro esquinas del Reino. Reyes y reinas, caballeros y nobles compiten por el poder en una lucha sangrienta por el Trono de Hierro.

Pelicula Un amor: vacaciones de un verano de los 70. Lalo y Bruno son adolescentes, haciendo nada en días llenos de nada. Pero en una tarde húmeda y sin pedir permiso, llega Lisa, arrasando con algo más que la monotonía del pueblo. Los tres amigos se separan y dejan cuestiones sin dilucidar. Treinta años más tarde, Lisa vuelve a irrumpir en esas dos vidas adultas.

La piel que habito 2011: relata la retorcida historia de un cirujano plástico que desarrolla una nueva piel revolucionaria a prueba de fuego y de malaria después de que su mujer muere carbonizada en un accidente de tránsito. El médico hace las pruebas de esta nueva “piel” en Vera, una intensa mujer que ha secuestrado, sin que ella conozca su propio vínculo con la sed de venganza del doctor.

Siguiendo la receta de George Lucas y sus constantes refrites de Star Wars, James Cameron lanza una nueva edición de su legendaria Titanic, ahora con tecnología 3D. La tecnología es una gran excusa para regresar a la pantalla grande la película que durante muchos años ocupó el primer lugar como filme más taquillera de la historia. La historia del “barco ¡nhundible”, que en su interior albergó una historia de amor que se convirtió en un icono del séptimo arte: la de Jack (Leonardo DiCaprio) y Rose (Kate Winslet).

En el viaje inaugural del inmenso Titanic iba la crema y nata de la sociedad estadounidense. En ese círculo de riqueza estaba Rose, una mujer cuya vida quedaría resuelta con un casamiento arreglado. Cansada de una vida que le fue impuesta, una noche decide poner punto final a su existencia. Fue obra del destino que Jack, un bohemio pasajero de clase baja, la encontrara, iniciando una relación amorosa que tuvo que luchar contra las diferencias de clase desde el inicio, la excusa para dar vida como nunca antes al legendario crucero.

Daniel Radcliffe homosexual: en agosto de 2009, Radcliffe fue tapa de la revista Attitude, una publicación gay. En esta expresó su rotundo rechazo a la homofobia y su cercanía al partido liberal demócrata inglés. Expresó que la homofobia es “desagradable, animal, estúpida y se trata de gente enferma y asustada incapaz de lidiar con el tema”. “Crecí junto a personas gay y fui el único de mi clase que tenía cierta experiencia con la homosexualidad”. Nota: esta declaración fue malinterpretada -con malas intenciones- y se corrió el rumor de que Radcliffe era gay.

Daniel Radcliffe biografia.
Nació el 23 de julio de 1989 en Fullham, Inglaterra. Desde chico se interesó en la actuación y obtuvo el papel del joven David Copperfield (1999). Más tarde, consiguió un rol en el filme El sastre de Panamá, de Mark Pendel. Su vida cambió cuando fue seleccionado para interpretar a Harry Potter en la primera película, estrenada el 26 de noviembre de 2001. Además de todas las películas de Harry, actuó en el filme independiente Un verano para toda la vida (Rod Hardy, 2007), sobre cuatro huérfanos y sus vivencias en verano. También se animó a hacer un desnudo en Broadway (Equus, su debut en el teatro londinense, que debido al éxito se trasladó a Nueva York).

La obra lo ayudó a alejarse de Harry, pero le valió la crítica de los padres de los seguidores de la franquicia. Después de todo, el personaje aparecía desnudo, era oscuro, macabro, fumaba y decía malas palabras. El año pasado volvió al escenario neoyorquino con la obra Hpw to Succeed in Business Without Really Trying. Este año podremos ver a Radcliffe en la película Independiente La dama de negro (James Watkins, 2012) y en 2013 compartirá cartel con Michael O Hall (Dexter) y Ben Foster en KM Your Darlings, sobre un asesinato ocurrido en 1944 que hace reunir a los grandes artistas de la generación beat y en la que él será Alien Ginsberg, el poeta insignia de esta corriente artística.

Puede que el nombre Kit Harington no te diga mucho. Pero difícilmente no hayas escuchado hablar de Game of Thrones, una de las series más exitosas de HBO, que acaba de estrenar su segunda temporada y por la que este actor de 25 años ha conseguido: ganarse un lugar en la pantalla chica de la mano de su personaje, Jon Snow, y abrir las puertas del mundo cinematográfico.

Les infideles: el éxito de El artista y de Jean Dujardin no hizo esperar el lanzamiento de nuevas películas, después de todo, no todos los días uno gana el Osear a mejor filme y rol protagónico. El actor encabeza (y también participa del guión) una serie de historias que tienen en común el tema de la infidelidad, tratado con mucho humor. La película se dio a conocer en todo el mundo por la censura de los afiches por parte de la capital francesa, argumentando que eran “pornográficos”.

Welcome to People: Chris Pine, Elizabeth Banks, Amy Adams, Olivia Wilde y Michelle Pfeiffer se reúnen en esta película del director Alex Kurtzman (más acostumbrado a la acción que al drama), sobre Sam (Pine), un hombre que viaja hasta Los Ángeles al funeral de su padre, un productor musical exitoso. Luego del entierro, Sam se entera que debe entregar 150 mil dólares a una hermana que nunca conoció, al parecer alcohólica y madre de una hija muy problemática.

Talento y belleza en grandes cantidades, eso define a Paula Patton, que hace poco encandiló a todos como Jane Carter, la chica que al inicio de Misión: Imposible – Protocolo Fantasma ayuda a Ehtan Hunt a escapar de la cárcel en la que se encuentra recluido en Moscú. Nacida en Los Ángeles el 5 de diciembre de 1975, se graduó en el Instituto Hamilton de Artes Dramáticas y no tardó en ser elegida por la cadena PBS para protagonizar The Ride, documental que seguía los pasos de cuatro jóvenes realizadores estadounidenses.

De este prometedor comienzo pasó a su debut en el cine de Hollywood con Hitch: especialista en seducción, protagonizada por Will Smith y Eva Méndez. Al año siguiente cobraría protagonismo gracias a su papel en Déjá vu, filme de Tony Scott con Denzel Washington y Val Kilmer que mezcla drama y ciencia ficción, y en el cual Patton interpreta a Claire Kuchever, una víctima de un atentado en un f erry que es rescatada mediante un curioso método de viaje en el tiempo.

George Clooney y Stacy Keibler: el llevó un Armani como nadie. De solapa bastante ancha en satén que combinaba con el brillo de la moña más grande que lo usual. La camisa tenía los botones en plata como detalle. Ella lució un vestido de Marchesa con sus impactantes 1,80 metros de altura, en un color cobre laminado que le quedaba a la perfección con su tono de piel y pelo. De silueta asicenada, el vestido tenia una flor en la parte delantera justo en la cadera en el costado derecho como detalle principal.

Rooney Mara eligió un look diferente al habitual. Un Givenchy blanco que nos recordaba al que llevó Cate Blanchet el año pasado de la misma firma por su rígida estructura en la parte superior. La sorpresa estaba en la espalda descubierta, que era increíblemente sexy.

La actriz llevó un vestido de Mishka, en el cual incluso participó en el diseño, inspirado en los años 30. En color rosa pálido y de corte asirenado, con un escote elevado que cruzaba por detrás del cuello, estaba todo bordado con minilentejuelas a tono y tambien doradas. Penelope Ann Miller eligió acompañarlo con un clutch de Louis Vuicton.

Como siempre Gwyneth Paltrow se lleva todos los premios a la elegancia y distinción. Con un increíble vestido de Tom Ford, la rubia deslumbró en blanco siempre fiel a su estilo sobrio y simple. La capa dio que hablar en la alfombra roja, pero la actriz se la sacó en la ceremonia y no la tenía cuando presentó el Oscar a Mejor Documental junto a Robert Downey Ir.

Paranormal Activity 3: Katie decide visitar a Kristi, su hermana menor embarazada y requerirle algo de espacio para almacenar unas cajas con viejas pertenencias de su abuela. Luego de acceder, Kristi examina las cajas solo para encontrar que contienen cassettes de video. Una escena de cumpleaños posiciona al espectador en el pasado, donde las pequeñas hermanas corretean alegremente entre los invitados. Kristi, sin embargo, presenta a la familia a un invitado invisible…

Dream House: Will es un gran editor, que decide dejar su trabajo y trasladarse con su mujer y sus dos hijas a una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra. Aunque ellos aún no lo saben, pronto descubrirán que en la casa que ahora habitan, han sucedido unos terribles asesinatos que tuvieron a una madre y sus hijos como las víctimas. Lo peor está por llegar, puesto que el asesino ha decidido volver… y repetir su hazaña.

The Hunger Games: en un mundo posapocalíptico, en las ruinas de lo que alguna vez fue Estados Unidos, la ahora llamada nación de Panem obliga a 24 adolescentes a una lucha a muerte de la cual solo uno saldrá vivo y que es transmitida por televisión en directo. Basada en la serie de exitosas novelas de Suzanne Collins (esta es la primera parte de una trilogía), la película sigue los pasos de Katniss Éverdeen (Jennifer Lawrence, de Lazos de sangre y X Men: Primera generación), una joven que ha visto la muerte de cerca y que decide tomar el lugar de su hermana pequeña, que fue sorteada para participar en los juegos y está aterrorizada. El circo creado por un gobierno autoritario y manipulador es el reality show más exitoso de Panem. Dirigida por Gary Ross, el mismo de Seabiscuit, alma de héroes, y con un exótico elenco que mezcla actores reconocidos de todas las edades, con rock stars y teen stars, Los juegos del hambre puede ser una de las sorpresas del año.

Marvel arranca el año con la secuela de Ghost Rider (Spirit of Vengeance), el justiciero más oscuro de la casa de cómics, otra vez protagonizada por Nicolás Cage. Es bueno recordar que Ghost Rider es fruto de la maldición que cayó sobre Johnny Blaze, un ex motociclista profesional, luego de hacer una mala jugada con el diablo a cambio de su alma. Ahora, los demonios internos lo acechan cada vez más, al punto que decide exiliarse pues teme no poder controlarlos y lastimar a la mujer que ama. En el exilio es contactado por Moreau (Idris Elba), un misterioso monje de la Orden de Miguel Ángel que busca un protector para una madre (Violante Placido) y su hijo, quienes están siendo acechados por Blackout (Johnny Whitworth). Detrás de esta persecución está el propio diablo, que intenta materializarse en la Tierra para terminar con Ghost Rider y con toda la humanidad.

Disney ataca con todo con una mega-producción de acción y aventuras que tiene como protagonista a John Cárter, un soldado que llega a Marte para convertirse en su salvador. A simple vista, la película podría definirse como una mezcla entre Gladiador y Star Wars producida por Walt Disney. El protagonista de la historia es John Cárter (Taylor Kitsch) un combatiente de la guerra civil estadounidense, que, sin saber muy bien cómo, es transportado hasta Marte y allí es apresado por unas criaturas. Si bien no sabe ni cómo llegó ni si podrá volver, Cárter tiene claro cuál es su propósito en este nuevo planeta. Quien comienza peleando por su vida como gladiador en un coliseo en medio del desierto, se convierte en el guerrero que liderará una revolución en contra de sus captores, los despiadados gobernantes del lugar. Claro que también habrá tiempo para hacer nuevas amistades y, cuándo no, para el amor.

La segunda temporada de Spartacus está en marcha con los enfrentamientos, litros de sangre y desnudos que condimentaron la primera. Sin embargo, la serie que se abrió paso por su historia, ahora tiene todas las miradas puestas en Liam McIntyre, que carga con el reto de sustituir al protagonista Andy Whitfield, quien tuvo que alejarse del programa para luchar contra el cancer que lo aquejaba y que el año pasado terminó con su vida. El actor australiano -hasta el momento con trayectoria en series de su país y una participación en The Pacific- confesó qué le dijo Whitfield cuando supo que él iba a ser el encargado de llevar adelante el papel de Spartacus y cuál fue el reto más difícil que tuvo que enfrentar.

La tradición mexicana en Hollywood tiene varios años ya. Lejos de tratarse de una novedad, son muchos los casos en los que grandes actores nacidos al sur de Tijuana logran transgredir fronteras y hacer su fama a nivel mundial. Una de las referencias más inmediatas es la de la exuberante Salma Hayek, aquella diosa latina que sirviera de eje para el quiebre de la película Del crepúsculo al amanecer (Robert Rodríguez y Quentín Tarantino, 1996), con su sensual baile en la barra de un boliche-vampiro. Cuando en 2002 produjo y se puso al hombro el papel de la artista compatriota suya Frida Kahlo, le llovieron las nominaciones y con ellas algunos premios. El de la Academia no se le pudo dar porque ese mismo año en que ella hizo Frida, Nicole Kidman interpretaba al icono literario Virgina Woolf en la sutil Las horas, y “por una nariz” se quedó con el premio a Mejor Actriz.

Al parecer el cuento de hadas de Hansel and Gretel sí ocurrió y terminó de la mejor manera para los pequeños hermanos que lograron escapar. Claro que, 15 años más tarde, los mellizos (Jeremey Renner y Gemma Arterton) no han podido olvidar a la bruja que los mantuvo cautivos y se han convertido en una dupla cazadora de monstruos, brujas y cuanta criatura sobrenatural camine sobre la tierra.

El romance del siglo: la reina del pop se mete detrás de cámaras por segunda vez y dirige este drama romántico que mezcla dos historias de amor imposibles con finales inciertos: por un lado el romance que vivieron el rey Eduardo VIII y la divorciada estadounidense Wallis Simpson, que hizo que él se viera obligado a abdicar al trono, y otro entre un seguridad ruso y una mujer casada.

Un hombre misterioso (Ryan Gosling) que reparte su tiempo entre mecánico en un garaje, doble de acción en Hollywood y conductor, intenta dejar atrás un pasado indecoroso cuando se enamora de su vecina, cuyo marido está preso y debe cuidar sola a su hija. Mientras, el dueño del garaje organiza un equipo de carreras que involucra dinero de la mafia local y nuestro protagonista se transforma en el piloto estrella que habrá de liderarlo. Las cosas se complican aún más cuando el esposo de la mujer que ama sale de prisión y lo conoce, momento en que Driver deberá ordenar sus prioridades y tomar decisiones vitales.

Para el proyecto sobre Lady Di que comenzará a rodarse próximamente, Naomi Watts ha sido la elegida para encarnar a la princesa de Gales en la gran pantalla. La actriz ha confirmado que se meterá en la piel de la princesa para Caught In Fight, papel que en principio parecía para Jessica Chastain (Historias cruzadas, El árbol de la vida), pero que finalmente recayó en ella. “Es un honor interpretar a este personaje tan conocido y querido en todo el mundo”, confesó Watts. “Estoy deseando afrontar el reto que supone interpretarla en la gran pantalla”, aseguró a The Hollywood Repórter. La película se centrará en los últimos dos años de la vida de Diana, abarcando desde 1995 hasta el fatídico verano en que ella y su pareja, Dodi Al Fayed, perdieron la vida accidentalmente en París. Desde la productora Ecosse Films afirman que será dirigida por el alemán Oliver Hirschbiegel.

Pasaron los Oscar, pero el disgusto de Daniel Radcliffe todavía dura. Poco antes de la ceremonia, el actor conocido por interpretar a Harry Potter se mostró enojado y atacó a la Academia señalando sus criterios de premiación y nominación. “No creo que en los Oscar gusten las películas comerciales o para niños, excepto que estén dirigidas por Martin Scorsese”, disparó Radcliffe en una entrevista con The Guardian. La queja del actor viene dada por la eterna vista gorda que ha hecho la Academia ante la saga de Harry Potter y, en particular, por las escasas tres nominaciones a categorías técnicas que tuvo la última entrega en la reciente ceremonia de los Oscar, en comparación con las 11 de Hugo, dirigida por Scorsese. “Estoy ligeramente ofendido, ¿por qué Hugo y no nosotros?”, preguntó. Según el actor nacido en Londres, la última entrega de la saga de Hogwarts no tiene nada que envidiarle al filme de Scorsese, con el cual parece compartir ciertos criterios estéticos y arguméntales, además de que ambos están dirigidos a un público juvenil.

La segunda entrega de X-Men Orígenes: Wolverine ya tiene fecha de estreno mundial: será el 23 de junio de 2013. La secuela del filme de 2009, que recogió críticas bastante dispares, contará obviamente con el actor australiano Hugh Jackman, a quien todos asociamos al personaje de las garras metálicas de Marvel Comics. Este anuncio sirvió para calmar los rumores sobre que el proyecto estaba a la deriva: la cinta ha tenido ya varias fechas tentativas para iniciar la filmación, pero al final nunca se puso en marcha. El último gran problema fue el abandono del director Darren Aronofsky, que dejó el proyecto porque el calendario lo obligaba a estar alejado de su familia durante un año. Sin el célebre director de El cisne negro, Wolverine estará a cargo de James Mangold, a quien FOX le dejará la casa en orden para que comience a filmar cuanto antes.

Él es uno de esos actores que ya sea por su gran talento o por su atractivo físico brillan desde muy jóvenes. Nació en Virginia el 17 de marzo de 1964 y fue modelo publicitario desde su infancia. Con 8 años pisó por primera vez el escenario de un teatro. Fue amor a primera vista, y cuando tenía 12 años ya había actuado en una treintena de obras. Siendo adolescente, sus padres se separaron y junto a su hermano y su madre se mudaron a Malibú. En la escuela de Santa Ménica conoció al actor y guionista Emilio Estévez y nada menos que a Sean Penn.

Pero todo cambiaría en 1988, luego de que una cinta de video lo mostrara manteniendo relaciones sexuales con una menor de edad. A las 20 horas de servicio comunitario a las que fue condenado, se le sumaron los problemas con las drogas y el alcohol. Rob Lowe estaba marginado por Hollywood. Los años de silencio le sirvieron para rehacer si vida. Después de casarse en 1991 con Sheryl Berkoff y tener dos hijos, volvió al ruedo con el personaje Nick Andros en Apocalipsis, miniserie basada en una novela de Stephen King, y con un papel importante en la trilogía de Austin Powers.

Viaje 2 La isla misteriosa: primero fue un viaje al centro de la Tierra, ahora, de la mano de Dwayne Johnson, la odisea los llevará a una isla misteriosa donde aguardan muchas aventuras y peligros, todo en 3D. Sean Anderson (Josh Hutcherson), un adolescente curioso y ávido de aventuras, recibe un extraño código que indica la existencia de una isla en un lugar donde no debería haber tierra firme. El destino promete recibirlos con las más extrañas criaturas, montañas de oro, volcanes activos y más de un secreto increíble.

Pero lo más importante es que hay indicios de que allí puede estar su abuelo (Michael Caine), desaparecido hace mucho tiempo. Su nuevo padrastro (Johnson) no puede detenerlo y decide acompañarlo en la aventura, a la que se suman el piloto de un helicóptero y su hermosa y temeraria hija (Vanessa Hudgens). En el camino se darán cuenta que lo difícil no será dar con la isla, sino encontrar a su abuelo y regresar a casa antes de que el lugar se hunda y sus tesoros se pierdan para siempre.

Meryl Streep encarna a la shakesperiana Margaret Thatcher, la primera mujer que logró el cargo de primer ministro en Gran Bretaña. Meryl Streep, una de esas actrices que parecen capaces de hacer cualquier cosa, nuevamente se encarga de sostener sólita una película entera. La historia de la polémica Margaret Thatcher, la amada y odiada primera ministra británica conocida como “La dama de hierro“, llega al cine y Streep se encarga de poner el cuerpo.

La vejez de la política británica es el punto de partida para recorrer su vida a través de flashbacks que recrean sus inicios en la actividad pública, sus luces y sus sombras, las razones que forjaron su ilustrativo apodo. Dirigida por Phyllida Lloyd (la señora que hizo ¡Mamma mía!), la cinta fue escrita por Abi Morgan, responsable del libreto de la elogiada Shame, y no ha recibido críticas muy elogiosas, excepto cuando refieren a la labor de Streep, una actriz que ha sido nominada al Oscar en 16 oportunidades y que lo ha ganado en dos ocasiones. Por esta actuación, dicen los que saben, la Academia debería llevarle el Oscar a su casa.

Robert De Niro da vida a Jake La Motta (papel por el que ganó un Oscar a Mejor Actor), quien llegó a la cima del boxeo al obtener el campeonato mundial de peso mediano. “El toro del Bronx” no pudo mantener el éxito fuera del ring, donde sus celos y conducta autodestructiva alejaron a todos sus seres queridos dejándolo solo en Toro salvaje.

Carros de fuego: esta película relata el camino que atravesaron dos atletas del equipo británico para competir en los Juegos Olímpicos de 1924 en París. Todo comienza en la Universidad de Cambridge donde se conocen Eric Liddell, un devoto cristiano, y Harold Abrahams, un judío rico que debe resistir la discriminación.

No todo es acerca de triunfos y campeonatos. Algunas veces el heroísmo radica en algo tan sencillo como competir, aunque el sacrificio deba ser extremo. De esto trata Somos Marshall, basada en la historia de cómo se rearmó el equipo de esa universidad luego de un trágico accidente de aviación en el que murieron todos sus integrantes.

Juego de viernes en la noche: la película retrata un pueblo de mala muerte que deposita todas sus frustraciones en el equipo de fútbol americano colegial, cuyos jugadores deben resistir esa presión y la del técnico, que los exige hasta el agotamiento. Ellos saben, además, que ese deporte es la única carta de salida de ese lugar y la única fuente de recuerdos satisfactorios con la que cuentan.

Duelo de titanes: en 1971, el equipo de fútbol americano de T.C. Williams logró unir a blancos y negros en un estado donde la segregación racial era moneda corriente. El entrenador Boone (Denzel Washington) y el técnico del equipo blanco Bill Yoast se unen para obtener el título, poder pelear por el Estatal y demostrarle a un país entero que la convivencia es posible.

El ganador: esta película estuvo nominada al Oscar y le dio a Christian Bale su primera estatuilla por su interpretación de Dicky Eklund Jr., el “orgullo de Lowell”, el boxeador que pudo derribar a Sugar Ray Leonard. La historia se centra en Micky, medio hermano de Dicky, que tiene chances de pelear por el titulo mundial de peso liviano.

Cinderella Man: James Braddock, un boxeador mediocre que perdió su licencia, debe hacer lo imposible por mantener a su familia en plena crisis de 1929 y recibe la oportunidad de volver al ring. El hecho de pelear por la supervivencia de su familia y el apoyo de los de su clase podrán ser el impulso que lo lleve hasta el título mundial.

Jamaica bajo cero: basada en un hecho real, esta película narra las peripecias que atravesó el primer equipo de “bobsled” (trineo) de Jamaica, en su preparación para la histórica participación en los Juegos Olímpicos de Invierno de Canadá en 1988.

Si bien la película está basada en una historia real, Peter Brand, el personaje interpretado por Jonah Hill, es ficticio. Los guionistas lo crearon para “captar la esencia de los genios matemáticos que cambiaron el deporte estadounidense”. El personaje se iba a llamar Paul DePodesta, persona que trabajó junto a Beane, pero a DePodesta no le gustó que el personaje fuera “tan nerd” por lo que al final se lo llamó Peter Brand. De todas maneras, DePodesta colaboró con la producción de la película.

Hubo varias separaciones. La de Eva Longoria y Tony Parker, la de Jennifer López y Marc Anthony, pero la que generó la resonancia de un tsunami en la prensa del corazón fue la del matrimonio de Demi Moore y Ashton Kutcher. La pareja llamó la atención cuando iniciaron un inesperado romance a principios de la década de 2000 que desembocó en matrimonio en 2005. Después de varios años de mostrarse como una especie de superpareja, en setiembre de 2011, la revista People reveló que Kutcher se había ido de parranda junto con un compañero de elenco de That 70s Show. A esa noche, después se sumó una nueva figura, una joven llamada Sara Leal, que dijo que tuvo sexo con K tras conocerlo en un boliche.

Más tarde la prensa informó que Demi y Ashton no pasaron juntos su aniversario de bodas. De golpe y porrazo, uno de los matrimonios que exteriorizaba mayor estabilidad en el ambiente llegaba a su fin. Pero el show recién estaba comenzando. Porque Moore ya adelantó que “escribirá” un libro de memorias en el que contará cómo fue la relación con el joven galán y ventilará los secretos de su matrimonio. (Las comillas en “escribirá” se deben a que obviamente Demi Moore no va a escribir el libro sino que contratará a un ghostwriter para que lo haga por ella o sacará un libro en el que el verdadero escritor del mismo, probablemente un periodista con cierta trayectoria en esto de farándula, aparezca en los créditos como colaborador o algo así.)

Reemplazo de Charlie Sheen: infidelidad, divorcio, descendencia extramatrimonial, hurto, abuso de alcohol y drogas, ingredientes del guiso que se cuece en el patio del fondo de Hollywood y cuyo particular aroma sale desde la puerta grande. Titulares explosivos que anuncian el fin de una carrera/un matrimonio/un romance a partir de los tropiezos de algunas estrellas. Intromisiones en actos privados convertidos en noticias virales. El año 2011 fue un generoso dispensador de escándalos. El despido de Charlie Sheen como parte del elenco de Two and a HalfMen, que derivó en un fuego cruzado de insultos y demandas entre el actor, los productores de la serie y la mismísima CBS, fue parte de un cuadro más grande y más bizarro que incluyó fiestas varias regadas de alcohol y aderezadas con otras sustancias, internaciones en clínicas de desintoxicación, actrices pomo, un paupérrimo espectáculo de stand up y un hernia de hiato, entre otros detalles. Un par de autorretratos fotográficos de Scarlett Johansson, exquisitamente desabrigada, fueron robados y puestos a disposición del consumidor en internet.

Cuando te encuentre: Logan Thibault (Zac Efron), sargento de la Marina estadounidense, regresa a casa luego de su tercera misión en Irak. Logan tiene un único objetivo que lo ha mantenido con vida: la foto de una mujer que ni siquiera conoce. Al enterarse de que su nombre es Beth (Taylor Schilling) y averiguar su dirección, aparece en su casa y termina trabajando en la residencia canina de su familia. Más allá de la desconfianza del principio y de las complicaciones en su vida, el romance surge entre ellos dándole a Logan la esperanza de que Beth pueda ser mucho más que su amuleto de la buena suerte.

Faltan solo días para la noche más importante de la industria cinematográfica y todos los detalles de cara al 26 de este mes en el Kodak Theatre ya están listos. Pero podría ser la última vez que este monumental teatro de Los Ángeles sea la casa de la ceremonia de los Oscar. Ya son 10 años. Desde 2002, la gala de los Oscar se celebra en el Kodak Theatre cada año, y en este 2012 finaliza el contrato. ¿Renovar el contrato o cambiar de luaar? Esa es la cuestión aue hov Dor hov están resolviendo los representantes de la Academia de Hollywood. “En este momento nuestro plan es manejar esa opción y luego veremos qué pasa, qué se decide.

Personalmente me encanta el Kodak, diría que con toda mi alma. He estado ahí desde el principio, pero el año próximo el Kodak y otros escenarios vendrán con nuevas ofertas y la junta tendrá que tomar una decisión al respecto”, explicó el presidente de la Academia, Tom Sherak, cuando desde The Hollywood Repórter se le consultó sobre si el año que viene habrá cambio de escenario. Aunque Sherak asegura que el Kodak entrará entre las opciones para negociar en 2013 junto al resto de las ofertas, podrían ser los problemas económicos del recinto -que en 2000 pagó 75 millones de dólares para comprar el nombre- los que hagan que se salga de las negociaciones.

Todos se sorprendieron y más de una se asustó. Fue durante la edición número 23 del Festival Internacional de Cine de Palm Springs, en California, donde se desplegó la alfombra roja nuevamente y varias estrellas desfilaron, incluido Brad Pitt junto a su esposa Angelina Jolie. La sorpresa fue ver que el actor rengueaba y llevaba un bastón, al estilo Dr. House. La mano derecha de Brad tomaba la de Angelina y la izquierda se apoyaba en el mango del bastón. Nadie entendía nada. Ni las celebrities, ni los premios, ni Michelle Williams, Charllze Theron o George Clooney, nada ni nadie le ganó en protagonismo a Brad Pitt y su bastón.

“¿Qué te pasó, Brad?”, era la pregunta que todos le hacían. “Estoy bien, en serio”, se limitaba a responder el actor. Pero el misterio seguía y fue Jolie la que tuvo que aclararlo todo en la revista Ok Magazine. “Brad estaba esquiando con nuestros hijos, llevaba en brazos a Vivienne, se tropezó y cayó mal. Pero todos están bien”, contó la actriz. “Cuando tienes hijos pequeños estas cosas son muy habituales”. Con bastón y todo, Pitt subió a recibir su Premio Desert Palm Achievement, por sus papeles en El juego de la fortuna y El árbol de la vida. Recientemente, además, Brad fue confirmado por los exhibidores como el “actor que más dinero deja en las salas de cine”, quitando a Johnny Depp de ese lugar.

No es de extrañar. Si lo pensamos dos veces, la historia de Pinocho parece ajustarse a los parámetros de Burton y a su gran capacidad de llevar historias clásicas a la pantalla. Según varios medios, el célebre director de Alicia en el País de las Maravillas está analizando muy seriamente la posibilidad de llevar la historia del personaje creado por Cario Collodi al cine. No sería la primera adaptación, ya que Disney hizo lo propio en 1940. El proyecto que por ahora Warner tiene en carpeta incluiría dos particularidades. La primera es que la historia se centraría en Gepetto y su búsqueda por reunirse con su marioneta viviente. La otra es que los personajes serían interpretados por actores de carne y hueso. Al respecto,  Tim Burton habría pensado en Robert Downey Jr. para el papel principal del carpintero y padre de Pinocho. Se sabe que el guión está casi terminado y fue realizado por Bryan Fuller y que la producción corre a cargo de Dan Jinks. Las conversaciones entre Burton y Warner no han terminado pero, según parece, todo va por buen camino.

La entrada de Matt Lanter al cine no es convencional. Nacido el 1° de abril de 1983 en Massillon, Ohio, vivió gran parte de su infancia en Atlanta, practicando varios deportes. Béisbol, fútbol americano, basquetbol y golf fueron en los que más se destacó durante sus estudios en el instituto Collins Hill. De adolescente formó parte de las divisiones formativas de los Atlanta Braves, equipo profesional de béisbol donde jugaba de bateador. Todo parecía indicar una carrera en el deporte, más todavía cuando se licenció en Empresariales del Deporte en la Universidad de Georgia, pero inmediatamente cambió de idea y se fue a Los Ángeles. Se dio cuenta de que quería ser actor. Primero se participó en el reality Munhunt, en 2004, un evento que buscaba jóvenes con condiciones para el modelaje.

Si bien Lanter no ganó, quedó entre los más destacados, y esto le valió papeles en series como 8 Simple Rules y Big Love. En 2006 obtuvo un protagónico en Commanderin Chief, serie de la cadena ABC que Accionaba el mandato de la primera presidenta mujer de Estados Unidos en la que Lanter compartió pantalla con la leyenda del cine Donald Sutherland. Después las grandes series se interesaron en este joven actor, y fue así como apareció en los créditos de Shark, CSI, Monk y Grey’s Anatomy. El paso a la gran pantalla lo daría en 2008 prestando su voz al personaje Anakin Skywalker en Star Wars: The Clone Wars, filme animado de la popular saga galáctica. Ese mismo año fue el protagonista de la comedia con tintes apocalípticos Disaster movie y en 2009 hizo lo propio en la película de terror Sorority row. Con el tiempo ha seguido en paralelo su carrera en televisión, con actuaciones para series como Life y el rol principal en la popular 90210, y cine con Vampires Suck, la parodia de la saga Crepúsculo en la que encarna a Edward Sullen, y más recientemente el filme feen de suspenso The Roommate.

Que paso ayer 2 en dvd: Phil, Stu, Alan y Doug viajan a la exótica Tailandia para el casamiento de Stu. Luego de la inolvidable despedida de soltero en Las Vegas, Stu decide no correr ningún riesgo y opta por un brunch poco animado y tranquilo antes de la boda. Sin embargo, las cosas no siempre suceden como fueron planeadas.

Robo en las alturas: acción y comedia se mezclan esta película protagonizada por Ben Stiller y Eddie Murphy, que esta vez no se disfraza de una familia entera. Esta es la historia de un grupo de gente común haciendo algo fuera de lo común. Josh Kovacs (Stiller) es el encargado de la administración de uno de los edificios más lujosos y seguros de Nueva York, con apartamentos que cuestan un promedio de 5,6 millones de dólares. Conoce el edificio como la palma de su mano, y nada ocurre sin que él se entere. Arthur Shaw (Alan Alda), un titán de Wall Street, vive en esa misma torre, en el piso más ostentoso, y se encuentra bajo arresto domiciliario por fraude. Shaw se ha quedado con 2.000 millones de dólares de sus inversores, entre los que se encuentran los empleados del inmueble, que le confiaron su fondo de retiro. Ahora, con el agua al cuello, deciden recuperar lo que les pertenece, y contactan a Slide (Murphy), un ladrón de poca monta, para que los ayude a robar lo que creen que Shaw oculta en su apartamento.

Puss in Boots: el personaje que se “robó” la escena (difícil en esa liga de personajes maravillosos) desde que irrumpió en la saga Shrek, finalmente tiene su propia película. Antonio Banderas da vida a un felino tan taimado como querible. La productora de Spielberg, Dreamworks, supo reconocer en la segunda entrega de Shrek, lo irreverente y seductor de uno de los personajes secundarios, que, quizá fuera de todo pronóstico, logró robarse la película y hacer que hoy se cree una película (y posible franquicia, no lo descartemos) con su protagónico. Hablamos del Gato con Botas que interpreta Antonio Banderas, un traicionero espadachín cuya mayor destreza es conmover con sus ojos tristes. Ahora bien, la gran pregunta que surge es qué ocurrirá con el destino de este personaje. Si efectivamente la fuerza de esos cortos y estratégicos gags de su participación secundaria en Shrek son ahora un armamento duro para la horda de espectadores que esperarán asfixiarse de chistes durante hora y media, este felino seguirá a la altura de lo que ya ha dado. Habrá que ver.

New Year’s Eve: Nueva York, la víspera de año nuevo, y el invierno en el norte son el contexto ideal para esta comedia romántica plagada de estrellas, dirigida por Garry Marshall. Realmente amor, New York, I love you, Simplemente no te quiere y Día de los enamorados comparten varios elementos en común: comedia, romance y muchas estrellas de cine reunidas sin que ninguna ocupe el protagonice Bueno, Año nuevo tiene la misma receta, aunque su hermano gemelo bien podría ser Día de los enamorados. Garry Marshall {Mujer bonita) dirige otro filme cargado de estrellas, donde las vidas y situaciones de unos y otros se van entrelazando conscientes o no de ello, pero influyendo y ayudándose entre sí. El contexto, la víspera de año nuevo en Nueva York, cuando todos pretenden “cerrar” asuntos pendientes y deciden iniciar un nuevo camino para el próximo año, donde el amor y la pareja se roban el centro de la escena.

Muchacho que a cambio de premio hace los sueños de una señora realidad. Zac Efron sobre Paul: ”Es un joven lleno de energía y amante de la diversión, que se enorgullece de ser alguien que logra que las cosas se hagan. Él sabe que es el hombre para el trabajo que necesita Ingrid.

Señora con una lista de resoluciones de víspera de Año Nuevo a cumplir antes de las 12 (a Michelle Pfeiffer le tocó la sección revelaciones y epifanías de la película). La vida de la conservadora y conformista Ingrid se da vuelta cuando tiene una experiencia cercana a la muerte. Renuncia a su trabajo y le pide ayuda a un joven para hacer sus deseos realidad.

Enfermera abnegada (por suerte para la platea masculina, en algún momento se pone un vestidito para alegrar a Stan). Dice Halle Berry de su paciente Stan: En un momento empieza a alucinar y cree que Aimee es alguien que hace mucho era muy cercano a él. Ella está lejos de sus seres queridos en la víspera de Año Nuevo y no espera que sea una ocasión alegre, pero va a encargarse de que para Stan sí lo sea.

Cantante en ascenso (giro de… 360° para la protagonista de Glee, que viene interpretando a una aspirante a cantante y sus números musicales desde hace tres temporadas en la serie). Lea Michele dice de Elise y su encuentro con Randy: “De los miles de personas que están celebrando esa noche, Elise no entiende por qué quedó trancada con esta. Pero ella es una cantante y él un artista, y a medida que pasa el tiempo empiezan a encontrar que tienen más cosas en común de las que se imaginaban”.

Escéptico de la víspera de Año Nuevo (en Día de los enamorados la descreída de la fecha era Jessica Blel). Ashton Kutcher dice de Randy: “Su plan para esa noche es quedarse en casa para evitar a todos los fiesteros amateurs que atestan las calles, esos que no salen en todo el año y se vuelven locos en la víspera de Año Nuevo. Él piensa que está más allá de todo eso”. Kutcher en Día de los enamorados: el romántico por excelencia (lo opuesto a su personaje en esta película)

El Gato con Botas logró ganarse al público tras su debut en la segunda entrega de Shrek y de esta forma llegar a la pantalla grande con su propia película. Banderas, encargado de darle voz, cuenta cómo hizo para componer al personaje y cómo fue el proceso desde que surgió la idea hasta que se materializó. Además, adelanta detalles de sus próximos proyectos.

Batman el caballero de la noche: La batalla Marvel-DC tiene a Spiderman y Batman como sus representantes y en esta oportunidad el jurado falla en forma unánime a favor de la cinta de Bale, Freeman y compañía. La trilogía de Christopher Nolan llega a su fin, obra maestra que le devolvió a Batman toda la jerarquía que el pillo de Joel Schumacher le había robado. En la película, Batman debe escapar de la policía que lo busca por la muerte de Harvey Dent, al tiempo que un nuevo enemigo acecha Ciudad Gótica: Bane. Además, la vida de Bruce y su álter ego se cruzarán con la aparición de Celina Kyle.

Sherlock Holmes: juego de sombras: En enero ya tendremos una de las películas más esperadas de 2012. Robert Downey Jr y Jude Law retoman sus papeles de Holmes y Watson para hacer frente a los planes de destrucción del profesor Moriarty (el gran Jared Harris, Mad Men), el único villano que ha desafiado el intelecto del excéntrico detective.

My Week with Marilyn: Michelle Williams interpreta a la legendaria Marilyn Monroe en un filme en el que la acompañan Judi Dench y Emma Watson en su primer papel luego del fin de Harry Potter. La película se centra en el retrato que Colin Clark, un empleado de sir Laurence Olivier, realiza sobre la tensa relación que se generó entre Olivier y Marilyn Monroe durante la producción de El príncipe y la corista, dirigida y protagonizada por Olivier en 1957.

Los vengadores: el emblemático escuadrón de Marvel se reúne por primera vez en este filme dirigido por Joss Whedon (Thor), que, de recaudar lo esperado, ¿podría disparar las intenciones de DC de lanzar La liga de la justicial Sobre la historia se conoce poco: Nick Fury recluta al Capitán América, Iron Man, Hulk, Ojo de Halcón, Thor y la Viuda Negra, para que trabajen para el gobierno y actúen para detener las nuevas amenazas de este y cualquier otro mundo, en una primera misión en la que la familia de Thor estará en el centro de la escena.

Mision Imposible protocolo fantasma: la IMF, agencia de espías que emplea al agente Ethan Hunt (Tom Cruise), es clausurada luego de verse implicada en un atentado al Kremlin. Por eso, Hunt y su equipo se reúnen para rastrear a la organización terrorista que los inculpó y limpiar el nombre de la agencia.

Frankenweenie: uno de los primeros cortometrajes de Tim Burton se hace película en esta historia animada que cuenta con la participación de Winona Ryder, una de las primeras musas inspiradoras del director. Cuando el perro de Víctor muere atropellado por un auto, el niño lo revive creando a una especie de Frankenstein mascota. Ante el horror de los vecinos y sus padres, el reto de Víctor consistirá en proteger a su viejo amigo y convencerlos de que, más allá de la apariencia, el perro sigue siendo el mejor amigo del hombre.

El Vengador del futuro: algunos fanáticos se sentirán traicionados con esta adaptación del clásico de ciencia ficción protagonizado por Arnold Schwarzenegger en 1990. En medio de un caos mundial entre dos naciones enemigas buscando la supremacía, un operario de fábrica (Colin Farrell) comienza a sospechar que podría ser un espía. El problema es que no sabe para qué bando trabaja. Al parecer no habrá expedición a Marte ni mujer con tres senos…

El gran Gatsby: el director de Moulin Rouge comanda esta adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald, erija que Nick (Maguire), un hombre común y corriente, se deja conquistar por su vecino Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), quien lo introduce a un mundo sórdido, donde más allá de la apariencia, lo único que espera al final son la obsesión, la locura y la tragedia.

21 Jump Street: de qué va, en un año en el que remakes y adaptaciones serán moneda corriente, se destaca la versión de la serie televisiva 27 Jump Street. Se trata de la dirección donde opera un escuadrón encubierto de la Policía, cuya particularidad es que los oficiales parecen adolescentes y están infiltrados en la secundaria, investigando crímenes de pandillas juveniles. Todo mientras deben asistir a clase, rendir pruebas y aprobar exámenes.

Tal vez recuerden esta película… pero es probable que no, porque pasó sin pena ni gloria por las salas de todo el mundo, y fue vapuleada por la crítica. Y lo que le faltaba a la película protagonizda por Tom Hanks y Julia Roberts: una multa de 30.000 euros a su distribuidora en España. ¿Por qué? El afiche promocional de Larry Crowne muestra a Julia y Tom montados en una moto, con lentes de sol, sonrisas y los pelos al viento. Los pelos al viento, ahí está el problema:

la Dirección General de Tráfico de España prohibe expresamente en su artículo 52 la “publicidad en relación con vehículos a motor que ofrezcan en su argumentación escrita o verbal, en sus elementos sonoros o sus imágenes, incitación a la velocidad excesiva, a la conducción temeraria, a situaciones de peligro o cualquier otra circunstancia”. Así que la distribuidora de Larry Crowne, después de haberse fumado el fracaso en taquillas y los golpes de la critica, deberá afrontar la multa por “promocionar conductas temerarias”. Así está el mundo: puede pasar cualquier cosa, pero si dos tipos aparecen en un afiche sin casco, eso es conducta temeraria.

¿Alguien recuerda cuándo fue la primera vez que Linsay Lohan estuvo en un proceso judicial o fue directamente a prisión? No, obviamente. Ya perdimos la cuenta, tanto que mientras pensábamos que estaba adentro, estaba libre y estuvo un rato en la cárcel, pero solo de pasada. La actriz de 25 años que de actriz está teniendo poco se presentó el domingo 6 de noviembre en el Century Regional Detention Facility en Lynwood minutos antes de las 9 de la mañana para comenzar una nueva sentencia, esta vez de 30 días, por haber violado su libertad condicional (una de las tantas libertades condicionales).

Pero cinco horas después salió con otra libertad condicional, porque hay superpoblación de reclusas y bla, bla, bla. Horas después, llegó una -¿buena?- noticia: “Lindsay Lohan aparecerá en nuestro número de enero/febrero, que llegará a los kioscos a fines de diciembre”, informaba en un comunicado la revista Playboy. El portavoz confirmó que Lohan había completado una sesión fotográfica y que será portada de la revista. “Las imágenes son absolutamente fantásticas y de buen gusto y estarán acompañadas por una entrevista que permitirá a los lectores conocer el otro lado de Lindsay”.

Smallville temporada final: luego de su estreno en octubre de 2001 y de superar 10 temporadas y 214 episodios, ha llegado el momento que todos han esperado por años, el final de la última temporada de Smallville. La historia de la juventud de Cark Kent (Tom Welling) en el pequeño pueblo en Kansas que da nombre a la serie, termina en un capítulo especial de dos horas, en el que Clark dará sus últimos pasos para convertirse en el superhéroe que todos conocemos.

Michael Jackson la pelicula: el productor, narrador y mejor amigo de Michael Jackson, David Gest ha reunido los hechos más importantes de la vida de Jackson con entrevistas a personas que conocieron bien al artista. Además, para celebrar sus muchos logros como el artista más vendido de todos los tiempos, la cinta finalmente dará respuesta a algunas de las especulaciones que rodearon la vida de Jackson.

Película El cisne negro: el Lago de los Cisnes requiere una bailarina que puede interpretar tanto al Cisne Blanco con la inocencia y la gracia necesarias, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se ajusta al papel del Cisne Blanco perfectamente, pero Lily es la personificación del Cisne Negro. Mientras las dos jóvenes bailarinas amplían su rivalidad, Nina empieza a estar más en contacto con su lado oscuro, una imprudencia que amenaza con destruirla.

Al ser considerado no apto para el servicio militar, Steve Rogers se presenta como voluntario para un proyecto de investigación ultrasecreto. Cuando ingresa a este proyecto, asume una nueva identidad, la de Capitán América, un superhéroe que destinará su vida a defender los “ideales americanos”.

El humor de Rowan Atkinson regresa en la nueva aventura del estrafalario espía, que ahora tiene la posibilidad de redimirse de errores del pasado. No podía no tener una segunda parte. Era cuestión de tiempo para que llegara una nueva entrega de Johnny English Reborn. El momento es ahora, ocho años después del éxito de la primera aventura cinematográfica del impresentable espía británico, ese pedazo de idiota interpretado por el gigante Rowan Atkinson, el popular Mr. Bean. La película lo encuentra recluido en un monasterio budista, cultivando el poder de la mente frente al cuerpo, hasta que recibe el llamado de la patria, que lo convoca para detener a un grupo de asesinos internacionales que planean eliminar al primer ministro chino. Experto en artes marciales y maestro del disfraz, él sabe que el mundo lo necesita y él necesita redimirse del concierto de desastres producidos años atrás.

Crepusculo Amanecer Parte 1: el amor entre Bella y Edward se mueve en base a promesas y acuerdos. La negociación forma parte del día a día de esta pareja. De qué otra manera se puede conciliar cualquier relación, ni hablar si se trata de una entre una humana y un vampiro. Hasta ahora se han “firmado” tres acuerdos. El primero, que Edward transformaría a Bella. Recordemos que el gran temor del personaje de Kristen Stewart es envejecer, y dado que están en edades casi iguales, el momento parece perfecto.

Claro que Edward acepta con la condición de que ellos dos se casen, ese es el segundo acuerdo, mientras ella aún sea humana. Bella quiere apurarse a su nueva vida como vampiro, mientras que Edward le aconseja que disfrute y aprecie sus últimos días como humana y que valore todo lo bueno de ese mundo. Sin embargo, la tercera y verdadera puja sucedió en el terreno sexual, donde Edward no accedió a negociar y exigió el casamiento antes de hacer el amor con Bella, tema muy presente desde la primera entrega de esta saga de vampiros que ha sumado adeptos en todo el mundo.

En Happy Feet 2: El pingüino, la contradicción es múltiple. Al hecho de que sea una historia gélida de la Antártida producida desde Australia, se le suma la condición esencial de este universo que en breve llegará de nuevo a las pantallas en 3D: en el país de los pingüinos emperador es una condición saber cantar. No hay vuelta. El problema se desata, en la primera parte, porque nuestro protagonista, Mumble, es nada menos que el peor cantante pingüino que pueda existir a lo largo y ancho del frío polo. Norma Jean, la madre de Mumble, piensa que su hijo es muy bueno en el baile del zapateo americano, pero su padre, Memphis, no cree que eso sea “una cosa para pingüinos”.

Eso sí: ambos saben que sin una buena canción de amor, ningún pingüino emperador consigue pareja. Pero antes de que esto llegue a ser un problema, Mumble descubre a los Amigos Adelias, un grupo de pingüinos que no tienen nada que ver con el resto de su especie y que aceptan con alegría y sorpresa sus aptitudes para el baile. Junto a ellos, nuestro personaje recorrerá los paisajes fríos de la Antártida -magistralmente generados en animación- y vivirá las aventuras que hicieron de Happy Feet una gran apuesta del cine animado.

Brad Pitt y Matthew Fox protagonizan World War Z, esta película basada en la novela homónima del escritor Max Brooks publicada en noviembre de 2006. La película muestra una serie de reportajes y entrevistas que realiza un empleado de las Naciones Unidas para complementar el informe numérico de la gran guerra Z, en la que los humanos pelearon contra los zombies. Así, la historia narra los hechos de la guerra a través de los sobrevivientes, desde que se encontró al paciente cero hasta que el conflicto se resolvió una década después.

Hablando del personaje del momento llamado  Ben 10, ademas de verlo por television, ahora  puedes jugar con él y todos los personajes de la serie en todo momoento.  Si tienes computadora, en internet encuentras sitios con muchos Juegos de Ben 10 donde en la mayoria de ellos controlaras a Ben Tennyson, y usaras el poder del Omnitrix para combatir del lado de uno de los cinco alienígenas extraídos de la serie en una aventura repleta de desafíos increibles. Incluyendo al personaje de Ben, Gwen, el Abuelo Max, el malvado Kevin 11, los Forever Knights y el enemigo de Ben, Vilgaix.

Roman Polanski reúne un reparto de primera en esta adaptación bastante fiel de la exitosa obra de teatro homónima. La historia es sencilla: dos parejas se reúnen un día para conversar, intercambiar opiniones y llegar aun acuerdo sobre sus hijos, que se enredaron en un altercado en el parque. Los cuatro adultos se conocen por primera vez y en la reunión dialogan sobre sus hijos, la educación, la política y otros temas, encontrando puntos en común y otros de alejamiento. Es una comedia dramática protagonizada por Kate Winslet, Christoph Waltz (Nancy y Alian Cowan) y John C. Reilly y Jodie Foster (Michael y Penelope Longstreet).

Las aventuras de Tintin: está todo preparado para que Steven Spielberg y Peter Jackson estrenen su trabajo en conjunto, donde el primero estuvo detrás de cámaras y el segundo fue responsable de la producción. El joven detective Tintín se topa casi que de casualidad con una nueva aventura: un tesoro perdido en el Unicornio. El Unicornio es uno de los pocos barcos que pudo atravesar los siete mares y, de acuerdo a la leyenda, esconde un inmenso tesoro. Por supuesto que son muchos los que quieren dar con el botín, lo que llevará a Tintín y Milu a recorrer el mundo en busca de pistas, al tiempo que escapan de nuevas amenazas.

Immortals: luego de una gran batalla que tuvo al cielo como escenario, los ganadores se proclamaron dioses y los perdedores titanes. Estos últimos quedaron confinados a una celda en la Tierra, esperando algún día ser liberados para lanzar su venganza hacia sus opresores. El rey Hyperion (Mickey Rourke) planea utilizar esta arma a su favor, dado que con ella podría destruir a la humanidad. Zeus y los dioses confían en que el mortal Teseo (Henry Cavill) es el único que puede detener los planes de Hyperion. Entonces lo contactan y lo guían para que junte a un ejército que habrá de pelear por los humanos y para mantener el reinado de los dioses del Olimpo.

Ethan y Joel preparan su llegada a la pantalla chica. Será con HarveKarbo y tendrá mucho del toque Coen: personajes excéntricos, algunos excesos, misterio y mucho humor negro. Ellos serán cocreadores y productores ejecutivos de esta nueva serie de la cadena Fox, y se encargarán de darle los lineamientos básicos del guión a Phil Johnston. ¿De qué viene HarveKarbo? Los hermanos Coen se meten a explorar el lado pervertido, oscuro y vicioso de Hollywood. Habrá un detective privado que seguirá las huellas de todos los hechos estrafalarios de Los Angeles y, aunque restan definirse los protagónicos y otros detalles, la idea les calza perfecto. Y promete, mucho. Parece que con el mundo del cine reconociéndolos una y otra vez, con éxitos de la talla de El gran Lebowski, Fargo, Sin lugar para los débiles y premios varios, ahora quieren dominar la televisión.

Vida de Steve Jobs
La muerte de Jobs abrió la batalla por hacerse con los derechos para llevar su vida al cine. Sony tiene pensado llevar al cine la vida del fundador de Apple en una biopic, y según informan medios estadounidenses, la productora ya habría hecho una oferta que asciende a los tres millones de dólares. Sony deberá adelantar un millón de dólares para hacerse con los derechos de la biografía escrita por Walter Isaacson (revista Time, CNN), y deberá agregar los otros dos millones en caso de que el filme llegue a rodarse. Aunque resta la confirmación, la compañía ya ha designado a Mark Gordon como productor para dar forma al proyecto. Gordon produjo éxitos como 2012, Rescatando al soldado Ryan y Grey’s Anatomy.

Aunque no los aparente, la actriz cumplirá 40 años dentro de poco. Nacida en Chicago en 1972, y criada al sur de Illinois en una familia de ascendencia irlandesa, Robin Tunney estudió en el St. Ignatius College Prep y después se preparó para la actuación en la Chicago Academy For The Performing Arts. A los 18 años ya estaba en Los Angeles y al poco tiempo inició su carrera en series como Life Goes On (1989), Dream On (1990) y la policíaca Law & Order (1990), que la catapultó a la pantalla grande primero con Hombre de California (1992) y, tres años más tarde, como una joven suicida en Empire Records, rol para el que tuvo que raparse.

Al año siguiente hizo de joven con poderes místicos para el filme Jóvenes brujas (1996). 1997 sería un año especial para Tunney. Fue el año en que se exhibió Niágara, Niágara, película por la que ganaría el Premio a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Por si fuera poco, fue en el rodaje de esa misma película donde conoció a quien sería su esposo durante cinco años: el director Bob Gosse. La década terminaría con El dia final, aquel filme protagonizado por Arnold Schwarzenegger en el que ella interpretaba a la niña maldita en su adultez.

Cars 2 DVD
La estrella de los autos de carrera, Rayo McQueen, y el incomparable camión de remolque Mate, llevan su amistad hacia emocionantes lugares, cuando viajan al extranjero para competir en el primer Grand Prix Mundial para ver quién es el auto mas veloz del mundo. Sin embargo, el camino hacia el campeonato se llena de baches, desvíos y divertidas sorpresas.

Rapido y furioso 5in control: En la exótica Río de Janeiro, Toretto y O’Conner, perseguidos por el implacable agente Hobbs, vuelven a juntar a la pandilla para llevar a cabo un último trabajo: el audaz robo de 100 millones de dólares. En el disco con extras: un nuevo set de increíbles autos y perfiles detallados de los mismos, escenas eliminadas, reel de gags y comentarios del director.

La mejor noche de tu vida: Ambientada en la década de 1980, la película cuenta la historia de Matt (Topher Grace), un joven que abandona el éxito de Wall Street para trabajar de empleado de un video club. Su amor imposible vuelve a la ciudad y él, su hermana melliza y su mejor amigo vivirán una noche desenfrenada mientras la persiguen.

Glee 3D pelicula: la serie musical que juega con los estereotipos del highschool se hace película en este documental que retrata los mejores momentos de la gira de verano del elenco. Este formato dejó de ser novedad. Todo ídolo pop ha tenido su filme: Jonas Brothers, Justin Bieber, Miley Cyrus… Y, como en tantas otras ocasiones, esta película combina los mejores momentos de la banda durante su gira de verano 2011, además de mostrar a los fans, haciéndolos parte de la historia. La diferencia, quizá, reside en que los actores continúan con su personaje, es decir, no se ve a Leah Michele, Cory Monteith o DiannaAgron, estamos frente a la insoportable e increíblemente talentosa Rachel, al pésimo para el baile Flnn, a Quinn Fabray y compañía. El canto, el baile y algunas historias de la serie se mezclan en este sedante que pretende mantener calmos a los fanáticos hasta que se estrene la tercera temporada de Glee, que de acuerdo a sus productores, será la última de la que participarán estos actores. Sí, los gleeks han comenzado su duelo.

Dream House: Daniel Craig y Rachel Weisz protagonizan este thriller sobre una pareja que comienza una nueva etapa en un nuevo hogar, donde los inquilinos anteriores fueron brutalmente asesinados. Will Atenton (Craig) es un editor exitoso que decide comenzar una nueva vida en un nuevo lugar. Así, renuncia a su trabajo en Nueva York y se muda junto a su esposa Libby (Weisz, quien es la esposa de Craig en la vida real) y sus dos hijas a una hermosa casa en un suburbio de Nueva Inglaterra.

Al tiempo de llegar, los padres descubren que en ese mismo lugar fueron asesinadas una madre y sus hijas. Supuestamente, el autor fue el esposo y padre de familia, quien luego de la tragedia desapareció. La historia capta la atención de Will y, al investigar por el vecindario acerca del pasado de la familia, él se encuentra con Ann (Naomi Watts), una vecina que parece conocer muy de cerca a los antiguos inquilinos. A medida que la pareja empieza a armar el rompecabezas, descubrirá que el próximo objetivo del asesino podría ser la propia familia de Will.

El papel de Max hijo de Charlie (Hugh Jackman) cayó en manos de Dakota Goyo, canadiense que fue seleccionado entre miles de niños de 10 años que se presentaron a una audición para poder ser parte de esta película. Cada puñetazo de un robot va acompañado de un sonido específico diseñado en relación al material de su esqueleto, a sus mecanismos, a su contextura y su masa corporal. Además, hay un sonido asociado al aura de cada robot, de manera que al encenderlo emite un zumbido, un silbido, el rugir de un motor o el sonido de una computadora.

En Gigantes de acero aparecen dos mundos del boxeo de robots claramente demarcados. Por un lado se encuentra la liga oficial (la WRB), patrocinada por grandes compañías, en la que se mueve mucho dinero, con competencias en sitios acreditados y estrictas reglas. Por el otro, está el circuito marginal, donde se compite en sitios no autorizados, sin reglas, sin restricciones y donde los robots luchan hasta morir.

Hay bastantes movimientos en el tutorial, pero a la hora de luchar con ben 10 todo se disuelve mientras   agitas tristemente los brazos intentando golpear. No cabe la lucha táctica porque te frustrarás cuando   intentes lanzar un ataque y el resultado sea que tu caricatura de Bben 10 besa la lona. Tu mejor arma es   cargar el medidor para lanzar un KO instantáneo, pero es una muestra de la falta de sutileza del juego. Vistazo general: Un juego de ben 10 entretenido que consigue una actualización un control de Wii pero al que le falta el   espíritu de lucha. Los fondos son poco trabajados pero un buen juego flash. La voz segura y tranquila nos ha llegado al corazón. El resto son ruidos de puñetazos y gruñidos. Es un party game aceptable para unas horitas en el modo Carrera, pero cansa pronto. Estaría bien arrojar a todos los juegos de ben 10 a un foso y ver cuál ganaba. Sigue la búsqueda del juego de lucha de ben 10. Sugerimos esperar a ver qué tal resulta antes de gastarse   la pasta. No hay lógica para los personajes famosos aparte de unas risas fáciles. Creaciones originales como Trueno   Afro eran mucho mejores. El primer juego de ben 10 no era malo, pero tal vez debería pensar en irse   retirando. ¿Acaban de darle un puñetazo o está sonriendo a las cámaras? Tendrás la oportunidad de “encargarte” de los personajes.

A primera vista Gigantes de acero es una extraña combinación. Por un lado tenemos grandes dosis de acción robótica y por otro, un drama catalogado por sus realizadores como “para toda la familia”, rótulo que, salvo que esté Pixar detrás, no suele ser muy auspicioso. ¿De qué va la historia? Se desarrolla en un futuro no muy lejano en el que los boxeadores de carne y hueso han quedado fuera del ring al ser sustituidos por robots de dos metros y medio que se convierten en los grandes protagonistas de este deporte.

En este escenario ingresa Hugh Jackman para encarnar a Charlie, un ex boxeador que ha caído en el olvido y va cabizbajo por la vida. Hasta que de tanto mirar el piso encuentra una oportunidad para volver a la superficie al recomponer la relación con su hijo de 11 años y comenzar a trabajar como entrenador de robots. Al principio cuando DreamWorks fue a golpear la puerta del director Shawn Levy, él no estaba muy seguro de aceptar el desafío de liderar esta película.

La piel que habito: esta última película de Almodóvar significa el reencuentro entre el director y quien había sido su actor favorito en muchas de sus películas: Antonio Banderas. Debemos remontarnos a 1990, cuando se estrena ¡Atame!, una de las más bizarras películas del director, para ver el joven rostro de Banderas por última vez en una protagónico de Almodóvar. Previamente, el trabajo entre ambos había sido casi mecánico: Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), La ley del deseo (1987) y Matador (1986).

Quizá el cambio más radical en estos dos directores se vislumbre sin mayores problemas en la figura de Alex de la Iglesia. Si uno se acerca a sus primeras películas, como El día de la bestia, Muertos de risa o La comunidad, puede notar diferencias con respecto a sus últimas películas: antes podíamos hablar sin mayores inconvenientes de producciones más austeras, personajes marginales de España y el absurdo llevado al paroxismo como recurso de cabecera. Los últimos intentos han hablado de otra forma. La incomprensible Los crímenes de Oxford y su nueva Balada triste de trompeta se han alejado de ese primer tipo de cine, lo que no significaría algo malo de por sí, si el rumbo hubiese sido otro.

El camino que los dos realizadores recorrieron hace un tiempo en la industria cinematográfica, bien puede considerarse la síntesis perfecta de los dos mundos que conviven en las pantallas españolas. Si, por un lado, el cine de Almodovar siempre representó la clásica etiqueta de exportación, el de De la Iglesia conseguía unos pocos pero muy fieles adeptos de culto. Y esta fue la historia… hasta que todo cambió.

La historia de Tom Welling es la de un joven estadounidense muy atractivo que por casualidad llega a convertirse en una cara conocida de la televisión internacional. Una vez que terminó sus estudios en la secundaria en Okemos, Michigan, Welling se puso a trabajar como obrero de la construcción. Su día a día transcurrió con normalidad y cierta monotonía hasta que, cuando Welling tenía 21 años, un buscador de talentos lo descubre y le sugiere que con su atractivo físico puede hacer una exitosa carrera como modelo.

Welling tomó esta oportunidad y no tardó en conseguir buenos contratos que lo llevaron a viajar por el mundo, pero no se sentía satisfecho con el trabajo como modelo y se interesaba cada vez más por la actuación. Se trasladó a Los Ángeles, donde obtuvo algunos papeles pequeños pero con buenas críticas. Fue en 2001 cuando el éxito al fin le sonríe y es elegido para protagonizar a Clark Kent durante su adolescencia para la serie de televisión Smallville. No podemos decir con certeza que no hubiese llegado a consolidarse como actor de todas formas si su suerte hubiese sido otra, porque ha demostrado tener talento, pero la realidad es que la carrera del modelaje le abrió puertas que muchos pasan años tocando sin lograr entrar.

Chris Evans y la multifacética Evan Rachel Wood Si la cosa funciona protagonizan los cortos cinematográficos de la campaña de las fragancias masculina y femenina Gucci Guilty. Dirigida por el talentoso artista gráfico y creador de cómics Frank Miller [Sin City o La ciudad del pecado), la historia del encuentro entre un hombre y una mujer es una de las publicidades más fogosas y bellas de los últimos tiempos.
En el estilo blanco y negro del film noir que es marca de Miller, solo hay color en el cielo, en el fuego de las ruedas del auto de Wood y de la moto de Evans, y en el pelo dorado de la hermosa actriz. El sonido también es protagonista, rugen motores, se escuchan los pasos de ella en filosos stilettos y los de él en poderosas botas, y suenan versiones de Strangelove de Depeche Mode. Erotismo intenso, piel, sombras y luces, hermosas imágenes de los atractivos actores, fotografía de Miller: extracto imperdible de placer culposo.

EL LEGAJO DEL CAPITÁN.
Chris Evans fue la Antorcha Humana. Para interpretar el personaje más creíble y mejor representado del cuarteto protagonista de Los 4 fantásticos (2005) y Los 4 Fantásticos y Silver Suríer (2007), Evans tuvo que enfundar su cuerpo en el uniforme tipo traje de buzo azu! y negro. En la odiosa comparación, hacía que su colega uniformado igual, el Sr. Fantástico (loan Gruffud), se viera nada fantástico y algo ridículo. En la que sí se prendió fuego Evans fue en Sunshine: Alerta solar (2007), apocalíptica tontería de ciencia ficción de Danny Boyle. Para la rival de Marvel, DC Comics, hizo Los perdedores (2010), sobre unos agentes encubiertos de la CÍA que sobreviven a un intento de eliminación y se vengan de quienes dieron la orden de matarlos. Además, fue el penúltimo malvado exnovio de la interesante Scott Pilgrim vs. the World (2010), película basada en el cómic homónimo en la que Evans interpretaba a una ágil, repleta de testosterona y peleadora estrella de cine de acción (¿premonitorio?). Acción había tenido en Celular (2004) junto a Kim Basinger, thriller que fue la llamada fallida al salto a la fama de Evans, que hasta ese momento había actuado en las comedias feen No es otra tonta película americana (2001) y La prueba perfecta (2004). En esta última acompañó a Scarlett Johansson, a quien volvió a secundar en la comedia El diario de la niñera (2007) y con quien volvió a unirse ahora para la megasuperheroica Los Vengadores, en la que la actriz es la Viuda Negra. Como si fuera su “última oportunidad” de mostrar su versatilidad, este año Evans estrenará una comedia romántica, What’s yournumber? junto a Anna Faris, y un drama basado en una historia real, Puncture, en el que interpreta a un abogado drogadicto que se enfrenta en la corte a una I corporación de medicamentos. Aunque sienta el peso de la responsabilidad de protagonizar Capitán América (que además costó US$ 140 millones) Chris Evans dice de su trabajo como supersoldado: “Es una linda seguridad laboral, pero no da mucha libertad. Ese es el sacrificio, y lo vale. Los que tengo son solo ‘buenos’ problemas. Ni que fuera ‘pobre de mí, estoy trabajando en una mina de carbón’, o algo por el estilo”.
APENAS ACEPTO SER EL CAPITÁN AMERICA, EL ACTOR DE 30 AÑOS COMENZÓ A IR AL PSICÓLOGO PARA HABLAR DE SU CONFLICTO PERSONAL CON EL ROL.

Chris Evans es el capitan america.
Complexión física perfecta, músculos que parecen dibujados, 1,84 metros de altura, cara de típico american boy, ojos de un azul claro intenso, algo de profundidad en su mirada y experiencia en interpretar superhéroes: la batalla que libró Marvel para enrolarlo como el supersoldado está más que justificada.
Chris Evans no quería ser el Capitán America. La perspectiva de quedar asociado a un rol gigante y comprometer sus próximos 10 años de carrera lo sustaba. Pero los estudios Marvel, que en principio no habían pensado en Evans por su pasado reciente como uno de los 4 Fantásticos, insistieron, negociaron, resignaron cuestiones contractuales y se armaron de paciencia para convencerlo. El presidente de la empresa Kevin Feige y el director Joe Johnston llegaron a reunirse con él para mostrarle los primeros bocetos del arte y del diseño de producción de la futura película. Mientras rechazaba la propuesta una y otra vez, el actor entró en un camino de cuestiona-mientos personales en el que llegó a preguntarse qué pasaría si dentro de un par de años quisiera dedicarse a otra cosa que no fuera la actuación y siguiera atado a ella por contrato. Lejos de ser problemática para Marvel, la crisis existencial de Evans confirmaba su idoneidad para el trabajo. “El dilema moral del señor Evans mostró que era perfecto para interpretar al Capitán América y a su álter ego Steve Rogers”, dijo el director Johnston al New York Times, y agregó que “Rogers es un muchacho que en el fondo tiene una misión muy simple, solo quiere servir a su país y hacer lo correcto. Y Chris demostró ser un muy buen ser humano, capaz de llevar el corazón en la mano cuando lo necesita”.
Finalmente, Evans firmó para hacer Capitán América, dos futuras secuelas y la trilogía de Los Vengadores, en las que compartirá cartel con el Iron Man de Robert Downey y el Thor de Chris Hemsworth, entre otros. En el set de Los Vengadores, Hemsworth y Evans “intercambiaron figuritas” sobre el impacto de pasar de ser un actor desconocido a una superestrella. “Asumimos erróneamente que a nadie le pasa lo que nos pasa a nosotros”, dijo Hemsworth sobre sus charlas, “pero, por supuesto, a todo el mundo le pasa. Y no se trata de ser temerario, se trata de hacer las cosas a pesar del miedo”.

HISTORIA DE UN PERSONAJE.
El personaje apareció por primera vez en julio de 1940 en las páginas de All-American Comics. Con el paso del tiempo fue evolucionando, hasta ganarse su propia historieta. El primer Linterna Verde humano fue Alan Scott, aunque el más popular de ellos es el piloto Hal Jordán, creado por John Broome y Gil Kane en la revista Showcase en octubre de 1959. Al principio, el anillo de poder era un objeto mágico, luego, con las historias de Broome y Kane, el superhéroe fue cobrando mayor dimensión y el anillo se transformó en un artefacto creado por una tecnología avanzada. A diferencia de su místico predecesor, el nuevo Linterna Verde tenía un poco más de ciencia ficción, siendo miembro de una fuerza policíaca intergaláctica compuesta de numerosas especies de extraterrestres, cada una con un anillo que les da habilidades físicas y mentales extraordinarias. Broome y Kane también crearon varios de los personajes principales en la vida de Hal que aparecen en la película, incluyendo a Carol Ferris, Tom Kalmaku y algunos de los miembros de su familia.

La imaginación y el poder.
“A diferencia de Superman o Batman, con quienes la gente está más familiarizada, Linterna Verde no es parte de una tradición diaria… todavía”, sostiene Michael Green. Green, guionista de la serie Héroes, escribió el libreto junto a Greg Berlanti (Dirty Sexy Money), Michael Goldenberg (Harry Pottery la orden del Fénix) y Marc Guggenheim (La ley y el orden). “Queríamos tomar de la mano a la audiencia, mientras conocen a este gran personaje y ven un lugar como Oa por primera vez”, apunta Green. Para Goldenberg, lo que hace tan especial a Linterna Verde, es que, a final de cuentas, “sus habilidades dependen del poder de su imaginación”. Para Berlanti este atractivo también fue un reto constante: “Cuando tenes un personaje con el poder de traer a la realidad cualquier cosa que puede pensar, de conseguir cualquier cosa que le venga a la mente, tenes que hacerlo cada vez más y más emocionante mientras la historia se desarrolla”. Y esa historia sigue. “Todo lo que veo en mi mente, lo puedo crear”, dice Jordán. Y ahora mismo, mientras esta nota es colocada en página, los productores de Warner Bros, tienen en menté hacer la segunda parte de Linterna Verde.

Uno de los planetas más viejos en las galaxias, el ficticio Oa, sirve como cuartel para una raza de humanoides omniscientes autonombrada Los Guardianes del Universo, una especie de corte suprema que supervisa el Cuerpo de los Linternas Verdes. Oa también resguarda la batería central de poder, la fuente de toda energía, incluyendo la energía para los anillos de Linterna Verde. “Aunque Oa es completamente digital, el diseño tenía que ser orgánico y creíble”, comenta el director. “Todo lo demás debía ser fantástico, pero al mismo tiempo plausible”. El director de arte confió en el experto en cómics Ozzy Inguanzo, quien compiló todo lo que los cineastas necesitaron saber para diseñar la película. “Me sumergí en más de 50 años de cómics de Linterna Verde, trabajé duro en respetar la integridad de la fuente del material y en incluir hasta el más mínimo de los detalles en la película”. El equipo creativo incluyó también a Dion Beebe (Memorias de una geisha) en la dirección de fotografía, a Gran Major (El señor de los anillos) en la dirección de arte, y a John DesJardin (Watchmen) en la supervisión de efectos especiales, además de contar con la vestuarista Ngila Dickson, que también trabajó en la saga de El señor de los anillos. La música es del compositor James Newton Howard, el mismo de Mujer bonita, Señales, El protegido, La aldea y las dos Batman de Christopher Nolan (en este último caso, junto a Hans Zimmer).

El voto que el alma pronuncia.
Al entrar al Cuerpo, cada miembro realiza un importante juramento, el de servir y proteger el universo. Esta declaración es parte de la tradición de Linterna Verde y, según el director Campbell, “es un momento fundamental cuando lo escuchamos por primera vez en la película”. Cuando el anillo y la linterna son otorgados a Hal, él no sabe qué significa eso. Y es entonces cuando empieza su viaje de descubrimiento. “Decir el juramento por primera vez fue un poco atemorizante”, revela el actor. “Es algo que mucha gente conoce muy bien, entonces traté de manejarlo con guantes de seda”. Este juramento, junto con la linterna y el anillo, son las herramientas que le otorgan los poderes a Linterna Verde. Con estos elementos y su propia fuerza de voluntad puede crear y hacer todo lo que su mente pueda visualizar.
Amigos y rivales.
Si la nueva identidad de Hal como Linterna Verde es una sorpresa para él, también lo es para Carol Ferris, su amiga y ocasional amante. Hal y Carol tienen un lazo que viene desde que son niños. “Hay mucha historia ahí, buena y mala”, apunta Reynolds. El papel de Carol cayó en manos de la estrella de la serie Gossip girl, Blake Lively. “Carol es la mujer fuerte de la película”, explica Campbell. “Es fuerte, capaz y responsable, todo lo que no es Hal cuando lo conocemos por primera vez. Blake realmente combinó todas esas cualidades de manera natural”. El tercer elemento en la duradera e intermitente relación de Hal y Carol es Héctor Hammond (Peter Sarsgaard, el de Soldado anónimo y El precio de la verdad). Héctor creció con ellos y fue su amigo, pero siempre observaba desde afuera, deseando por un lado a Carol y por el otro ser como Hal. Incapaz de cumplir con las expectativas poco realistas de su padre, Héctor se convierte en un brillante profesor de una universidad comunitaria en una especialidad que es incluso más oscura que él mismo: xenobiología. Seguidor de la idea de la vida en otros planetas, a Héctor se le presenta la oportunidad de su vida cuando oficiales del gobierno aparecen ante su puerta y lo llevan a i.n oúñker secreto para examinar un cuerpo, el cadáver de un extraterrestre, para ser exactos, el primero en ser encontrado en la Tierra. Pero el momento más importante de Héctor resulta ser más peligroso de lo que se había imaginado cuando, a pesar de toda precaución, es expuesto al demonio más grande que ha conocido el universo: Parallax. Después de entrar en contacto con Parallax, Héctor comienza a desarrollar poderes propios. Al igual que la voluntad de Hal se activa por el color verde, los ojos de Héctor brillan con un color amarillo mientras absorbe la fuerza del miedo de los demás. Al haber visto siempre a Hal como un rival y a Carol como inalcanzable, la confianza recién encontrada de Héctor empieza a sacar lo peor de él. “El infierno se desata”, dice Sarsgaard, “aunque para Héctor es lo mejor que le ha pasado en la vida”.

Policías galácticos.
El universo, vasto y misterioso, necesita un poco de orden. Aunque no lo parezca. Y para eso existe una patrulla especial, un grupo de élite que desde hace siglos trabaja incansablemente por mantener la paz y la justicia intergaláctica. La patrulla es conocida como el Cuerpo de Linternas Verdes, que se encarga de resguardar los 3.600 sectores del universo bajo la supervisión de una antigua raza de inmortales llamados los Guardianes, que viven en el planeta Oa. Provenientes de distintos planetas, cada uno de estos megapolicías estelares tiene un anillo que le concede el poder de crear de la nada todo lo que su mente pueda imaginar. Los portadores de ese anillo deben tener una voluntad y una fuerza especial para manejarlo. No es para cualquiera. Así está el mundo amigos hasta que un mal día entra en escena Parallax, un ser abominable que amenaza con destrozar la armonía del universo y dejar a la Tierra hecha un desastre.
Hal, el piloto.
Nunca un humano integró el Cuerpo de Linternas Verdes. Hasta ahora. Hal Jordán (Ryan Reynolds) es un piloto de pruebas de la Fuerza Área tan talentoso como arrogante. “Lo que me encanta de Hal es que no hay nada de extraordinario en él”, dice Reynolds Enterrado, La propuesta). “Obvio que no es necesariamente el ser humano promedio en términos de lo que hace para vivir, pero la mayor parte del tiempo no es un ejemplo excepcional de su especie. Solo es un muchacho responsable, aunque, por supuesto, hay razones para su comportamiento imprudente”. Esas razones provienen de sus años de juventud y han permanecido sin resolverse, incluso fueron ignoradas a propósito. Pero entrar en el Cuerpo lo llevará a autoexaminarse.

En el día más brillante, en la noche más oscura, el mal no escapará de mi vista.
Que aquellos que adoran el mal teman mi poder: ¡la luz de Linterna Verde!
Juramento de los Linternas Verdes.
Después de intentos fallidos, especulaciones, idas y vueltas y versiones animadas para televisión, otro héroe del universo DC Comics se instala en la pantalla de cine. Bajo la dirección de Martin Campbell, que hiciera Goldeneye (la primera aparición de Pierce Brosnan como Bond, James Bond) y 007 Casino Royale (la primera aparición de Daniel Craig como el agente secreto), y con Ryan Reynolds en el papel protagónico, el justiciero de traje esmeralda entra en escena para salvar a la Tierra.
El uniforme de Linterna Verde fue creado por computadora. Lo curioso es que fue la vestuarista Ngila Dickson quien sugirió que el vestuario más importante de la película fuera un efecto especial en sí mismo. Aunque Dickson no pudo manufacturar el conjunto físicamente, sí aportó los planos con un poco de ayuda. “Quería reinventar un poco lo ya conocido, entonces pensé en el traje siendo orgánico en su naturaleza” afirma Dickson. La artista se inspiró en viejos dibujos del ilustrador y anatomista del siglo XVI Andrés Vesalio. “Fue un regalo, de ahí en adelante, encontré el camino”. De esta manera, Reynolds (al igual que Mark Strong y Temuera Morrison, que interpretan a otros Linternas) usó trajes de captura de movimiento, además de marcas en su cara, ya que también el antifaz es digital.

El director M. Night Shyamalan realizó una película que intenta explicar la cuestión del superhéroe y las historietas. En El protegido (Unbreakable, 2000), dos personajes opuestos se conocen. Uno, David Dunn (Bruce Willis) fue el único sobreviviente de una sucesión de accidentes de proporciones inmensas; el otro, Elijah Price (Samuel L. Jackson) ,nació con un problema congénito que lo hace extremadamente frágil, lo llaman “Sr. Cristal”.
“¿Qué son las historietas?”, preguntaba Elijah y él mismo respondía: “Son exageraciones de la vida real”. Elijah reconoce algo particular en David y lo guía hasta que se convierte en una especie de superhéroe (sus habilidades son la fuerza y la posibilidad de conocer secretos de las personas por medio del tacto). Cuando llega el momento de despedirse, David descubre que su amigo Elijah es en realidad su antítesis: “Ahora que sabes quién eres, yo sé quién soy. ¡No soy un error! Todo tiene sentido. En un cómic, ¿cómo sabes quién es el archienemigo? Porque es el opuesto exacto al héroe. Y algunas veces son amigos, como tú y yo. Tendría que haberlo sabido de antes. ¿Sabes por qué? Por los niños. Me llamaban Sr. Cristal”. Por otro lado, uno de los diálogos más grandes en los últimos años del cine, fue, justamente, sobre superhéroes y cómics, y se produjo entre Bill (David Carradine) y Beatrix Kiddo (Urna Thurman) en Kill Bill: La venganza – Volumen 2, la genialidad de Quentin Tarantino. Bill confiesa que su historieta preferida es la de Superman, por la mitología que describe como “única”: “Algo estándar de la mitología del superhéroe es su álter ego. Batman en realidad es Bruce Wayne, Spiderman es Peter Parker, Cuando el personaje se despierta en la mañana, es Peter Parker. Se tiene que poner un traje para convertirse en Spiderman. Y esta es la característica en la que Superman se destaca solo. Superman no se convirtió en Superman. Superman nació como Superman. Cuando Superman se despierta en la mañana, es Superman. Su álter ego es Clark Kent. [... ] Kent usa los lentes, el traje… ese es el disfraz. Ese es el disfraz que usa para mezclarse con nosotros. Clark Kent es como Superman nos ve. Y cuáles son las características de Clark Kent: es débil, inseguro, es un cobarde. Clark Kent es la critica de Superman a toda la raza humana”.

Lo que se viene.
Para los próximos años ya se han confirmado más de 10 títulos que incluyen secuelas y nuevos personajes. Lo más esperado sigue siendo la tercera parte de la franquicia de Christopher Nolan, que llegará en julio del año próximo bajo el titulo Batman: The Dark Knight Rises y cuya campaña de publicidad viral dio mucho que hablar on-line. Man ofsteel, otro megaproyecto que deberá satisfacer las expectativas de los fanáticos de Superman, se estrenará en diciembre de 2012 y confirmó a Zack Snyder en la dirección y al inglés Henry Cavill y a Amy Adams en los protagónicos. Del lado de Marvel, lo nuevo podría darse con Deadpool (el antagonista de Wolverine en X-Men Orígenes), o en 2014 con la llegada a la pantalla grande de otro integrante de Los Vengadores: Ant-Man, un científico que puede aumentar y reducir el tamaño de su cuerpo.
A continuación todo lo que se viene:
The avengers – mayo 2012. Batman: The Dark Knight Rises – 2012. The Amazing Spider-Man – julio 2012. Ghosf Rider. Spirit oí Vengeance – 2012. Man of Steel – diciembre 2012. The Wolverine -se cree que para 2012. X-Men Orígenes: Deadpool – se cree que para 2012. Iron Man 3 -2013. Los 4 Fantásticos – 2013. Ant-Man – 2014.

La historia más reciente.
A partir del estreno de X-Men en 2000 y hasta el día de hoy hemos presenciado el boom de los superhéroes, en el que Marvel dominó en número de estrenos, pero quizá DC tuvo los de mayor peso. Los muchachos de Stan Lee y Jack Kirby estrenaron, por orden cronológico, El hombre araña (2002), Daredevil, el hombre sin miedo (2003), Hulk (2003), Los 4 Fantásticos (2005), Ghost Rider, el vengador fantasma (2007) y Iron Man (2008). Además, lanzaron varias secuelas: Blade II, el cazavampiros (2002), X-Men 2 (2003), El hombre araña 2 (2004), Blade: Trinity (2004), Elektra (2005), X-Men: La batalla final (2006), El hombre araña 3 (2007), Los 4 Fantásticos y Silver Surfer (2007), Hulk: El hombre increíble (2008), X-Men Orígenes: Wolverine (2009) y el año pasado llegó la segunda entrega de Iron Man. Así como DC fue comprada por Warner, el 31 de agosto de 2009 Walt Disney anunció la compra de Marvel Entertainment por US$ 4.000 millones.
DC Comics, por su parte, quiso dar pelea con Gatúbela (2004), Batman Inicia (2005), Superman regresa (2006), Batman: El caballero de la noche (2008) y el western Jonah Hex (2010). La secuela del hombre murciélago de Christopher Nolan se convirtió en la película basada en cómic más taquillera de la historia. Además, el género -cómic y novelas gráficas- nutrió al séptimo arte con las adaptaciones La liga extraordinaria (2003), Hellboy (2004), La ciudad del pecado (Sin City, 2005), 300 (2006), Hellboy II: El ejército dorado (2008), El espíritu (2008) y Watchmen – Los vigilantes (2009).
Este año ya se han estrenado X-Men: Primera generación, Thor, Linterna Verde (informe completo en este número de CineMag) y Capitán América; aunque todavía queden en el calendario Cowboys y Aliens (basada en el cómic wéstern) y Las aventuras de Tintín (de origen francés).

Lo que hoy conocemos como la Liga de la Justicia de DC, en su momento se llamó Sociedad de la Justicia Americana. El nombre se cambió en un intento de modernizar el cómic y la jugada dio resultados. El equipo estaba formado -en el cómic- por Superman, Batman, Linterna Verde, Mujer Maravilla, Flash, Aquaman, Hombre Halcón, Flecha Verde, Dr. Marciano y Canario Negro. Del lado de Marvel, la liga de justicieros más popular sería el escuadrón de los X-Men, aunque no sea estrictamente una “liga”. Los Vengadores (cuya película se estrena este año) sí forman una liga, comandada por Capitán América e integrada por Iron Man, Thor, Ant-Man, Bruce Banner y Avispa.

Él éxito de los cómics era un hecho y la industria cinematográfica quiso sacar provecho. Así, en 1941 se estrenó Aventuras del Capitán Maravillas, basado en el cómic Capitán Marvel o Shazam. El personaje era un niño que al decir la palabra mágica “shazam”, se convertía en un superhéroe. Nota: en la década de 1960, Stan Lee vio que el nombre del personaje no tenía derechos, por lo que creó la línea propia dentro de su empresa Marvel Comics.
El director fue John English, el mismo de Capitán América, el vencedor, la segunda película basada en un cómic. La década se cerraría en 1948 con el estreno de Las aventuras de Superman, que por entonces ya contaba con una transmisión de radio y cortos animados. La década de 1960 estuvo más marcada por la televisión que por el cine. La serie Batman, protagonizada por Adam West y Burt Ward, fue furor y hasta tuvo su adaptación en la pantalla grande. Si bien se había pensado en la serie como una parodia, el público la consumía sin descanso. La primera gran película de superhéroes fue Superman (1978) de Richard Donner, en la que el hombre de acero fue inmortalizado por Christopher Reeve. El filme, muy elogiado por la crítica, alcanzó tal éxito que dos años más tarde Richard Lester dirigía la secuela. En los 80, DC -que había sido comprada por Warner en 1976- sacó amplia ventaja a su rival, con otros títulos como Superman ¡II (1983), La primer gran aventura (1984) con Superchica j como protagonista, la cuarta’ entrega del hombre de acero (1987) y volvió a romper todos los esquemas con el estreno de Batman (1989) deTim Burton. A esa altura, Marvel hacía lo que podía en papel: en 1991 volvió a producir una nueva historia del Capitán América y en 1994 estrenó Los 4 Fantásticos, una de sus historietas más populares. En los 90 continuó la supremacía de DC con las secuelas de Batman (aunque Joel Schumacher haya metido la pata en la cuarta entrega). Aun cuando Marvel lanzó su primera franquicia al estrenar Blade, cazador de vampiros (1998).

Fracasos del cómic.
Es difícil elegir al gran fracaso de las adaptaciones del cómic al cine. Sin embargo, si esto fuera la casa de Gran Hermano, Hulk (Ang Lee, 2003) – Gatúbela (Pitof, 2004) estarían nominadas. La primera sigue siendo tema de conversación hasta el día de hoy. Nadie entiende cómo un estudio se animó a estrenar semejante aberración. Fue la película más vista en el estreno y a la semana siguiente obtuvo el segundo lugar en los descensos de entradas vendidas más rápidos de la historia. Gatúbela ni siquiera quedó en la memoria, aunque los protagonistas de la sit com The Big Bang Theory le dieron un espacio cuando Raj dijo que el traje de Penny de Gatúbela era incluso peor que el de Halle Berry. La película ni siquiera pudo recuperar el presupuesto invertido.
Elektra (Rob Bowman, 2005) puede ser otra candidata. Este personaje no hubiera tenido su película de no haber sido por el relativo éxito de Daredevil, el hombre sin miedo, en la que Jennifer Garner se puso el traje de la heroína. Con Elecktra quedó claro que una cara bonita no es suficiente para sostener un filme de acción de casi dos horas.
Por último, El Espíritu, basada en el cómic de Will Eisner (muy popular en su momento), solo recaudó unos US$ 19 millones en Estados Unidos. El público no estaba familiarizado con la historieta y eso les costó muy caro a los productores.

El origen del cómic.
Si definiéramos el cómic como una “serie de dibujos que constituye un relato, con o sin texto que los acompañe”, entonces deberíamos reconocer el origen de este en la antigüedad. Después de todo, desde el arte rupestre en las cavernas hasta los jeroglíficos de los egipcios, esta técnica se ha utilizado para narrar leyendas, transmitir enseñanzas o realizar rituales que perseguían fines concretos. El cómic como fenómeno industrial recién llega a fines del siglo XIX y principios del XX, cuando apareció el globo de diálogo en historietas como The Katzenjammer Kids (1897), Krazy Kat (1911) o Bringing up father (1913), esta última muy elogiada por sus aportes al cine.
Sin embargo, no fue sino hasta la crisis económica de 1929 que el cómic generó un impacto profundo en la sociedad estadounidense, que coincidió con la llamada “edad de oro” del pionero en Estados Unidos: DC Comics.
Como se explica en el documental Secref Origin: The Story ofDC Comics (2010, muy recomendable), el gigante de historietas surge por la fusión de tres empresas: National Allied Publications, Detective Comics y All-American Publications. Las dos primeras se fusionaron cerca de 1939 y compraron a la tercera en 1945. El nombre “DC” se explica por el lanzamiento de una nueva línea llamada Detective Comics, que tuvo mucho éxito. Pero el verdadero boom llegó con la línea Action Comics lanzada en junio de 1938 con la primera historieta del superhéroe más emblemático del mundo: Superman. El niño que llega de Kripton para convertirse en el defensor de Metrópolis fue creado en 1932 por Jerry Siegel y Joe Schuster, quienes lograron venderlo a DC recién cinco años más tarde.
El éxito de los Action Comics fue impresionante. Al poco tiempo se lanzaron nuevos héroes: Batman (1939) y la Mujer Maravilla (1941). La creación de esta primera heroína reflejó todos los avances que la mujer había tenido en la sociedad como consecuencia de las guerras; algo parecido a Luisa Lañe, una mujer activa, temeraria, que iba detrás de las noticias sin importar el riesgo. Claro que donde juega uno, pueden jugar dos. En paralelo al lanzamiento de Batman, en 1939 un tal Martin Goodman creaba una empresa de historietas llamada Timely Comics, nombre que fue variando -acompañado de sus escasos triunfos- hasta convertirse en Marvel Comics. Su primera publicación (Marvel Comics #1) fue la Antorcha Humana (un antecedente directo de Johnny Storm, miembro de los 4 Fantásticos). A partir de ahí, Marvel comenzó una buena década en la cual su héroe más destacado fue el Capitán América.
Los años de guerra mostraban a los superhéroes luchando por la nación, en apoyo explícito a las tropas (hubo un número de Batman en el que este entregaba armas a los soldados; otro de Superman en el que volaba hasta Alemania y Rusia y tomaba a Hitler y a Stalin para terminar con el enfrentamiento).
Cuando la guerra culminó, comenzó un período de crisis, pues las personas no estaban interesadas en leer sobre asuntos bélicos y mucho menos de robos a bancos, que parecían temas triviales. El mercado de historietas ya estaba dividido entre los dos grandes: Marvel y DC Comics. El primero ganaba en realismo y complejidad de sus personajes, mientras que el segundo comenzó a ser catalogado de simplón. La corriente cambió a finales de la década de 1970 cuando muchos de los veteranos de DC se retiraron (o fueron despedidos) y el sello debió contratar a nuevos artistas. Esta nueva generación se había formado con sus cómics, pero también con los de Marvel, por lo que lograron recuperar la calidad y la complejidad esperadas por el público. Además, se contrató a psicólogos para que realizaran aportes sobre la psiquis de los personajes y pudieran anticipar el impacto que generarían en el consumidor.
Además de los dos gigantes, el tercero en discordia fue Dark Horse Comics, empresa fundada por Mike Richardson recién en 1986. Sus principales exponentes son Frank Miller y Mike Mignola, con títulos muy destacados de creación propia como 300, Sin City o Hellboy, y otros que han realizado bajo licencia como Sfar Wars, Depredador, Alien o Conan.

¿Quién no se ha imaginado a sí mismo con super-poderes? Fuerza increíble, velocidad sin límite, invisibilidad o inteligencia sobrehumana. ¿Qué haríamos con estas habilidades? ¿Les sacaríamos provecho personal o las utilizaríamos para el bien de los demás? ¿Cuántos asuntos pendientes ajustaríamos antes de pensar en el resto de las personas? Cuestiones como estas son algunas de las tantas que nos preguntamos cada vez que atravesamos una situación en la que creemos que nuestras capacidades resultan insuficientes para salir victoriosos. En la que un superpoder haría la diferencia entre la amargura y la felicidad; entre la frustración y el sentido de realización. Entonces aparecen e cómic, los superhéroes y las mil adaptaciones que esas historias y esos personajes han tenido en la pantalla grande.
Porque ahí radica el magnetismo de las historietas: personajes increíbles que lograron conectar con el público en todos sus niveles; universos alejados que presentaban situaciones muy cotidianas; héroes que con cada decisión que tomaban afirmaban el tipo de persona que aspiraban a ser.

“¿A dónde, a dónde, a dónde estará, mi héroe adorado, mi gran Supercan?”, canturreaba la perrita de la serie de dibujos animados cuando necesitaba con urgencia la presencia del salvador canino. Qué pesada, pensaba yo, no deja que Supercan haga su trabajo tranquilo. Pero en realidad la perrita estaba haciendo su trabajo: ser el motor-amor de la vida “real” del superhéroe, ponerle nombre a sus salvatajes anónimos y mejorar su velocidad y su estado de alerta general. Es que “el amor mueve montañas” y los superhéroes se toman el refrán a pecho, literalmente. Así, siempre eligen para sufrir por amor a mujercitas con tendencia a caer desde grandes alturas, a estar en el epicentro de las catástrofes naturales y de los accidentes aéreos, a meter la nariz en asuntos peligrosos, en fin, a poner en riesgo su vida con periodicidad y alevosía. ¿Qué más quiere una mujer que ser rescatada de la caída libre, que a veces es la simple existencia, por un hombre fuerte, que la tome con firmeza de la cintura y la deposite suavemente en suelo seguro? Es que “el amor es ciego, embriaga y atonta”, y las mujercitas de los superhéroes experimentan esta idea a pecho, literalmente. Así, viven el vértigo del enamoramiento y entregan su corazón al puño del poderoso hombre de sus sueños. En Superman, la película “original”, Luisa Lañe le dice al hombre de acero: “¿Sabes cómo me haces sentir? Como una niña pequeña. Vos podes ver a través de mí”.
Ellas son las que no pueden ver a través de ellos, al menos al principio de sus historias: la relación que tienen con el álter ego del superhéroe es, en el mejor de los casos, conflictiva, y en el más anodino, de amistad. Tal vez colabore el hecho de que los superhéroes eligen esconder su verdadera identidad tras hombrecitos simples, torpes, aburridos, superficiales, cortos de vista, temerosos, poco atractivos, playboys o mujeriegos. Y dije su “verdadera identidad” porque, en mi opinión, la identidad “secreta” es la que constituye la esencia verdadera de estos hombres, es la que dejan al desnudo cuando se ponen esa suerte de segunda piel que eligen para enfrentar la maldad del mundo.
La dualidad del amor, que es tanto lastre como propulsor, se estampa en cada historia romántica de cómic. Por un lado, un superhéroe enamorado se vuelve frágil, la damita que le quita el sueño es la kríptonita en su bota, y muchas veces le hace cuestionar su “trabajo” y lo tienta con la promesa de felicidad de una vida normal y rutinaria. Por otro lado, lo conecta con sus sentimientos y lo apasiona, lo hace querer transformar el mundo solo para ella y realizar las mejores hazañas, lo hace ser el súper superhombre. En la película animada Megamente esta cualidad transformadora del amor se ve claramente: el maligno y resentido Megamente se pone a hacer buenas acciones (limpia la ciudad, arma un museo) impulsado por su estado de alegre enamoramiento y su deseo de conquistar a Roxanne Ritchie, la optimista periodista de moral intachable. Enamorarse de superhéroes no parece una idea brillante. Los personajes femeninos que lo hacen tienen poco sexo, mucha espera, bastante soledad, demasiado sufrimiento… en realidad, no difiere mucho de lo que vive una mujer real en una mala relación. Además, en contrapartida, las elegidas como interés romántico de los protagonistas de cómics se dan el lujo de darse besos únicos con hombres únicos, de dejarse llevar por los aires del amor, de sentirse especiales, alentadas y protegidas,… en realidad, no difiere mucho de lo que vive una mujer real en una buena relación. Salvo por los efectos especiales.

Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint tenían tan solo 12,13 y 11 años, respectivamente, cuando se estrenó la primera película. Casi la mitad de su vida la vivieron como sus personajes.
“Una vida entera parece haner pasado en minutos”
Alan Rickman (Severus Snape) fue uno de los actores que se mostró más conmovido luego del rodaje. Escribió una carta muy breve en la que intentó resumir los sentimientos generados por el final: “Acabo de regresar del estudio de doblaje donde hablé a través de un micrófono como Severus Snape por última vez. En la pantalla había tomas de 10 años atrás, de Daniel, Emma y Rupert. Tenían 12 años. Yo había regresado recientemente de Nueva York y, mientras estuve allí, vi a Daniel cantando y bailando (en forma brillante) en Broadway. Una vida entera parece haber pasado en minutos. Tres niños se han convertido en adultos desde que una llamada de Jo Rowling, conservando en secreto una pequeña pista, me persuadió de que había más dentro de Snape, más que un simple traje sin cambiar y que, aunque solo habían salido hasta ese momento tres libros, ella contuvo toda una narrativa sólida, pero delicada, en las manos más seguras. Es una antigua necesidad la de contar historias. Pero la historia necesita un gran narrador. Gracias por todo, Jo”.

De niños ingleses a figuras mundiales.
Si uno, que es un simple íanático de la historia, siente una especie de malestar porque se termina Harry Potter, imaginen cómo se deben sentir los tres protagonistas.
Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint tenían tan solo 12, 13 y 11 años, respectivamente, cuando se estrenó la primera película. Eran unos niños. Casi la mitad de su vida la vivieron como sus personajes. ¿Cuánto puede afectarles el despertarse un día y saber que ya no van a continuar en ese camino? ¿Cómo cerrar esta etapa?
Emma Watson es consciente de este problema. En una entrevista para Vogue declaró: “No he tenido control sobre mi vida. He vivido en una auténtica burbuja. Me encontraron y me eligieron para el papel. Y ahora estoy buscando desesperadamente mi camino”. Y en otra entrevista dijo que decirle adiós a este personaje “es difícil” porque tomó su vida: ‘Todo mi tiempo y mi vida giraban alrededor de Harry Potter, fue el punto central de mi existencia”. Por su parte, Rupert Grint fue más extremista y confesó no recordar cómo era su vida antes de Harry Potter, que siente que Ron y él son “la misma persona” y bromeó con que si tuviera la oportunidad no sabría cómo interpretar a un Ron “adulto”.
Porque si bien son muy jóvenes -Watson tiene apenas 21 años- y disfrutan del éxito, de la experiencia y de un futuro asegurado, también debieron dejar mucho de lado. “He estado luchando mucho para tener una educación. Ha sido una ardua batalla”, confesó la actriz que interpreta a Hermione. Hoy, con una cuenta bancaria que creció en 30 millones de dólares solo por las dos últimas entregas de Harry, los tres son algo más que ricos.
Watson es embajadora de Lancóme, fue la cara de Burberry en dos campañas y diseña ropa, lo que la convirtió en un icono de la moda londinense y mundial. Radcliffe continúa a paso firme en Broadway y hasta hizo un número musical en la ceremonia de entrega de los premios teatrales Tony. Grint fue seleccionado para el protagónico de un filme bélico titulado Wartime Wanderers, sobre los integrantes de un equipo de fútbol que se enlistan en el ejército inglés. Sí, deberán quitarse el peso de los personajes de encima, pero el futuro es prometedor para estos jóvenes talentos.

Lo que todos esperan.
El enfrentamiento final entre Harry y Lord Voldemort es lo más esperado de la película. De acuerdo a Radcliffe, esta escena consumió más de medio año de rodaje: “Hemos estado filmando esta escena a lo largo de un período de ocho meses, probablemente por dentro y por fuera, y volvemos a ella en todos los estados del tiempo: nieve, lluvia, sol. Cada vez que volvemos a ella hay algún problema en alguna parte a lo largo de la línea. Pero será una escena increíble”. Por otra parte, los fanáticos también aguardan por el beso entre Ron y Hermione. De acuerdo a las notas de producción, los dos actores sintieron tanta vergüenza que la escena solo se rodó seis veces. Si la comparamos con otros episodios amorosos de la saga, es poco tiempo: el beso entre Harry y Gini llevó 10 tomas, el de Ron y Lavender 15 y el de Harry y Cho unas 30.

La batalla final.
En esta última entrega los tres amigos saben que su misión no ha terminado. Lo peor está por llegar. Destruyeron tres horrocruxes (pedazos del alma de Voldemort que lo mantienen vivo hasta que no sean eliminados en su totalidad) pero todavía les quedan tres más por encontrar. El tema es dónde buscar. Con algo de astucia y un poco de suerte, encuentran una pista que los dirige a Hogwarts, pues ahí yace la legendaria taza de Helga Hufflepuff, una de las fundadoras del colegio de magia. Solo queda saber dónde se ocultan las dos restantes.
El problema es que los espías de Voldemort descubren el plan de Harry y preparan un ataque que termine de una vez por todas con el “niño que vivió”. Así, Hogwarts, lo que una vez fue un segundo hogar para Harry, Ron y Hermione, se convierte en el campo de batalla donde podría definirse el futuro de Harry y Voldemort, así como el destino del mundo fantástico y del mundo muggle. Las dos preguntas que podrían volcar el enfrentamiento a favor de uno u otro bando son, primero, dónde están los restantes horrocruxes y qué forma tienen y, segundo, cuan relevantes son las reliquias de la muerte: la varita de Saúco en poder de Voldemort, la capa de invisibilidad que Harry recibió como regalo en su primer año y la Piedra de Resurrección que Dumbledore le heredó a Harry, escondida en el Snitch. La leyenda dice que quien controle las reliquias podrá convertirse en el Maestro de la Muerte.
En esta última entrega los tres amigos sanen que su misión no ha terminado. Lo peor está por llegar.

10 días. Eso es lo que falta para que la franquicia más exitosa en la historia del cine llegue a su fin. Un viaje que comenzó el 26 de noviembre de 2001 y que terminará este 15 de julio con el estreno mundial de la segunda parte de Harry Pottery las Reliquias de la Muerte. Quedan 10 días para decirle adiós a lo que comenzó hace 10 años. Una década de emociones, aventuras y de conocer y enamorarnos de personajes increíbles. Un final que recuerda al sentimiento agridulce que sentí cuando tuve en mis manos el último capítulo de la sexta temporada de Lost. ¿Cómo despedirse de esta historia, de estos personajes? ¿Cómo renunciar al escalofrío que sentimos por la espalda cada vez que escuchamos la música de Harry en cada nuevo estreno? Una mezcla de alegría y tristeza por haber recorrido un camino junto a tres niños a los que vimos crecer hasta convertirse en jóvenes. Tristeza porque se acaba una historia que nunca necesitó recurrir a golpes bajos ni abandonar sus principios para continuar con el éxito; alegría por el recuerdo de cada una de las siete películas que fueron construyendo un universo que podremos visitar siempre.
¿Cómo llegamos Hasta acá?
Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1 fue la película más oscura desde que comenzó la franquicia. Nada de exámenes, clases, bromas o quidditch. De principio a fin, Harry, Hermione y Ron deben afrontar obstáculos y amenazas en contra de su vida. Encima, esta vez no cuentan con la guía o la protección de alguien. Harry, además, ya es mayor de edad. Están solos.
El impulso anímico viene por el recuerdo de Dumbledore, desarmado y en caída libre, luego de que Snape lanzara el encantamiento Avada kadavra. Los tres lograron escapar de los mortífagos no una, ni dos, sino tres veces, y en el camino perdieron a Dobby, que, más allá de haber sido asesinado por Bellatrix, pasó al otro mundo feliz, en paz. La misión, sin embargo, obtuvo algunos frutos. Consiguieron destruir tres horrocruxes, superaron la carga del broche de Unbridge (de paso Harry le dio una buena sacudida a la maldita de Dolores, el personaje que me genera más odio de la historia), pusieron a prueba su amistad y rescataron a Luna de la mansión Malfoy. Claro que el Señor Oscuro no se quedó de brazos cruzados. El Ministerio de Magia ya le pertenece, mató a Ojoloco Moody y le sigue la pista muy de cerca a Potter, enemigo que él mismo debe aniquilar. Además, se dio el lujo de profanar la tumba de Dumbledore y consiguió la varita de Saúco, la más poderosa del mundo, con la que cree que será invencible.

Macacos al ataque.
Los Muppets.
Los Muppets están de vuelta. El viejo clan de muñecos alocados regresa a las andanzas y se ve obligado a unirse una vez más para evitar que su antiguo estudio sea destruido por un codicioso empresario petrolero. Entre las figuras de Hollywood que han confirmado sus voces se destacan Jack Black, Zach Galifianakis, Amy Adams, Jason Segel, Chris Cooper, Katy Perry y Ed Helms.
Estreno: noviembre 2011.

La tercera, ¿será la vencida?
Hombres de negro 3.
Will Smith y Tommy Lee Jones se reúnen en la tercera entrega de la saga dirigida por Barry Sonnenfeld (quien dirigió las dos anteriores). En esta oportunidad, los agentes J y K deberán detener otra amenaza extraterrestre y mantener la paz entre la Tierra y el resto del Universo. El elenco incluye a Josh Brolin (como el agente K cuando era joven) y a Emma Thompson. Estreno: mayo 2012

La boda de Natalia.
Mi primera boda.
En marzo comenzó el rodaje de esta nueva comedia argentina dirigida por Ariel Winograd, que tiene como protagonistas a Natalia Oreiro y Daniel Hendler. En el día de su casamiento, Adrián (Hendler) está nervioso y comete un pequeño error que pretende ocultar a su novia Leonora (Oreiro), para evitar problemas. Pero lejos de evitarlos, complica más las cosas y la fiesta corre el riesgo de terminar muy mal, al igual que el futuro matrimonio de la pareja.
Estreno: setiembre 2011

La ética profesional.
The Good Doctor.
El médico Martin Ploeck (Orlando Bloom) no tiene gran autoestima y ha pasado toda su vida intentando ser respetado. Todo cambia cuando conoce a una chica de 18 años llamada Diane Nixon (Riley Keough, nieta de Elvis Presley), que sufre una grave infección renal ya que ella le da un fuerte impulso anímico. Sin embargo, cuando Diane empieza a mejorar, Martin se siente desplazado y olvidado. Entonces el médico decide sabotear el tratamiento de la enferma para que la recuperación no avance y ella permanezca a su lado. Estreno: agosto 2011

Un repartidor con mucha mala suerte.
30 Minutes or Less.
Jesse Eisenberg (Red social) sigue en la cresta de la ola y ahora protagoniza una comedia dirigida por Rubén Fleischer, quien ya había trabajado con el actor en Tierra de Zombies. La película va sobre dos ladrones bastante particulares, Dwayne y Travis, que raptan a un pobre infeliz repartidor de pizza (Eisenberg), le ponen una bomba en el pecho y lo obligan a asaltar un banco. Así, el delivery tiene nueve horas para traer el botín, o quedará pronto para mezclar con la salsa de tomate. Estreno: octubree 2011

Will & Grace fue el as good as itgets televisivo de la relación de mejores amigos hombre gay-mujer heterosexual, porque trascendió la argumentada proposición fashionista e intentó, con irregular éxito, alcanzar el humor de sit com per se, sin etiquetas. Y esta serie cómica introduce otra cuestión que tiene que ver con cómo es percibido el mundo gay. En tiempos de luchas contra la discriminación, de búsqueda de la tolerancia, de continuismo de la violencia contra las minorías, el simple hecho de hablar de un “mundo gay” rezuma contradicción y hasta se podría decir que latente hipocresía. Sin embargo, siempre y cuando se ensalce y aprecie, hablar y explotar lo que el imaginario colectivo entiende por “mundo gay” dista mucho de ser políticamente incorrecto. Así, abundan ejemplos televisivos de toda índole (en la “de cada pueblo un paisano” Glee) y cinematográficos (el hermanito menor de Macaulay, Kieran Culkin, en Scoíf Pilgrim vs. the World) del supervalorado y unidimensional estereotipo del hombre homosexual que solo por serlo trae a un sibarita, un estilista, un diseñador de interiores, un creativo y un fan de Lady Gaga adentro. De ese estereotipo se sirvió, entre otros, el reality show QueerEye for The Straight Guy, en el que un comando de cinco gays (llamados popularmente Fab Five, por ser fabulosos), cada uno especializado en una de estas cuestiones que ellos masterizan por ser ellos, le cambiaba la vida a un heterosexual por episodio. Ofensivo sí, pero no por estigmatizar al homosexual, sino por hacer lo propio con los hombres heterosexuales: siempre encontraban a alguno que no sabía ni vestirse ni peinarse, ni relacionarse con el mundo y que muchas veces hasta carecía de la más básica higiene personal. Como si los únicos seres evolucionados fueran los gays y el resto fueran hombres de las cavernas. QueerEye fue creada y producida por gays, lo que trae el último punto que quiero abordar. Si un gay habla de gays, aunque encasille, simplifique y hasta fabule erróneamente, tiene derecho y jamás es cuestionado. En la desbarrancada y deshonrosa de su historia Sex and The City 2, el BGF de Carrie se casa con el BGF de Charlotte. WTF? Ni en un millón de años el gordito pelado bajo perfil y sin suerte en el amor amigo de Carrie podría terminar casado con el ácido y sexual wedding planner amigo de Charlotte. Pero el guionista y director de la película Michael Patrick King pensó que, ya que ambos eran homosexuales, estaba bueno juntarlos. En breve, la talentosa, cómica y hermosa Rashida Jones protagonizará su propio guión en la película Celeste & Jesse For Ever, en la que habrá un amigo gay interpretado por Elijah Wood. La ironía imprescindible del caso: ¿habrá interferido su condición de mujer heterosexual en la creación de un BGF? Al final o al principio, que un heterosexual diga “mi amigo gay” es tan disparatado como que un blanco diga, en franco anacronismo sesentista, “mi amigo negro”. O viceversa, en ambos casos. En definitiva, con suerte uno tiene amigos, y punto. Con más suerte todavía, uno es capaz de ser un buen amigo también y logra vivir en forma medianamente sana el mundo afectivo, con la valentía que eso requiere en estos tiempos. Y la cuestión de si es posible una amistad verdadera entre dos personas que se pueden atraer, queda para otra oportunidad.

Gay friendly.
Los estadounidenses aman la creación y el uso de etiquetas, apodos, siglas y acrónimos neológicos. Sin ¡r más lejos que al borde superior izquierdo de esta página, el nombre de este espacio es uno de esos términos-paraguas. Hasta las parejas de estrellas tienen los suyos, surgidos de la combinación de sus nombres: Brad Pitt y Angelina Jolie son Brangelina (mote que ambos detestan porque les suena a marca de cereales) y en su momento Jennifer López y Ben Affleck fueron Bennifer (lo curioso es que el actor está casado con la actriz Jennifer Gardner, por lo que nominalmente sigue formando el mismo combo). Inscripta en la sección siglas inventadas está BFF, un término muy adolescente que extendió su uso más allá de las escuelas secundarias. El o la Best Friend Forever (mejor amigo o amiga para siempre) es el “amigo del alma”, el mejor amigo. Cuando uno de estos neologismos se pone de moda, es interesante detenerse en él. Como derivado de BFF, comenzó a utilizarse BGF o Besf Gay Friend para referirse al mejor amigo gay hombre de una mujer heterosexual. Parece que no es lo mismo tener un mejor amigo en genérico que uno que sea gay. Según se dice y el cine y la televisión suscriben, este último es más comprensivo y sensible, menos competitivo (a la mujer le gustan heterosexuales y a él homosexuales, por lo que en general no hay intereses encontrados en los intereses amorosos), es una fuente de sabiduría de estilo en cuestiones de ropa, decoración y cortes de pelo, es de lo más divertido que existe en el mundo, está siempre listo para salir de parranda nocturna o para quedarse en casa acompañando penas amorosas mientras se consumen chick flicks y alcohol en tragos. Para ejemplo, basta un Rupert Everett. En La boda de mi mejor amigo, el hombre hizo de rescatista de “me humillo y soy rechazada hasta que no puedo más” Julia Roberts, hizo cantar en un almuerzo prenupcial a la familia de la rival “de tontita rubia no tengo un pelo” Cameron Diaz se quedó con el último baile de Julia y con el monólogo final y se robó la película. Tan es así que Madonna no solo adquirió a Everett como BGF en la vida real, sino que coprotagonizó con él lo que fue una suerte de versión expandida, aburrida y protagónica del encantador personaje secundario de Everett con Julia. El bodrio ultramelodramático Una pareja casi perfecta plantea otra cuestión que aparece periódicamente cuando de BGF se trata: si no fuera porque no gustaría jamás de ella, él sería el marido perfecto, no, mejor aun, el padre perfecto de sus hijos. Hipótesis que también es argumento para la sin pena ni gloria Mucho más que amigos con Jennifer Aniston y Paul Rudd. Antes que una irreal posibilidad de “encarnar” la relación platónica, parece preferible la alegre honestidad de las últimas palabras de Everett en la escena final de La boda de mi mejor amigo, antes de sacarle viruta al piso con Julia: “No habrá casamiento, no habrá sexo, pero ¡juro por dios que habrá baile!”.

Este siguiente actor quizá genere polémica: Haley Joel Osment. ¿Quién? El niño dueño de una de las citas más famosas del cine:”/ see deadpeople”, es decir, el protagonista del filme de M. Night Shyamalan Sexfo sentido. Es cierto que tuvo su papel en Inteligencia artificial de Spielberg (no muy buena en opinión de este columnista) y forzó algún lagrimón en Cadena de favores, pero luego de eso tuvo más suerte prestando su voz para videojuegos que en la actuación. La pubertad sigue siendo un momento complicado para este adolescente que no vemos en un protagónico serio desde El secreto de los McCann en 2003. Si quieren otras pruebas podemos pensar en Mark Hamill (Luke Skywalker), famoso por la trilogía Sfar Wars, entre otros. Por eso, si bien es cierto que nuestros tres pequeños magos ya han diversificado su carrera (en especial Radcliffe), nadie puede dudar de que les costará mucho desprenderse del peso de Harry, Hermione y Ron.

En esta breve nómina de “actores consumidos por sus personajes”, no podemos olvidar a Macaulay Culkin, mejor conocido como Kevin McCallister, protagonista de Mi pobre angelito. Un actor al que cada año volvemos a ver en el cable en la víspera navideña, y volvemos a disfrutar de las palizas que le proporcionó a Harry y Marv (los mejores ladrones de la historia). Claro que no podemos divertirnos sin cierta nostalgia o tristeza al pensar cómo fue que un actor tan joven y tan prometedor no pudo continuar con su carrera, al menos con el éxito que todos esperábamos.

¿Se acuerdan de un tal Ralph Maccio? ¿No mucho? ¿Y si les digo Daniel Larusso, o como lo llamaba su sensei “Daniel San”? Me refiero al protagonista de Karate Kid, un alfeñique sin fuerza que nos hizo creer a todos que el poder del karate no reside en los músculos sino en ol corazón y en la mente. Fue tal el éxito de la película estrenada en 1984, que se hicieron dos más, siempre con Daniel San y el Sr. Miyagi a la cabeza. ¿Qué pasó con esta joven promesa de Hollywood al término de la franquicia? Nada. Y eso que luego de la primera entrega lo pusieron dentro de la lista de los actores más prometedores de la industria. Hizo algún filme menor, pero nunca pudo abandonar su personaje. De hecho, en el funeral de PatMorita (Sr. Miyagi), Maccio dijo las siguientes palabras: “Hasta siempre, mi sensei”.

Este mes se termina una de las franquicias más populares, exitosas y amadas de la historia del cine. La escritora J.K. Rowling no ha descartado que pueda escribir otro libro sobre Harry, pero no será lo mismo. Algo similar a lo que está pasando con El Hobbit y su vínculo con El Señor de los Anillos.
Más allá de este final, recién es el comienzo para sus tres protagonistas: Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint. Si es que pueden superar la carga de sus respectivos personajes y hacer pesar su nombre real. Muchos podrán decir que el talento de estos ya no tan niños es demasiado como para que su carrera muera después del estreno de la segunda parte de Harry Potter y las reliquias de la muerte. Sin embargo, si hacemos un poco de memoria, veremos que este tipo de casos se ha reiterado en el pasado.

Un tatuaje demasiado caro.
No hace falta decir mucho al respecto porque son pocos aquellos que aún no vieron ¿Qué pasó ayer? Parte 2. Si la vieron, recordarán que Stu (el dentista que se va a casar) se despierta con un tatuaje descomunal en la parte izquierda de su cara, alrededor de su ojo. Resulta que el tatuador de Mike Tyson, Víctor Whitmill, demandó a los productores de la película porque no le pidieron permiso para reproducir el tatuaje que él, hace años, le hizo al exboxeador devenido comediante. (Parece que a Whitmill tampoco le tocaron billetes, si no seguro que estaba todo OK). La justicia ya estableció que el tatuaje no podrá aparecer en la versión comercial de DVD y Blu-ray, y que la cuestión legal se terminaría ahí. Así que aquellos que vean ¿Qué pasó ayer? Parte 2 en casa, tendrán sorpresas.

Lo nuevo de Aronofsky.
Después de varias marchas y contramarchas que incluyeron que el director se bajara de Wolverine -el motivo que dio fue que el rodaje lejos de su casa era demasiado sacrificado para su familia-, parece que se confirma cuál será la próxima película que dirigirá Darren Aronofsky. Se trata de Noah, filme épico y religioso sobre la figura bíblica de Noé, que tiene un presupuesto igual de ambicioso que su argumento: 130 millones de dólares (10 veces más de lo que costó la película anterior del director, El cisne negro), y para cubrirlo se está buscando un inversor que se asocie con la productora New Regency y la 20th Century Fox, que ya están a bordo. Mientras, el argumento del filme está siendo pulido por el guionista John Logan {Gladiador, El-aviador y Rango, entre otras), quien trabaja sobre el guión realizado por Aronofsky que, a fin del año próximo, será adaptado también como novela gráfica. De este proyecto se viene hablando por lo menos desde 2007, pero Aronofsky lo ha relegado en favor de otros, como las elogiadas El luchador con Mickey Rourke y El cisne negro, que lo han convertido en uno de los directores del momento.

Catwoman: todo K.O.
Anne Hathaway, que interpretará a Selina Kyle (alter ego de Catwoman) en The Dark Knight Rises, tercera entrega de la saga de Batman dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Christian Bale, empezó a rodar las escenas y ya noqueó a un doble de riesgo. Mientras rodaba una escena de acción con una pistola en la mano, Hathaway hizo un movimiento inesperado y golpeó al asistente que se encontraba tras ella. “Anne se emocionó bastante durante una secuencia de lucha y por error le clavó la culata de la pistola justo en el ojo. El extra acabó con un ojo todo morado y Anne estaba mortificada”, relató una persona que estaba en el rodaje. El perdón de la actriz no se hizo esperar y para remendar la situación le regaló al asistente un bolígrafo de plata con un mensaje grabado: “Recuerda que nadie golpea como Anne”. Mientras la curiosidad por saber algo de la nueva película del hombre murciélago se multiplica, y con la expectativa en aumento, hay una certeza: Anne Hathaway no defraudará en su papel de Catwoman, al menos no en las secuencias de acción.

¿De diosa de los mares a chica Bond?
Cuando se trata de rumores sobre protagonistas, la lista la encabeza históricamente la chica Bond, es que las carreras de las actrices que han ocupado ese preciado rol no vuelven a ser las mismas después de acompañar al Agente 007.
Aparentemente, Naomie Harris será la próxima mujer que haga perder la cabeza a Bond. La actriz ya despertó pasiones en las dos primeras entregas de Piratas del Caribe como la hermosa y poderosa diosa de los mares Calypso, que al principio, por haber sido confinada a una forma humana, era la extraña y poco atractiva Tía Dalma. Harris, entonces, podría ser la elegida para acompañar a Daniel Craig en Bond 23, película dirigida por Sam Mendes que llegará a las pantallas en noviembre del año que viene. Será la tercera película del Agente 007 que protagonizará Daniel Craig (Casino Royale y Quantum of Solace son las dos anteriores) y Naomie Harris ocupará el lugar que anteriormente tuvieron Eva Green y Olga Kurylenko. Esta nueva historia también supondrá el regreso de Judi Dench como M, y resta por confirmarse la presencia de actores como Ralph Fiennes o Javier Bardem, que se manejan como posibles villanos. El rodaje comienza en pocos meses, así que no habrá que esperar mucho más para saber todo.

El fin para Cameron y Alex.
La actriz Cameron Diaz y la estrella de béisbol de los New York Yankees, Alex Rodríguez, terminaron con su relación, según informó la revista People. “Fue él quien cortó. Sin embargo, han roto y se han reconciliado varias veces, así que no se sabe si esta vez es definitiva”, señala la publicación. Diaz, de 38 años, que venía de una relación con Justin Timberlake, y Rodríguez, de 35 años, que había tenido una relación sentimental con Madonna, estaban juntos desde el año pasado. Recientemente, se los había visto muy felices en el último Superbowl en Dallas y en febrero durante su viaje a México.

Naomi Watts: menos es más.
Es una de las sensaciones femeninas de la pantalla y la nueva chica predilecta de Woody Alien. Recientemente, dijo que no es una esclava de los productos de belleza y que, en su caso particular, “menos es más”. Salvo la máscara de pestañas, apuesta por una receta al natural. “Siempre he creído que menos es más. Me parece que las mujeres se ven muy cómicas con una tonelada de maquillaje, es un poco excesivo, yo prefiero ver la piel. Creo que no es bonito cuando lo único que ves es maquillaje”. Aunque es embajadora de la firma Pantene, la blonda confiesa que no le presta la atención que debería a su pelo: “No tengo una rutina para mi pelo. No tengo el tiempo necesario ni el interés, ni el conocimiento. Por eso apuesto a que mi shampoo y mi acondicionador sean eficaces y hagan el trabajo.

Lucy Hale.
Nació con el nombre de Karen Lucille Hale el 14 de junio de 1989, pero hoy en día el nombre que suena, gracias a su incipiente carrera actoral, es el que eligió para su trabajo artístico: Lucy Hale. Su debut cinematográfico fue en la exitosa Un verano en pantalones 2 en 2008, como hermana menor del personaje de Lena interpretado por Alexis Bedel (Gilmore Girls). También tuvo un pequeño papel en la reciente Scream 4 al principio de la película.
Aunque lo mejor de su todavía corta carrera lo ha hecho en la televisión. Primero en el canto, al quedar en 2003 entre los finalistas del reality show de talentos American Juniors. Luego como actriz, en capítulos de series feen como Drake & Josh, Manual de supervivencia escolar de Ned y Los Hechiceros de Waverly Place. También participó como actriz invitada en series para adultos, The O.C. y la célebre CSI: Miami, entre otras.
Durante 2008 y 2009 fue una de las protagonistas de la serie Privileged, que pretendía tener el estilo de Gossip Girl y fracasó en su intento. No pasó mucho tiempo y Hale tuvo su “venganza”: es una de las protagonistas de Pretty Little Liars, una serie de adolescentes sex/es, misterio y secretos, una suerte de mix entre Amas de casa desesperadas y la afamada Twin Peaks. El personaje de Hale, la lolita Aria Montgomery, es uno de los más interesantes de la serie y le ha valido a la actriz una creciente notoriedad. Como confirmación, Hale ganó el premio a Estrella Femenina del Verano en la última edición de los Teen Choice Awards.

Si no hubieras estado en la portada de Vanity Fair, si no hubieras tenido 250 millones vistas en tus últimos videos, si no tuvieras más de ocho millones de amigos en Facebook y seis millones de seguidores en Twitter … ¿En qué momento habrías pensado: “Bueno, esto ya es suficientemente bueno”? (Risas) No lo sé. Creo que todo sucede por una razón. Estoy acá, estoy haciendo lo que amo hacer. Y estaría satisfecho simplemente con jugar deportes en mi ciudad natal, siendo un adolescente común. Todo esto ha sido definitivamente increíble, sin duda.
¿Empezaste a trabajar con un coreógrafo cuando te enteraste que iban a filmar parte de tus recitales para tu película Never Say Never?
Sí, pero en realidad hace tiempo que trabajo con un coreógrafo. Cuando empecé a ir a las estaciones de radio y a aparecer en programas de televisión debía tener algún tipo de coreografía. Así que cuando comencé a crecer, lo incluí en mi equipo.
¿Notaste un crecimiento de tu primer disco al segundo?
Sí, creo que la música evoluciona y que cuando evolucionas, tu música cambia contigo. Mi primer disco era, justamente, el primero, con todo lo que eso implica. Con el segundo todavía seguía siendo inexperto, es más, aún hoy soy muy nuevo en esto. Entonces creo que cada disco nuevo va a ser mejor, y que cada uno va a ser diferente.
Cuando vuelvas al estudio de grabación, ¿vas a probar algo diferente?
Como dije antes, todavía soy muy joven. Solo he vivido lo que un joven de 17 años de edad puede vivir. Por lo tanto, por ahora solo estoy tratando de hacer lo mío.
¿En qué lugar en que todavía no hayas actuado te gustaría hacer un show?
Bueno, este año voy a haber actuado en todos lados. Porque voy a ir a todos lados, a lugares como Indonesia, Israel y China, que es bastante impresionante.
A lo largo de tu carrera ya has colaborado con un grupo de artistas increíbles, ¿hay algún otro con el que te gustaría grabar algo o compartir escenario?
Sí, Eminem.
Has hecho un buen trabajo en la televisión y has demostrado tener sentido del humor al reírte de vos mismo. ¿Hay otras cosas que te gustaría probar?
Me gusta la actuación. Me gusta cantar. Y quiero escribir para otros artistas, también.
¿Qué haces en tus ratos libres?
Me encanta estar con mis amigos. Me gusta hacer cosas normales, como Ir a jugar al bowling o al basquetbol, hacer cosas por el estilo.
Escribís, cantas, jugás bien al fútbol. ¿Qué es lo más gratificante de todas las cosas que estás haciendo ahora? ¿Qué hace que cuando te levantas por la mañana pienses: “Buenísimo, hoy tengo la oportunidad de…”?
Bueno, eso depende de las cosas que tenga que hacer durante el día. No me gusta hacer fotos o hablar con la prensa (risas), pero me encanta actuar para mis fans. Y, sobre todo, amo despertar, creo que el simple hecho de despertarse es una bendición. Solo poder despertarse. Porque cada día sobre la tierra es un buen día.

Justin Bieber.
Justin Bieber, quien con solo 17 años es uno de los cantantes más famosos del mundo, ha logrado dejar atrás las dificultades económicas que vivió durante la niñez para convertirse en uno de los jóvenes con más billetes en los bolsillos. Al principio el canadiense no tenía sueños de estréllate Sin embargo, a la corta edad de 12 años publicó en YouTube unos videos caseros en los que cantaba y su realidad cambió. Hoy, cinco años después, ya ha vendido más de cinco millones de discos y sus videos son vistos por millones de adolescentes. Aunque parezca imposible, hay algo más llamativo aún: ya tiene una película biográfica.
Tu carrera comenzó cuando subiste tus videos a YouTube. ¿Fue una decisión consciente para construir tu base de fans allí?
No, yo subía videos para mis amigos y familiares porque me gustaba hacerlo, pero nunca quise ser famoso. Ese no era uno de mis sueños, porque realmente nunca pensé que podía llegar a suceder. Me parecía imposible.
¿En qué momento pensaste que podías apuntar más alto que a llegarles a tus amigos o familiares?
No lo sé, nunca apunté alto. Simplemente seguí adelante, porque pensé que era divertido. Todavía me cuesta creer que uno puede hacerse famoso por eso. Así que solo intenté divertirme.
Y después apareció tu manager, Scooter Braun, y saliste a hacer carretera. ¿Cómo fueron esos primeros tiempos?
Bueno, cuando Scooter me encontró, me mudé a Atlanta. Y desde allí comencé a viajar y a ir a un millón de estaciones de radio de todo tipo, tratando que mi música se ganara un lugar en la radio para poder estar ahí.

Game of Thrones está inspirado en la serie de novelas de George R.R. Martin Canción de hielo y fuego, cuyo primer libro A Game of Thrones se publicó en 1996. La critica estadounidense elogió al autor. Se destacó la cuidada construcción de los personajes, ya que Martin tuvo la habilidad de trascender los estereotipos de “buenos y malos” que abundan en el género fantástico. En este sentido, los giros inesperados en la trama aparecen con frecuencia y son provocados por el comportamiento de los protagonistas. A diferencia de lo que ocurre en obras similares como El Señor de los anillos, en Canción de hielo y fuego se le da más relevancia al hecho histórico -el autor expresó que tiene raíces en la Guerra de las Dos Rosas- que a la mitología. De todas formas, la magia está presente, pero en menor medida y como una fuerza oscura. Otra característica propia de la saga es la inclusión de juegos políticos y la libertad para abordar temas como la muerte, la violencia y el sexo. Si todo sale bien para esta primera temporada de 10 capítulos, HBO tendrá cuatro libros más en los que basar sus secuelas: Choque de reyes (1998), Tormenta de espadas (2000), Festín de cuervos (2005) y Danza de dragones, a publicarse en julio de este año.
Esta casa es la que gobierna al resto. Robert Baratheon ocupa del Trono de Hierro y es rey de los Siete Reinos. Está casado con Cersei Lannister. Su hijo mayor es Joffrey, que está bajo el cuidado del guardaespaldas Sandor Clegane (“El Sabueso”), que tiene la mitad de la cara quemada. Cercano al rey también está Petyr Baelish (“Dedo Meñique”), amo de la Moneda y miembro del Pequeño Consejo del Rey, quien además creció con Catelyn Stark. Más allá de sus obligaciones oficiales, Petyr es los ojos y los oídos del rey.
Antiguos gobernantes de Poniente, fueron derrocados luego de la rebelión y el asesinato del rey Aerys Targaryen. La hija del difunto monarca es Daenerys Targaryen,princesa de la Casa. Su hermano Viserys vive en un autoexilio junto a ella, y está obsesionado con la idea de recuperar el trono de su familia. Los acompaña Jorah Mormont, un caballero en exilio en Essos, quien asesora a la joven Targaryen mientras viven en un lejano continente. Por último, desde el norte aparece la figura de Khal Drogo, líder de una gran tribu de jinetes guerreros de Essos, que podría formar una alianza con los Targaryen para recuperar el poder.

La crítica ha elogiado el trabajo del escritor y guionista George R.R. Martin, creador de la obra literaria que inspiró esta serie. La debilidad de la obra de Martin radica en sus similitudes con la obra de Tolkien y su fortaleza está en la construcción de múltiples y complejos personajes. Cada movimiento de las piezas de este Game of Thrones tiene su porqué y para entenderlo hay que saber qué motiva a cada familia.
El Señor es Ned Stark, protector y viejo amigo del rey Baratheon. Está casado con lady Catelin Stark, miembro de la Casa Tulin, reinante de los Riverlands. Tienen cinco hijos: Robb, el mayor y heredero de la casa, Bran el menor y dos hijas, Sansa y Arya. El quinto hijo es un bastardo llamado Jon Snow. Además, Ned y Cat cuidan de Theon Greyjoy, heredero de la Casa Greyjoy, a quien llevaron a Winterfell después de que su padre, Balón Greyjoy, trató de alzarse contra el rey Robert.
Cersei Lannister es reina de los Siete Reinos y esposa del rey Robert. Protege con ferocidad a sus tres hijos y también tiene una inusual conexión con su hermano gemelo, Jaime. Este último asesinó al rey anterior, Aerys Targaryen, a pesar de haber jurado protegerlo. El hecho le valió el sobrenombre burlón de “El Asesino del Rey”. A su hermano, Tyrion Lannister, lo llaman “El Diablillo” por su pequeña estatura, pero lo que a Tyrion le falta en altura, le sobra en inteligencia.

La apuesta de HBO es clara: series originales. En este contexto, los últimos años han traído muchos éxitos de todos los géneros: comedia, drama, policial, suspenso, recreaciones históricas y ficción. El año pasado estuvo marcado por Boardwalk Empire, una apuesta segura. Con ese equipo de producción, ese reparto y bajo la mirada de Martin Scorsese, había pocas probabilidades de fracaso. Por algo fue la serie de HBO que tuvo más audiencia en su estreno. Además, cosechó varios premios, incluidos dos Globo de Oro, por Mejor serie dramática y por Mejor actor (Steve Buscemi). En 2011 y tras el anuncio del lanzamiento de Game of Thrones, la jugada sí parece arriesgada. Al menos para esta región. ¿Por qué? Porque se apuesta casi exclusivamente al éxito de una saga de novelas editada hace poco tiempo y que no ha tenido mucha popularidad en estas latitudes, porque el género no es para todo el mundo y porque el reparto tampoco vende demasiado. Sin embargo, tiene el sello de HBO. Y con eso debe bastar, al menos, para darle una oportunidad.
La historia se sitúa en una suerte de Europa medieval en la que conviven criaturas y elementos fantásticos. Es un lugar árido, donde los veranos duran décadas y los inviernos una vida entera. Un lugar donde la ambición, la traición y la lujuria son los motores que mueven a los hombres hacia el logro de sus objetivos. El continente de Poniente es el escenario que alberga este juego de poder entre nobles y salvajes. Luego de una sangrienta y prolongada guerra por el poder que terminó con la dinastía Targaryen, el líder de los rebeldes Robert Baratheon es quien ocupa el deseado Trono de Hierro de los Siete Reinos. Claro que la contienda por el poder no murió con el antiguo rey, todavía hay seis casas sobrevivientes que ansian gobernar Poniente a su antojo, para lo que trazan nuevos planes y alianzas. Esta inestabilidad lleva a Baratheon a nombrar a Eddard “Ned” Stark como su mano derecha y protector de la corona. Baratheon es viejo amigo de Ned, ya que estuvo comprometido con su hermana, que murió durante la rebelión. Ned, Señor de Winterfell y Warden del Norte, fue pieza clave en la lucha contra Targaryen. Sin embargo, una amenaza mayor a la humana podría llegar del Norte. Una muralla de 250 metros de hielo separa el continente de las tierras salvajes, donde hay una fuerza sobrenatural que muchos han olvidado o intentado olvidar. Extraños sucesos del otro lado del muro obligan a pensar que el equilibrio tiene sus días contados en Poniente.

Fue mucho más animada, por los lugares a los que fuimos. Primero estuvimos en Puerto Rico, que es increíble. Es una isla maravillosa y un lugar Ideal para rodar. El segundo escenarlo fue Atlanta, que fue Ideal para la película. Y el tercer destino Brasil, que siempre me llamó la atención aunque nunca había ido. Por suerte pudimos rodar allí y fue muy importante para darle el toque de autenticidad e integridad que la película necesitaba.
Nuestro enfoque consiste en dejar que el estudio haga sonar todas las campanas y silbatos posibles para poder hacer la película de acción más explosiva. Después nos centramos en el drama y las relaciones de carácter. Pero lo hacemos de una manera diferente, porque la gente suele esperar otras cosas de las típicas películas acción. Me gusta pensar que hay temas que se tocan en esta franquicia que no aparecen en otras cintas.
Temas como la familia y la amistad, que son el núcleo de la franquicia. Dom era un delincuente, pero con un fuerte sentido de familia y lealtad, que son puntos esenciales en toda esta historia.
Justin me compró en la tercera película, porque me dejó tocar la canción de Los Bandoleros sobre el final, cuando aparezco en un carneo. Él me habló mucho y fue un verdadero colaborador. Además tiene mucha facilidad para crear escenas intensas y acción dramática, así que en esta película van a ver su sello.
¿Dónde descubriste la canción de Los Bandoleros?
Estaba andando en bicicleta por una calle de República Dominicana y se me cruzó un chico que adentro de su caja de lustrabotas tenía varios discos mezclados. Le compré varios y ahí descubrí esa canción.
¿Qué te gusta de la velocidad?
Creo que la sensación de peligro es la que hace que la velocidad sea tan atractiva, tu vida se reduce a segundos.

El otro protagonista de esta saga, Vin Diesel, se encuentra preparando varios proyectos cinematográficos entre los que se estaca su segunda película como director que se llamará Hannibal the Conqueror. En medio de tanta actividad, hace una pausa para promocionar la cinta que protagoniza y produce. En la siguiente entrevista explica qué lo motivó a sumarse a esta historia. Diesel asegura que las entregas de Rápidos y furiosos tocan temas poco convencionales para las películas de acción Después del éxito de la última entrega de Rápidos y furiosos todo el mundo estaba esperando la siguiente, ¿eso los motivó?
Sí, pero no me gusta hacer secuelas por reacción, solo porque a la película anterior tuvo éxito. Quería trazar una historia. Después de volver en la tercera película me pidieron que regresara para la cuarta como protagonista y productor porque querían darle otra dirección a la franquicia. Así que lanzamos Rápidos y furiosos, que era una manera de decir “volvimos”. Y después hicimos esta, Rápidos y furiosos sin control. Y, si todo marcha según lo planeado, vamos a empezar a rodar la próxima pronto.
¿En qué momento está la vida de Dominio Toretto en esta película?
Mi personaje está en una fase de transición. No tiene dirección propia, porque en la película anterior fueron Brian y Mia los que se hicieron cargo y se sacrificaron para lograr que Dominio recuperara la libertad.
En primer lugar, es el sueño de cualquier niño estar en una película de autos y velocidad. También creo que hay una pequeña parte de Dom en mí, en términos de tener un equipo y amigos, y ser como “el padrino” de alguna manera. Me gusta la hermandad que transmite el personaje, porque no tuve muchos personajes que fueran así a lo largo de mi carrera.
¿Qué tan importante es el papel de Dwayne The Rock Johnson en esta quinta entrega?
Es muy importante. El papel fue diseñado inicialmente para un tipo como Tommy Lee Jones. Pero a medida que se estaba desarrollando el personaje, quise a alguien de ese estilo pero más grande. Incluso más grande que Dominio Toretto.

¿Qué hace tu personaje Brian O’Conner en esta película?
Brian ha pasado por muchas cosas y se ha dado cuenta de que en la vida no todo es blanco o negro y que el malo de la película puede ser mejor que el bueno. Fue diseñado para hacer cumplir la ley, pero después descubrió que estaba viviendo una mentira. Creo que se sentía responsable de arruinar la vida de Dominic Toretto. Ahora está del otro lado de la ley y, aunque es perseguido por esta bestia humana interpretada por Dwayne Johnson, se siente más libre que nunca.
Fue la película en la que más me divertí, porque mi personaje se permitió pasarla mejor. Además me gustó mucho manejar | los autos que me tocaron y hacer, algunas escenas de acción.
¿Qué autos manejaste?
Trajimos un Subaru STI, un Nissan : 370z, un Porsche 911 C2 y algunos Dodge.
Sos un experto en autos, ¿tomaron en cuenta tu opinión?
Sí, hablamos mucho sobre autos. He estado pateando y gritando para que i apareciera un Porsche en la franquicia y, al fin, tenemos uno en esta película, así que estaba muy feliz por eso.
Se me permitió hacer algunas. Aunque no: tantas como me hubiese gustado, especial-’ mente las escenas de autos. La realidad es; que los que estaban alrededor no estaban tan protegidos como yo. Así que fueron ellos los que realmente se expusieron al peligro.
Una de las cosas que me gusta de esta fran-quicia es que no se toma demasiado en serio. No da sermones y habla en un nivel en que la gente entiende acerca de temas como la familia, la amistad o la lealtad. Además tiene mucha acción y cosas que divierten al público.

Paul Walker.
PaulWalker encarnará una vez más a Brian O’Conner en la quinta entrega de la saga, Rápidos y furiosos Sin control. El personaje y su colega Dom Toretto (Vin Diesel) volverán a cruzar fronteras para escapar de la policía. En esta oportunidad, la acción los llevará a las favelas de Río de Janeiro, donde se enfrentarán a un empresario corrupto que quiere verlos muertos.
La película anterior fue bastante particular para mí porque volví a actuar con Vin, que había estado solo en la primera entrega. Y en esta quinta cinta creo que uno de los aspectos más especiales es que regresaron otras personas que han sido muy importantes para esta franquicia, como Tyrese Gibson y Ludacris. Además, todos nos llevamos muy bien y al conocernos hace tiempo, no sentimos tanta presión.
Éramos muy jóvenes cuando hicimos la primera película y todavía estábamos tratando de averiguar quiénes éramos. Sin embargo, ahora recuerdo estar en un almuerzo con Matt Schulze y sentir que estaba hablando con un adulto de verdad. Además, está bueno ser capaz de volver a conectar con personas que no ves hace tiempo.
Vin y yo nos llevamos muy bien, nos entendemos a la perfección y nos respetamos mutuamente. Es interesante porque somos dos personas completamente diferentes pero, al mismo tiempo, somos muy parecidos. Cuanto más lo conozco, más noto las cosas que tenemos en común.

Aun siendo la princesa Leia, Carrie Fisher necesitó exorcizar su compleja relación con su estelar madre Debbie Reynolds en un libro autobiográfico y una película llamados Postales desde el filo. En la versión cinematográfica, Meryl Streep hizo de hija y Shirley MacLaine de madre. Jayne Mansfield -símbolo sexual e iconográfico- y su hija Mariska Hargitay -protagonista de la serie televisiva Law & OrderSpecial Victims Unit- sufrieron juntas un terrible accidente de tránsito cuando Hargitay era niña, en el que Mansfield falleció.
Catherine Deneuve puso a su hija Chiara Mastroianni en varias de sus películas. La beldad francesa por antonomasia que está por llegar a los 70 y su “niña” de casi 40 compartirán cartel una vez más en The Beloved. Peggy Lipton actuó en las series televisivas The Mod Squad y Twin Peaks y su hija Rashida Jones hizo y hace lo propio en The Office y Parks and Recreation. Kate Capshaw, que se casó con quien la dirigió en Indiana Jones y el Templo de la Perdición, y Jessica Capshaw de la serie televisiva Grey’s anatomy, son esposa e hijastra de Steven Spielberg, respectivamente.
Susan Sarandon y Eva Amurri actúan juntas como madre e hija en The Banger Sisters y haciendo el mismo personaje en diferentes edades en Dead Man Walking. Demi Moore y Rummer Willis hacen de madre e hija en Sfreaprease.
Rainey Qualley sigue los pasos de su mamá Andie MacDowell, en belleza y en profesión. Ambas actuarán juntas por primera vez en Mighty fine. Tiempo atrás, la hija de Kim Basinger y Alee Baldwin se puso del lado de su madre en el violento y expuesto divorcio de ambos. Ahora, con 16 años, Ireland Baldwin quiere seguir los pasos de sus padres… en la actuación.

La madre cantó Over the rainbow y protagonizó El mago de Oz. La hija cantó New York, New York y protagonizó Cabaret. Liza Minelli alcanzó el EGOT (Emmy, Grammy, Osear, Tony), logro conseguido por muy pocos. Judy Garland ganó varios Grammy, un Tony, perdió un Osear injustamente, ganó un Osear juvenil y estuvo nominada al Emmy. Garland fue una estrella de estudio desde su adolescencia y fue a MGM al que culpabilizó por todos los males de su existencia, que incluyeron adicción a medicinas de prescripción, alcoholismo, inseguridad crónica por su imagen y problemas financieros. Es extraño, entonces, que alentara a su hija a que comenzara una carrera en el showbiz desde pequeña y que cuando tenía 19 años la hiciera participar en un espectáculo suyo. Minelli reconoció que cuando compartió escenario con su madre se dio cuenta de que estaba cantando con Judy Garland. Poco después, con solo 49 años, Garland murió de sobredosis de barbitúricos. Y la triste y enorme historia siguió contándose a través de Liza, quien, como su madre, tuvo problemas de salud, con el alcohol y las drogas, con las finanzas, con los hombres. Garland se casó y se divorció cinco veces, su hija, cuatro. Dos de los matrimonios de Minelli fueron con personas relacionadas a su madre, uno con un cantante y compositor australiano que fuera su protegido, otro con el hijo de uno de los coprotagonistas de El mago de Oz. La única mejora visible en la segunda versión, fue la supervivencia. Liza renace de sus cenizas una y otra vez hasta el día de hoy. Dos pares de ojos de mirada profunda,
inquieta, frágil y triste. Dos voces y presencias escénicas maravillosas y únicas. Dos artistas que respiraron escenario y cuya vida, literalmente, sucedía sobre las tablas. Dos supernovas que brillaron en Broadway, Hollywood y Las Vegas y dejaron una impronta tal que los cielos del espectáculo cambiaron para siempre tras su pasaje por ellos.
Se había negado a hacerlo toda su vida. Sin embargo en 2002, en el marco de su espectáculo musical Liza’s Back, Liza Minelli cantó por primera vez la canción que inmortalizara su madre Judy Garland, Over the rainbow. Los fans, agradecidos.

La madre de Jamie Lee Curtís fue asesinada a cuchillazos en la ducha en una de las escenas más emblemáticas de la historia del cine y la de Melanie Griffith se veía bien aun cuando estaba siendo atacada por una bandada de pájaros. Al no haber un Alfred Hitchock para inmortalizarlas, ¿cómo hicieron esas hijas para evitar las odiosas comparaciones con la belleza de sus madres y no desfallecer en el cinematográfico intento? Al igual que Janet Leigh en Psicosis, Jamie Lee Curtis se erigió como una scream queen en Halloween. Pero lo hizo en sus propios términos: defendió la belleza “natural” y rápidamente amplió su carrera con una faceta de comediante. De Janet a Jamie hay menos look frígido, menos atributos físicos femeninos, más sex-appeal y más versatilidad actoral. Madre e hija unieron sus gritos en Halloween H20:20 años después. Hitchcock le regaló a la hija de una de sus musas, Tippí Hedren, un ataúd pequeño con una muñequíta de su madre para su cumpleaños. Melanie, que ya cargaba con que su madre la había bautizado así por el personaje que hizo en Los pájaros, tuvo que comprender eso y más del mundo del cine desde que nació. Su madre la puso a actuar y la llevó con ella a todos lados. Griffith no sufrió por la comparación con Hedren, o no directamente, pero sí sufrió y luchó contra adicciones varias hasta el día de hoy. Una madre como su madre, Griffith aprobó que sus pequeñas hijas Dakota Johnson y Stella Banderas hicieran de sus hijas en Crazy in. Alabama, dirigida por su marido Antonio Banderas. La ahora adolescente Dakota, que le dio continuidad a la belleza familiar en tercera generación y cuyo role model es su mamá, participó en Red Social y en la aún no estrenada Beastly.

Vanessa Redgrave y Meryl Streep son parte de la realeza del mundo actoral. Las enormes actrices tienen hijas que eligieron dedicarse al mismo oficio que ellas dominan a la perfección. Las hijas de Redgrave son la fallecida Natasha Richardson y la protagonista de la serie televisiva Nip/Tuck Joely Richardson. Ambas hermanas heredaron talento y apariencia de su madre. Por su parte, dos de las hijas de Meryl Streep se dedican a la actuación: la ya establecida en Broadway Mamie Gummery la principiante Grace Gummer.
En la película de 2007 Evening, Redgrave y Streep interpretaban a dos amigas. Mamie Gummer hacía la versión joven de su madre y Natasha Richardson era la hija de la suya. Lo curioso fue que el director Lajos Koltai contrató a Gummer sin saber que era la hija de su protagonista. Cuando Gummer salió de la entrevista de casting, Koltai le comentó a un asistente: “Se parece mucho a Meryl Streep”. El asistente, divertido, le respondió: “Más le vale, es la hija”.

Gwyneth Paltrow es la versión 2.0 de su madre Blythe Danner, tanto en aspecto físico como en sus logros profesionales. Con más de 40 años de carrera, Danner es más conocida por ser la madre de Gwyneth que por su consistente y consecuente trabajo. Si bien ganó un Tony en 1970, su hija ganó un Osear con solo 26 años por Shakespeare enamorado. Además, Paltrow es una reconocida fashionista y ahora sumó el canto a sus labores actorales. Madre e hija trabajaron juntas en 1992 en una película para televisión que protagonizaba mamá llamada Cruel Doubt. Para verificar el cambio de lugar en el podio, mamá hizo de mamá en la película Sylvia de 2003, en la que la hija tenía el rol protagónico. En un memorable por hiposo y entrecortado por las lágrimas discurso de aceptación, Gwyneth recibió el Osear y agradeció a su madre por ser un referente y uno de los amores de su vida. Orgullosa y emocionada, Blythe la miraba desde la platea.
El parecido físico de madres e hijas del cine es asombroso en varios casos. Las hijas de Goldie Hawn, Susan Sarandon, ngrid Bergman, Meryl Streep, Judy Garland y Demi Moore llevan su carga genética a flor de piel. “Sos igualita a tu madre”, diría un padre enojado.

Dar la talla: el talento.
Tócala de nuevo, Sam”, dijo la madre de Isabella Rosellini. Por si no alcanzara con Casablanca, la señora sueca fue una de las estrellas más importantes de Hollywood, ganó tres Osear, dos Emmy y un Tony y fue protagonista del neorrealismo italiano. Pobre Isabella Rosellini, es la hija de Ingrid Bergman. Al menos, heredó la belleza gélida, contenida y de rasgos marcados y algo masculinos de su madre y la pudo explotar trabajando como modelo. Rosellini es hija de una pareja que se formó en el escándalo, ambos estaban casados cuando comenzaron su romance. Se crió junto a su hermana melliza y su hermano entre niñeras en Roma y París. Ni Bergman ni el director italiano Roberto Rosellini convivieron con sus hijos, sino que los “visitaban” en fin de semana. Isabella no siente que sus padres hayan faltado a sus deberes por esto, ni que su infancia haya sido triste. En 1976, la hija debutó en el cine a los 24 años en el papel de una monja que cuidaba al personaje que hacía su madre en la película A matter oí time. Sin embargo, y evidenciando cuan difícil era seguir el oficio materno en este caso, Isabella Rosellini no comenzó su carrera actoral hasta que su madre murió en 1982. A la sombra de la leyenda, la hija hizo su modesto aporte al séptimo arte, que habría pasado desapercibido si no fuera por su ADN y por su rol protagónico en la joya onírica de culto de David Lynch, Blue Velvet.

Cuando se siguen los pasos de la madre, no ya desde la inevitabilidad genética y el determinismo de la crianza sino por elección, el camino propio puede tornarse difícil. ¿Qué pasa si la imagen de mamá es bigger than life y está fotografiada por expertos?
La relación entre las mujeres y su descendencia de su mismo sexo constituye un capítulo aparte de la maternidad. Asimismo, la relación entre madres e hijas condiciona la personalidad, la forma de actuar y hasta el destino de las segundas. Como hija, se puede desear o no parecerse a la progenitora, tratar de hacer un camino diferente al que hizo ella o seguirle los pasos, admirar o aborrecer, ir al choque o ser dócil. Como madre, se puede ser nutritiva o descuidada, exigente o sobreprotectora, egoísta o sacrificada, distante o cariñosa. Y, obviamente, ambas pueden elegir ser todos los matices posibles entre estas opciones u otras. La trama se complica más aun cuando la ficción y la exposición pública se mezclan con la realidad y la intimidad.
En espejo: la comedia Las similitudes físicas, gestuales, de capacidades artísticas, de historia de vida y de carrera entre Goldie Hawn y su hija Kate Hudson son tan impactantes que se podría decir que la segunda es una falla temporal en la matriz de la primera. Desde el inicio de su carrera como actriz en la década de 1960, Goldie Hawn supo adueñarse del personaje de rubia-tonta-inocente-divertida gracias a su instinto para la comedia y su belleza algo rara, combinada con su “adorable” torpeza. Casi cuatro décadas después, Kate Hudson enamoró a la cámara con las mismas armas: un montón de mohines, una risita burbujeante, un cuerpo pequeño y compacto y una blonda cabellera. Ambas pusieron su propio estándar muy alto muy temprano, Goldie ganó un Globo de Oro y un Osear por Flor de cactus en 1970 y Kate ganó un Globo de Oro y estuvo nominada al Osear en 2001 por Casi famosos. Ambas tuvieron varios fracasos de taquilla y crítica que pusieron en duda sus auspiciosos comienzos. Hawn demostró sus dotes musicales, grabó discos y cantó y bailó con Woody Alien en 7bcfos dicen te quiero. Salvo por la hermosa escena de Casi famosos en la que canta grupalmente Tiny Dancer en el tour bus, Hudson parecía no compartir esos talentos con su mamá. Hasta que apareció la película musical Nine y en ella su aclamada performance de canto y baile. Madre e hija declaran su mutua admiración, se visten parecidas, disfrutan los paisajes montañosos y nevados. Por si algo faltaba, las dos se divorciaron rápidamente de los padres de sus primeros hijos, ambos músicos. Ellas tienen una danza privada de festejo que llaman “happy dance”, que si hicieran pública seguramente haría pensar a los espectadores que están viendo doble.

COMO PRODUCIR UNA SEGUNDA RESACA.
Dos meses antes de que la primera película se estrenara Warner Bros, puso a Todd Phillips y a Scott Afmstrong a escribir el guión de la-segunda parte. Por lo general, para esfo se espera a que pasen dos semanas luego del estreno, pero en este caso el estudio tenía la certeza absoluta de que la película seria un éxito.
Los cuatro protagonistas, Bradley Cooper (Phil), Zach Galifianakis (Alan), Ed Helms (Stu) y Justin Bartha (Doug) firmaron el contrato en marzo del año pasado. De acuerdo a este, cada uno cobraría US$ 5 millones y un 4% de las ganancias de la película. Por su parte, el director Todd Phillips se aseguró US$ 10 millones y un 10% de las ganancias. En octubre de 2010 se confirmó la participación de Mel Gibson en la película, aunque días más tarde Todd Phillips declaró que la producción había cambiado de parecer y que Liam Neeson ocuparía su lugar (recordemos que Neeson compartió pantalla con Bradley Cooper en Los Magníficos). El sustituto quedó encantado con la invitación y el sustituido se puso furioso. Alguien cercano a Mel Gibson declaró que no entiende “cómo alguien como Mike Tyson, un drogadicto que dio vuelta su vida, tuvo una chance mientras que Mel fue dejado de lado. Todo el mundo merece una segunda oportunidad”. En diciembre del año pasado, uno de los dobles de riesgo sufrió un accidente automovilístico mientras filmaba una escena que lo dejó en estado de coma varios días. Por suerte, se pudo recuperar.

TODAVÍA EN EL MEDIO.
Justin Bartha debe sentirse un poco opacado por Bradley Cooper. Después de todo, compartieron cartel en varias películas, pero Cooper logró consolidarse y obtener protagónicos, mientras que él sigue en el medio, rumbeando entre secundarios y estelares. La comedia ha sido su fuerte: Soltero en casa, New York, I love you, La segunda vez; aunque antes se hizo un nombre junto a Nicolás Cage en las dos entregas de La búsqueda del tesoro perdido. El futuro no parece muy prometedor para este actor de casi 33 años que todavía no ha encontrado su lugar en la industria.

¿QUE PASO AYER? TUVO UN ÉXITO MAYOR AL ESPERADO POR PRODUCTORES Y PROTAGONISTAS. Y PARA ALGUNOS DE ESTOS ÚLTIMOS, LA PELÍCULA SIGNIFICÓ EL SALTO DEFINITIVO A LA FAMA.
CAMINO EN LA PANTALLA GRANDE.
La serie The Office consolidó el nombre de Ed Helms en la televisión. Así, la experiencia de este actor estaba reducida a la pantalla chica. ¿Qué pasó ayer? le ayudó a ganarse un lugar en la mente de productores y directores. De hecho, ya en 2007 participó en Rebeldes con causa, la comedia sobre los cuarentones que suben a sus motocicletas en busca de aventura. Como The Office (que va por su séptima temporada) sigue con éxito y su carrera como actor sigue firme, Helms continúa participando en películas menores y con papeles secundarios, aunque seguramente esté buscando su oportunidad de ganarse un lugar entre los pesados de la industria. El tiempo dirá.

EL FACHERO.
La carrera de Bradley Cooper venía en ascenso y esta película le dio el empujón que necesitaba para consolidarse como uno de los nuevos galanes de la industria. Su participación en películas anteriores consistió en papeles más que nada secundarios (Soltero en casa. Los Rompebodás, Simplemente no te quiere) y luego de este filme comenzamos a verlo en medio de la cartelera. A ¿Qué pasó ayer? le siguieron thrillers de suspenso como Caso 39, acción como Brigada A: Los magníficos y más comedias románticas como Día de los enamorados. A diferencia de Galifianakis, Cooper sí consiguió diversificar sus papeles. Próximamente lo veremos en Limitless y junto a Anne Hathaway en la próxima película de David O. Russell, The Silver Linings Playbook.

EL GORDITO PERTURBADO.
El más beneficiado, por lejos, fue Zach Galifianakis. Este gordito extraño y perturbado deleitó a todo el mundo con su papel. Mérito de los creadores, pero también suyo por representarlo soberbiamente. Este personaje sin dudas le ayudó a ganarse un lugar en la excelente serie Bored to Death (CineMag N° 36), en la que continuó recibiendo elogios. De todas maneras, creo que está al borde de caer en aquello de que lo poco agrada y lo mucho enfada. Con esto me refiero a que el tipo de personajes que interpreta son repetitivos y estereotipados. Solo alcanza con verlo en Todo en parto (Due Date), en su pequeño papel en Locura de amor en Las Vegas o en La cena de los tontos (una de las peores películas de los últimos tiempos). Quizás sería necesario que cambiara de género, solo para ver qué pasa, aunque exista un antecedente en Amor sin escalas (Up in the Air).

VIEJOS Y NUEVOS CONOCIDOS.
Uno de los personajes más divertidos de la primera parte tenía que estar presente y los productores no dudaron en incluirlo: el Señor Chow (Ken Jeong). Sí, el jefe de la mafia china de Las Vegas que aparece atrapado en el baúl del Mercedes en la anterior, en esta se encuentra con sus viejos amigos en Bangkok cuando ellos están en plena búsqueda. El otro imperdible era Mike Tyson, quien también tuvo su encontronazo con esta banda de delincuentes en la primera entrega, ellos le robaron el tigre de su casa y orinaron en su piscina. La nueva incorporación de la plantilla es Liam Neeson, que tiene un pequeño carneo como el tatuador que deja su huella en la cara de Stu. Al principio se había pensado en Mel Gibson para este rol. Paul Giamatti también participa en la película, aunque se ha revelado muy poco sobre su personaje. Al que no veremos en esta secuela es al bebé que los muchachos encuentran en la habitación, al que Alan bautiza Carlos e intenta enseñarle a masturbarse. Tampoco estará el tigre de Mike Tyson, que es reemplazado por un monito que fascina a Alan.
EN LA SEGUNDA ENTREGA, STU ANUNCIA SU CASAMIENTO Y LA MANADA DE LOBOS SE TRASLADA A TAILANDIA.
LIAM NEESON Y PAUL GIAMATTI SE SUMAN A AL ELENCO; SE MANTIENEN MIKE TYSON Y KEN YEONG (EL SEÑOR CHOW)

LA DESPEDIDA, AHORA EN BANGKOK.
Stu, el dentista que se arranca un diente y se casa con una stripper en la primera película, anuncia en la segunda entrega que se va a casar con otra mujer. Eso lleva a toda la manada, con esposas incluidas, a Bangkok para celebrar la boda de su amigo. Ante la insistencia de la prometida de Stu, el grupo decide que las lecciones del pasado son suficientes como para tener una nueva despedida de soltero en la que no haya sobresaltos mayores. Por supuesto que con este grupo de idiotas nunca nada sale tal como se planea.
El formato de la película es el mismo. Una habitación destrozada y los protagonistas que comienzan a recuperar el conocimiento de a uno. El primero en levantarse es Phil -maestro de escuela, líder del grupo- que lo primero que hace es chequear que no se haya perdido el novio. Cuando vemos a Stu, desmayado en posición fetal en una bañera, respiramos aliviados: no son tan idiotas. Sin embargo, cuando Stu se da vuelta se ve un tatuaje tailandés en su sien. Primero un diente, ahora un tatuaje. Alan también ha sufrido algunos cambios, pues está completamente pelado. Sin embargo, y cuándo no con estos dementes de por medio, sí que hay alguien desaparecido: el hermanito menor de la prometida, Teddy.
De ahí en más y sin memoria que los pueda guiar, Phil, Stu y Alan deben recurrir al ingenio y cuanta evidencia tengan al alcance de la mano para rastrear las calles de Bangkok en busca del futuro cuñado de Stu, mientras tratan de entender, una vez más, qué fue lo que pasó la noche anterior. Por supuesto que deberán lograrlo antes de que comience la boda. Y, lo que es peor,: tendrán que hacerlo con la peor resaca del mundo.

Faltaban dos meses para el estreno de la comedia ¿Qué pasó ayer? y el director Todd Phillips ya había anunciado que habría una secuela. Dos años más tarde, acá estamos.
Qué pasó ayer? debe ser una de las películas más repetidas de la programación de televisión por cable. ¿Cómo culparlos? El filme rompió récord de taquilla de su género y, por si fuera poco, ganó el Globo de Oro. La premisa no puede ser más auspiciosa para que ocurra lo insólito. Cuatro amigos, una despedida de soltero, Las Vegas, alcohol y un poquito de Rohypnol. El poquito de ese último ingrediente hipnótico resulta clave para convertir a una comedia más sobre cuatro amigos haciendo locuras en un thñller que nos tiene toda la película preguntándonos dónde está el maldito novio. Por si fuera poco, la película también es una odisea que atravesó esta manada de lobos por separado y generó cambios en cada uno. Y el final resume esa metamorfosis en cinco minutos: Phil valora a su familia, Stu deja la sumisión de lado y manda a volar a su prometida, Doug reconoce la felicidad junto a su nueva esposa y Alan… bueno, Alan creo que queda más o menos igual. Claro que no podemos ser tan ingenuos. Esta transformación no permite ni siquiera deducir que haya algo de arrepentimiento sobre los hechos que sucedieron en la primera noche en la Ciudad del Pecado. Después de todo, boys will be boys.

La banda más rara del mundo Ice Age: Continental Drift 3D.
Dicen que las segundas partes nunca fueron buenas. ¿Qué decir, entonces, de la cuarta película de La era del hielo? Sí, a pesar de que la última entrega no estuvo a la altura de sus dos predecesoras, se confirmó que la manada más fea de la historia y a prehistoria del reino animal vuelve a las andanzas. La entrañable pareja de mamuts de Manny (Ray Romano) y Ellie (Queen Latifah), el “peligroso” tigre  dientes de sable Diego (Denis Leary), el perezoso Syd (John Leguizamo) y la ardilla prehistórica más famosa de la historia Scrat, regresan en una nueva aventura que los pondrá a prueba, una vez más.
Estreno: 6 de julio de 2012.

Una suerte de mezcla de Ghost, la sombra del amor, El día de la marmota y Sexto sentido, con el atractivo de un actor muy bueno en el rol del dentista. Y, al final, es una comedia romántica ahora que lo pienso. Hay amor, sí. Ella que se pregunta por qué justo el día de la muerte de su marido tuvo que enterarse de que andaba con otra mujer, por qué no lo puede ni llorar ni odiar. El marido siente culpa, pero no lo puede remediar hasta que se cruza con este hombre que estuvo entre la vida y la muerte y por eso ve a las almas en pena andando por ahí. Como en la mayoría de las comedias americanas livianas al estilo Notting Hill (no Will Ferrell, ni Sandler, ni Stiller), el amor prevalece y combate y son las torpezas de los enamorados las que la hacen llevadera y hace que nos invada mucha simpatía por la gente que se quiere. Eso me hace acordar a Cuando Harry conoció a Sally. Así de ecléctico, demagógico y así de entretenido. Así de simple y así de trágico. Como en toda historia de amor también hay locura y muerte. Así que, siguiendo los pasos alquimistas de Horacio Quiroga, Ghost Town mete todo en esa bolsa y logra armonizarlo. Si bien el género en estos días en que el concepto de la comedia y el terror han mutado aún no se sabe hacia dónde, en esta película suenan un poco a los tempranos ’90, donde todavía todo solía ser más clásico y menos moderno. Salvo por un par de escenas muy graciosas, no es una comedia para morirse de risa. Es una comedia para ver con una sonrisa instalada, un sábado a la tarde tomando mate, cuando no hay partido en el estadio.
A mi madre le gustó y la divirtió mucho. Que no es poco.

Ghost Town es una comedia amable. Con más mano del productor encima que de un director obsesivo y de rúbrica notoria. Dista de ser una genialidad, pero lo simple de la historia hace que pueda ser una película para toda la familia. Igual, las genialidades distan muchas veces de ser divertidas. Una tarde de sábado de superacción con la comedia consabida. Es despareja, sí; es convencional (aunque no tanto), hay ciertos lugares comunes y un olor a cosas que uno ha visto en otras películas. Todo eso bien combinado. Las comedias, es sabido, suelen prescindir del lenguaje virtuoso y manierista que otros géneros permiten y suelen abocarse a la acción concreta, al timing y a apoyarse en buenas actuaciones para que todo se transforme en una pieza de relojería. Eso se logra en Ghost Town, aunque a veces tenga algún desliz que otro. Un dentista fóbico, neurótico y con mucha mala onda se opera. Durante la operación hay un problema con la anestesia y se muere durante siete minutos. Eso basta como pretexto para que los fantasmas que andan dando vueltas por la ciudad lo acosen para que los ayude a saldar deudas. Idéntico al niño de Sexto sentido, pero en tono muy divertido. Acá los muertos van bien vestidos y a todos les ha quedado por decirle algo a sus seres más queridos. Por eso ahí andan, deambulando. Uno en especial es el que le importa a la película. Uno que se murió, que le “metía los cuernos” con una chica más joven a la mujer (que ahora se está por casar con otro), es el que nos interesa. Empieza a seguir a nuestro dentista para pedirle que evite ese casamiento. Y ahí va el odontólogo, petiso, cabezón y regordete, a intentar ver cómo hace para que no se casen, a cambio de la promesa de que los fantasmas no lo van a joder más. Y resulta que la ex del muerto está muy buena. Dentista que saca artilu-gios de seducción insospechados porque sin darse cuenta, el fantasma sí lo hace, algo le pasa con esa mujer.

Con la presencia de Pattinson y sus hermanas.
Avant de Agua para Elefantes.
Robert Pattinson y Reese Witherspoon asistieron a la premiére de Agua para elefantes, la película que ambos protagonizan. El estreno tuvo lugar en el teatro Ziegfeld de la ciudad de Nueva York. Para el evento, Reese eligió un vestido sin mangas blanco con estampados negros del diseñador Jason Wu, que combinó con unas sandalias plateadas de Christian Louboutin. Rob apareció muy elegante con un traje gris oscuro.
Pattinson y Witherspoon posaron ante las cámaras muy sonrientes, e incluso bromeando el uno con el otro, sin mostrar la tensión que existe entre ambos. Y es que la actriz confesó hace unos días que rodar las escenas de amor con Robert Pattinson había sido “asqueroso”. A la premiére también asistieron las hermanas mayores de Robert, Victoria y Elizabeth, que quisieron acompañar a su hermano en el estreno.

En muy poco tiempo, menos de diez años, Snyder (nacido el 1 de marzo de 1966) pasó de ser un ignoto director de una película de terror y ciencia ficción nutrida de la clase B a uno de los cineastas de mayor renombre en Hollywood. Una carrera corta, que comenzó 2004 con El amanecer de los muertos y que sigue nada menos que con la reinvención del padre de todos los superhéroes, Superman, su próximo proyecto luego de Mundo Surreal.
Zack Snyder concibió la historia y coescribió el guión de Mundo surreal, película que también produjo y dirigió. Para el director, esta es “una película sobre el escape, tanto literal como figurado”. Y agrega: “Es una muestra de cómo la mente puede crear una barrera casi impenetrable contra el mundo real y hasta dónde estamos dispuestos a ir, qué sacrificios estamos dispuestos a hacer, para salir de una situación difícil”.

100  femenino.
Así la definen las notas de producción: “Una fantasía épica de acción que nos lleva a la imaginación de una joven cuyo mundo imaginario ofrece el mejor escape de la oscura realidad en la que está enterrada. Sin la contención de los límites de tiempo y lugar, ella es libre de ir donde su mente la lleva, y sus increíbles aventuras borran las líneas entre lo real y lo imaginario”. Tiempo atrás, cuando el realizador comentó acerca de lo que sería su nuevo proyecto, destacó que debido a que ya había hecho una película con un reparto 100% masculino (300), quería hacer un film 100% femenino. Después de haber mostrado tantos pectorales y abdominales varoniles, Snyder decidió dar una vuelta de tuerca y la historia que tenía pensada sobre un muchacho maltratado que encuentra refugio en su gran imaginación se transformó en la aventura de una chica. Una chica llamada Baby Dolí.
Emily Browning (Lemony Snicket’s: Una serie de eventos desafortunados) interpreta a esta joven adolescente que es duramente maltratada por su maligno padrastro. Este hombre, ya cansado de hacer lo que quiere con Baby Dolí, la interna en una institución mental, donde además de sufrir penosas humillaciones, será sometida a una brutal lobotomía. Allí conoce a otras que, al igual que ella, necesitan creer que existe algo más allá del infierno en el que están metidas. Ellas son: Sweet Pea (la australiana Abbie Cornisa, que estuvo en Elizabeth: La edad de oro y Un buen año), Rocket (Jena Malone, la de Contacto y Donnie Darkó), Blondie (la ex High School Musical Vanessa Hudgens), Amber (Jamíe Chung, de Dragonball Evolution).
El resto del elenco lo completan Carla Gugino (que interpreta Madam Gorskí), Jon Hamm (Mad Men) y Scott Glenn, que encarna a un personaje llamado Hombre Sabio. Es él quien le dice a la pequeña Baby Dolí que si no se levanta por algo, se caerá por nada.
Siguiendo las palabras del Hombre Sabio, la alianza entre las chicas de la institución no tarda en formarse y juntas diseñan una realidad alternativa que las ayudará a escapar del lugar. Para conseguirlo, mezclándose fantasía y realidad, tendrán que encontrar cinco objetos muy valiosos: un mapa, un fuego determinado, un cuchillo y una llave. El quinto objeto es todo un misterio. Sólo emprendiendo el viaje hacia la salida logrará saber de qué se trata.

Veamos. Una historia ambientada en la década de 1950. Bien. Con nazis. Bien. Con nazis y samurais y ninjas y dragones. Acá hay algo raro. Sigamos. Una fantasía con escenas musicales, algo de cabaret, robots asesinos y colegialas rebeldes portando metralletas, pistolas y katanas. Estamos hablando de una sola misma película. De Sucker Punch: Mundo surreal. Es la última carta de Zack Snyder, director de 300, de la genial Watchmen y de la próxima Superman. Él mismo define a su película como “Alicia en al País de las maravillas pero con metralletas”. Y se queda corto. Sucker Punch: Mundo surreal tiene mucho de la obra de Carroll, es cierto, pero también habría que agregar algo de la historia de Juana de Arco (en especial todo lo relacionado con las visiones y el mundo que se genera la protagonista en su cabeza) y que aparecen ingredientes usados en la elaboración de explosivos como The Matrix, Kill Bill, Battle Royale y Yo Yo Girl Cop (también hay algo de la terrajada D.O.A.: Dead orAlive, pero con un nivel más digno). Realidades paralelas, mundos imaginarios, opresión, artes marciales, minifaldas, sed de venganza, armas de fuego, armas blancas y filosas y mujeres que han sufrido abusos y que se rebelan contra el poder establecido. Todo eso en una sola película.

Cuéntanos sobre el personaje que interpretas.
Interpreto al sargento del Estado Mayor, Nantz. Soy un marine retirado. Al principio de la película, estoy por salir. Soy una especie de guerrero mordaz, endurecido por la guerra. Y tengo que regresar para ir a luchar contra una fuerza de extraterrestres muy potente al lado de un montón de infantes jóvenes, que no están preparados y no tienen experiencia.
¿Cómo te preparaste para el papel?
Yo había hecho con anticipación mi propio entrenamiento con los marines durante algunos meses -entrenamiento con armas, simulacros- y luego tres semanas antes de empezar la película nos reunimos en Louisiana y estuvimos en un campamento de entrenamiento militar. Tuvimos a tres infantes de Marina que nos entrenaron. Levantamos una tienda de campaña en la que dormimos todos. Comimos juntos. Nos duchamos juntos. Trabajamos juntos todo el día. En pocas palabras, realizamos el campamento de entrenamiento como si fuera real, lo que al final fue una experiencia invaluable. Empezamos con un grupo de personas que no se conocían entre sí y terminaron haciéndose amigos. Nos dio un verdadero sentido de camaradería que se muestra a través de la película.

Aaron Eckhart.
Pide la secuela de Batalla de Los Ángeles.
En el nuevo torbellino de ciencia ficción, Invasión del mundo: Batalla de Los Angeles, Aaron Eckhart dirige a un grupo de infantes de Marina para enfrentarse a una despiadada fuerza invasora de extraterrestres. El actor tiene un caso complicado entre manos, su ultima salida, una batalla en la ciudad de Los Angeles puede ser la clave para la supervivencia de la humanidad.
“Antes de empezar la película nos reunimos en Louisiana y estuvimos en un campamento de entrenamiento militar”
Invasión del mundo: Batalla de Los Ángeles parece ser una película muy diferente a tus trabajos anteriores.
Lo es. He hecho muchas películas independientes y muchos dramas. El año pasado se estrenó Rabbit Hole, hice una película llamada The Rum Diary con Johnny Depp y participé en Invasión del Mundo: Batalla de Los Ángeles, una después de la otra. Pero siempre abordo cada película de la misma manera. Siempre trato de acercarme a la realidad del personaje, de la historia. En ese sentido, todas son iguales para mí. Pero en términos de lo que exige el personaje, en términos físicos, esta película fue, por mucho, la película más difícil que jamás haya hecho… Quiero decir, esta película es simplemente una descarga de adrenalina increíble, perfecta.

Nadie es inocente: diferencias entre el libro y la película.
Richard LaGravenese, nominado al Osear por su trabajo en The Fisher King (Pescador de ilusiones), fue el encargado de trabajar en el guión para llevar el libro de Gruen a la pantalla grande. El primer objetivo del director y el guionista fue intentar ser fieles con el tono y los temas plasmados en las 400 páginas escritas por Gruen. “Había algunos momentos claves en el libro que tenían que estar en la película, pero parte de la diversión es interpretar elmaterial originaly generar nuevas ideas”, contó LaGravenese quién además explicó: “Cuando. un libro es tan querido, es importante conservar lo que los lectores esperan, pero al mismo tiempo hay que entender que cuando lees una historia estás imaginando y escuchando personajes en tu cabeza y todo el mundo tiene su propia versión en su mente. Cuando ves la historia representada en pantalla con gente real se convierte en una versión y hay ciertas ideas que funcionan en un libro, pero no en la pantalla”. Abocado a potenciar la historia, LaGravenese realizó varias modificaciones. Una de las cosas que quería era lograr que más allá de las etiquetas de buenos y malos, nadie parezca “100 por ciento inocente”. Otro cambio fue fusionar dos personajes del libro. En la novela, August es el esposo de Marlena y el entrenador de los animales, mientras que el dueño del circo es el tío Al. En el filme este personaje no existe y sus características son adoptadas por August. “Esto hizo que el personaje interpretado por Waltz fuera más peligroso, que siempre es algo bueno”, explica LaGravenese. El guionista también tuvo la idea de mostrar algunos aspectos de la historia a través de los ojos de Jacob, ya envejecido (interpretado por Hal Holbrook)..

La Sociedad Protectora de Animales dijo presente en el rodaje.
Representantes de Animal Humane Association estuvieron en el set de Agua para elefantes para asegurar el bienestar de los animales que aparecen en pantalla. Durante la película, August maltrata a la elefanta Rosie, pero los realizadores trabajaron durante la filmación de esas escenas con el equipo de efectos visuales y el entrenador de elefantes Gary Johnson para diseñar métodos que simularan golpes de August y la posterior reacción de Rosie. A través de la tecnología y la ayuda de Johnson se logró que las escenas parezcan reales sin dañar a la elefanta. “Ni siquiera utilizamos un látigo o gancho esponjoso con Tai” dijo el director de la cinta, Lawrence. “El gancho ni siquiera estuvo cerca de ella”.
Ni siquiera utilizamos un látigo o gancho esponjoso con ia elefanta” dijo el director de la cinta, Lawrence.

Tai: la actriz que pesa cuatro toneladas y mide tres metros.
Entre los protagonistas de la historia también se encuentra la elefanta Tai, que vive en California con su entrenador Gary Johnson. En la película interpreta a Rosie, una de las sensaciones del espectáculo que sacará del pozo al circo de August y al mismo tiempo unirá a Jacob y Marlena. Justamente Witherspoon tuvo que compartir varias escenas con Tai, por lo que comenzó a trabajar con ella tres meses antes de empezar el rodaje. “Yo no soy muy grande y Tai no es muy pequeña”, comentaba la actriz, que además agregó: “Tuve que aprender cómo pisar su trompa y treparme por ahí hasta llegar a su lomo. Fue muy complicado, pero finalmente lo logré”. Por su parte, Robert Pattinson también quedó impresionado, ni el peinado deTaylor Launter en la primera película de la saga Crepúsculo lo intimidó tanto como trabajar con un elefante. “Desde el primer día de rodaje me encontré con ella, estaba con otros elefantes de cinco o seis años y fue bastante intimidante. Especialmente cuando se paró en dos patas, era realmente enorme”.

Uno de los primeros en subirse a esta historia y captar la atención de los seguidores de una de las sagas más taquilleras fue Robert Pattinson, protagonista de Crepúsculo. El director de Agua para elefantes, Francis Lawrence (Soy leyenda), contó que en cuanto se reunió con Pattinson supo que era el indicado para encamar a Jacob Jankowski, estudiante de veterinaria que después de la muerte de sus padres decide subirse al primer tren que aparece en su camino, sin saber que este viaje lo llevará al circo The Benzini Bros, donde trabajará y conocerá a Marlena, la heroina de la cinta. Este papel fue a parar a las manos de la ganadora del Osear, Reese Witherspoon, quien ya conocía el libro y no dudó en comenzar a trabajar junto a Lawrence en las primeras etapas del proyecto, cuando el guión todavía no estaba terminado. “El mundo que Sara Gruen (autora de la novela) creó me absorbió por completo. Es una excelente historia de amor, esperan- | za, redención, segundas oportunidades y búsqueda de la felicidad”, dijo la actriz que interpreta a la acróbata y sufrida esposa de ,August, dueño y tirano del circo que además se encarga de entrenar a los animales que forman parte de su espectáculo. Y si se trata de encarnar personajes con una importante cuota de maldad, nada mejor que el también oscarizado Christopher Waltz (Bastardos sin gloria), quien se incorporó a la película para meterse en la piel de August. personaje que iba a ser interpretado por Sean Penn, pero el actor declinó la oferta y dejó la puerta abierta para que ingresara Waltz.

Robert Pattinson protagoniza Agua para elefantes.
Agua para elefantes desembarca en la pantalla grande con el Impulso de estar inspirada en un best-seller que contiene la clásica dosis de romance, lucha y tragedia. Pero por estas partes del mapa, donde el libro no es tan conocido, hubiese llegado silbando bajito de no ser por el elenco que logró reunir.
Tuve que aprender cómo pisar su trompa y treparme por ahi hasta llegar a su lomo. Fue muy complicado, pero finalmente lo logré.

Noviazgo confirmado.
Amanda Seyfried confirmó reciente-mente su relación con el actor Ryan Phillipe (Juegos sexuales), ex esposo de Reese Witherspoon. La protagonista de Mamma Mía contó en una entrevista concedida a la revista Elle que lo conoció en octubre en una fiesta de Halloween organizada por Kate Hudson.
Podrías hablarnos un poco acerca de uno de los momentos más representativos de la película que es cuando te dicen “¡Qué ojos tan grandes tienes!”.
Tuvimos que utilizar esa frase que parece no encajar en cualquier lugar, no fue fácil. Pero creo que funcionó muy bien porque es una pieza emblemática. Además debo ser una de las actrices con los ojos más grandes de este negocio (risas).
En la película hay una escena en la que Valerie ve a Pedro bailando con otra chica. ¿En tu vida sos de ponerte celosa o enojarte por ese tipo de cosas?
Me siento como en la película, porque él lo está haciendo a propósito, me mira y es muy seductor con esta mujer. Y cuando me lo hacen a propósito reacciono de la misma manera, lo enfrento. También soy un poco celosa, pero creo que todos los seres humanos lo somos.
¿Actúas como si estuvieras celosa?
No, en estos casos directamente lo enfrento y le digo que no me gusta lo que está haciendo.
¿Funciona?
Sí, en general funciona. Es decir, se trata de ser honestos con lo que sentimientos en todo momento, así después no tenes que lidiar con un drama.

Amanda Seyfried.
La actriz de 25 años adelanta detalles sobre la película de Catherine Hardwicke y cuenta cómo será la nueva versión de Caperucita que veremos en la pantalla grande.
¿Qué te atrajo de este proyecto?
En realidad no había leído el guión hasta conocer a Catherine, en ese momento ella me dijo que tenía varias cosas para mostrarme. Ahí pensé en lo difícil que iba a ser convertir este viejo cuento en una película de larga duración, pero ella tenía grandes ¡deas. Después de eso me encontré con Leonardo DiCaprio (productor de la película) y eso fue todo, aquí estoy.
Cuando conseguiste el papel, ¿cómo definiste al personaje que ibas a interpretar?
Bueno, lo primero era separar a la damisela de los cuentos de hadas, en general con problemas y angustiada, de alguien que es completamente diferente. Ella es una mujer joven y fuerte que está transitando la vida y su sexualidad. Trata de navegar a través de esta etapa de adultos jóvenes en este pueblo medieval. Por lo tanto, pensé que eso era lo que tenía que interpretar. Y, por supuesto, ella es la heroína de la película, así que tiene que tener coraje. Y eso me pareció muy atractivo, porque me gustan las mujeres que no tienen miedo, sobre todo en estas circunstancias, ella es muy valiente.
¿La ves como una mujer moderna en aquella época?
Sí, claro. A la historia le hemos agregado elementos contemporáneos como un triángulo amoroso y el tipo de relación que tiene con sus padres y el hombre que ama. Y Catherine sabe muy bien cómo trabajar este tipo de historias, porque está muy conectada con la esencia de la juventud.

Las fábulas llevadas al cine.
Esta no es la primera vez que un cuento para niños llega a la pantalla grande. En el terreno de la animación, Disney impuso su sello con sus Clásicos, desde Blancanieves y los siete enanitos (primer largometraje, estrenado en 1937), pasando por La Bella Durmiente (1959), hasta uno más reciente como La Bella y la Bestia (1991), así como otros cortos como el de Pedro y el Lobo, Juanito y los frijoles mágicos, (donde los personajes han sido Mickey, Donald y Goofy) etc.
También hubo otro tipo de adaptaciones en diversos géneros, como Por siempre jamás, versión moderna de Cenicienta con Drew Barrimore, o una oscura Blancanieves: La verdadera historia, donde la inocencia y la fantasía fueron dejadas de lado por el terror y el realismo, con Sigourney Weaver en el papel de la Reina/bruja.
El año pasado estuvo marcado por la última adaptación de Tim Burton de Alicia en el país de las maravillas, que ya había tenido su versión infantil de 1951, ambas basadas en el cuento de Lewis Carroll. Otra adaptación bastante transgresora en cuanto a la original fue la que realizó Wes Anderson sobre la novela de Roal Dahl, El Fantástico Sr. Fox, muy bien recibida por la crítica.
A futuro, hay que tener en cuenta la versión oscura de Pinocho (ver recuadro) y Oz: The Great and Powerful, lo que sería una precuela del clásico El mago de Oz. Sam Raimi (director de Spiderman) está a cargo de esta historia que no tendrá en cuenta la odisea de Dorothy y compañía, sino que se centrará en la vida del mítico mago, de cómo llegó a Oz y se convirtió en el soberano, papel interpretado por James Franco y secundado por Mila Kunis.

Caperucita, las 1001 versiones.
La historia de Caperucita y el lobo tiene cientos de años. Comenzó como un cuento de hadas que se transmitía de forma verbal, hasta que Charles Perrault la incluyó en un libro de cuentos en 1667. Más tarde, los hermanos Grimm escribirían su propia versión en 1812. Todo saben de qué va la historia, aunque haya distintas versiones acerca del final: unos dicen que un leñador mató al lobo, otros que murió ahogado debido a las rocas que pusieron en su estómago mientras dormía, y hasta el propio lobo escribió su versión, en la que no muere.
Más allá de los matices, todo el mundo ha sacado provecho de este cuento, quizá uno de los más refritados en la historia de la literatura. Desde el poema de Gabriela Mistral, versiones de cómics, videojuegos, un manga japonés titulado Tokyo Akazukin; la película de Neil Jordán En compañía de lobos, versiones pornográficas y eróticas del cuento, hasta publicidades de perfumes más recientes o adaptaciones animadas donde la niña no es tan inocente, la pobre Caperucita ha tenido mil caras distintas. En el 2005 se estrenó La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja, una nueva versión animada, donde Caperucita, el lobo y la abuela son sospechosos de un crimen y cada uno debe contar su versión de los hechos.

Max Irons Henry.
Shiloh Fernández Peter.
Estos dos jóvenes tienen su primera gran oportunidad en este filme de Catherine Hardwicke, cerrando el triángulo amoroso junto a Seyfried. Los dos tuvieron que tomar clases de acento para hablar un inglés neutro.

Gary Oldman. Padre Solomon.
Dentro de sus grandes papeles se puede destacar Drácula, para la versión de Francis Ford Coppola en 1992, y sus recientes apariciones en la franquicia Batman de Christopher Nolan como el Detective Gordon, y como el padrino de Harry Potter, Sirius Black.

Julie Christie.
La Abuela.
La cuatro veces nominada y una vez ganadora del Osear por su papel en Darling (1965) interpreta a uno de los personajes clave en esta historia. La Abuela es un personaje misterioso, con una conexión inusual con la naturaleza que lleva a pensar que podría ser una bruja. Christie debió usar lentes de contacto marrones para tapar sus ojos azules.

Amanda Seyfried Valerie.
A pesar de sus 25 años de edad, cuenta con vasta experiencia en la actuación con papeles muy disímiles que van desde la comedia (Mean Girls), drama {Querido John), musicales (Mamma Mia!), terror/comedia (Jennifer’s Body) y ahora un thriller de suspenso como La chica de la capa roja. En el set compartió el tráiler junto a su madre y su perro Finn.

¿La gallina o el huevo?
Se comenta que durante el rodaje de la película la directora Catherine Hardwicke contrató a Sarah Blakley-Cartwright (que actuó en Thirteen) para escribir una novela sobre la historia. La estrategia comercial no podría fallar, una película de moda y el libro que la acompañara (vendió 100.000 ejemplares en la primera tirada). Claro que cuando la novela homónima estuvo en las librerías surgió la duda: ¿el libro se basa en la película o la película en el libro?

Caperuza, versión 2.0.
Todo sucede en el pueblo de Daggerhorn. Por décadas, los habitantes han vivido bajo la amenaza de un lobo que caza por los alrededores. La solución consistió en sacrificar un animal por mes para calmar el hambre de la bestia y mantener, de esta manera, una especie de pacto. Sin embargo, una noche de luna llena el lobo cobra, por primera vez, la sangre de una víctima humana. El banquete de turno fue la hermana mayor de Valerie (Amanda Seyfried, luego de algunos altibajos en su carrera, sobre todo el fiasco de Jennifer’s Body, una de las peores películas del 2010), una hermosa joven que enfrenta otro tipo de problemas. Sus padres arreglaron su casamiento con Henry (Max Irons), el hijo de una de las familias más ricas de Daggerhorn. Sin bien Henry no es un mal candidato, Valerie está enamorada de Peter (Shiloh Fernández), un humilde leñador al que conoce hace años y con quien sueña comenzar una familia propia. Mientras las víctimas del lobo siguen cayendo, los habitantes cfeciden recurrir al padre Solomon (Gary Oldman, que curiosamente interpretó a Drácula y ahora persigue hombres lobo), experto en amenazas de ese tipo. Claro que la llegada del salvador sólo sirve para desatar nuevas interrogantes, pues Solomon afirma que el lobo camina en dos patas durante el día y que podría ser cualquiera de los residentes. Con la llegada de una nueva luna llena y a medida que el pueblo se inunda de sospechas y temor, Valerie idea un plan para escapar junto a Peter de su prometido y el asedio de sus padres, al tiempo que descubre que tiene una rara conexión con la bestia; una que podría jugarle a favor o para su desgracia. La chica de la capa roja se mueve entre el thriller y el suspenso, se destaca por la fotografía y el impacto visual, todo ambientado en un pueblo medieval durante el invierno, con paisajes y contrastes muy bien logrados, donde la figura de Gary Oldman como el padre Solomon y Amanda Seyfried en el protagónico de Valerie se despegan del resto y dotan a la historia de la credibilidad necesaria que una película fantástica debe tener.

Quizá el título pueda perjudicar a esta película, ya que se trata solamente de una simple adaptación del legendario cuento para niños. Es decir, aquellos que visiten el cine y esperen encontrarse con una pequeña que sale de casa con una cesta en la mano, rumbo a lo de la abuelita y su encuentro con el lobo, terminarán desilusionados. Esta adaptación de David Johnson, guionista de La huérfana, toma algunos elementos del mítico cuento infantil, pero los utiliza a su antojo para darle la forma deseada. Por su parte, Catherine Hardwicke, directora de Crepúsculo (la única película de la franquicia de vampiros que vale algo), toma las riendas de un filme que comparte algunos elementos estéticos con la cinta que la ayudó a consolidar su nombre en la industria.

Hay quienes sostienen que, de no haber muerto, la trayectoria de James Dean no se hubiera prolongado mucho más.
Conociendo la afición de Dean por la alta velocidad, la Warner Brothers le hizo firmar una cláusula que establecía la prohibición de participar en competencias deportivas durante el tiempo que se encontrara rodando alguna película. Apenas culminó su parte en el rodaje de Gigante, se subió al pequeño bastardo, tal como llamaba a su Porsche plateado.

Carretera perdida.
Tal vez la muerte lo salvó de algo peor que la muerte. Lo salvó de la vejez, algo que para una persona de sus características posiblemente hubiera sido difícil de soportar. Dean era un joven arrogante que se creía con autoridad para sugerir importantes cambios en el guión y a menudo tenía actitudes infantiles y poco profesionales en el set, faltando a los ensayos, ofendiéndose o fumando marihuana en el plato. Sentía una irrefrenable necesidad de llamar la atención, lo que lo llevaba a provocar actos francamente estúpidos como escupir en los retratos de Bogart, Cagney y Muni que engalanaban la recepción de los Estudios Warner.
Dean era retraído, de ánimo fluctuante, sus picaz, y podía ser dulce y pasar a ser grosero y poco solidario en cuestión de segundos. “De vez en cuando podía ser encantador; la mayoría de las veces era un necio insoportable”, relata Anger. Era, para hacerla más fácil, el clásico maníaco-depresivo, lo que hoy se conoce como un tipo con trastorno bipolar. Hay quienes sostienen que, de no haber muerto, la trayectoria de James Dean no se hubiera prolongado mucho más. Su carácter bipolar, su pésima relación con las drogas y la necesidad de moverse de forma clandestina debido a sus apetencias sexuales lo habían llevado hacia zonas sombrías, en una carretera hacia la autodestrucción.

Nominaciones póstumas:
James Dean solo vivió para ver el estreno de Al este del paraíso, por la que recibió una nominación postuma a mejor actor en 1956. Al año siguiente obtuvo la misma candidatura por su papel en Gigante.

El pequeño bastardo.
Un tiempo antes, el actor había logrado zafar del Ejército declarándose homosexual. Cuando Edda Hopper le preguntó cómo evitó servir en la guerra de Corea, Dean fue clarísimo: “Le di un beso al médico”. La víspera del accidente había asistido a una fiesta gay en Malibú. La noche terminó mal, a los gritos con un ex amante que le criticaba el hecho de que salía con mujeres para satisfacer a la prensa. Ese Porsche plateado que se compró mientras estaba rodando Gigante es uno de los autos más famosos del mundo. El pequeño bastardo. Así lo llamó. El 30 de setiembre de 1955, al día siguiente de la fiesta de la que se fue en medio de un escándalo, Dean manejaba a unos 150 kilómetros por hora por la autopista 41 rumbo a una carrera de autos que se desarrollaba en Salinas. En un cruce chocó contra un Ford Custom Tudor que venía velozmente desde la izquierda. Las fotografías del Porsche plateado son impactantes. James Dean ya estaba muerto cuando fue ingresado al hospital de la localidad de Paso Robles.

El Cenicero Humano.
Sobre JD se ha dicho y escrito de todo. Quienes lo conocieron de cerca concuerdan en que tenía una cierta obsesión con la muerte. Que cuando se hizo aficionado a la fotografía realizó trabajos un tanto perturbadores, bastante relacionados con la idea de la muerte y el dolor. En especial con el dolor. En su legendario Hollywood Babilonia (lectura indispensable para todo aquel que quiera conocer la otra cara de la fábrica de sueños -está en dos tomos, editado por Tusquets-), Kenneth Anger recopila algunas intimidades. “Durante el rodaje de Rebelde sin causa. James Dean fue el anfitrión de una próspera colonia de ladillas”, cuenta. “Natalie Wood, Sal Mineo y Nick Adams habían observado que su ensimismado compañero de trabajo aprovechaba las pausas para rascarse; pensaron que en realidad imitaba la manera de restregarse de su desaliñado ídolo, Marión Brando. El director Nicholas Rey, perplejo ante la poca familiaridad de su estrella con tales modales, lo arrastró hasta una farmacia de Burbanley y le hizo tomar un frasco de un corrosivo ladillicida”.
Pero Anger va más allá y confirma el gusto de JD por el cuero y el duro con hombres anónimos. “Se había metido en el mundo de los azotes, las botas, las correas y las escenas de humillación. Los habituales del club [sadomasoquista] le habían colgado un apodo singular: Cenicero Humano. Cuando estaba “colocado”, era capaz de desnudarse el pecho y rogar a sus amos que lo
pisotearan con sus botas”. Por más datos, el perito que examinó su cadáver tras el fatal accidente señaló que JD tenía en su pecho “una constelación de cicatrices”.

“Al principio, el dolor del público fue moderado”, dice Keneth Anger en el capítulo de Hollywood Babilonia dedicado a Dean. “Pero de pronto, sin que el estudio moviera un dedo, empezó acrecer la leyenda. No habían pasado muchos meses desde su muerte cuando el culto alcanzó extraordinarias proporciones. El estreno de Rebelde sin causa desató la mayor ola de veneración postuma de la historia de Hollywood; mayor aun que la de Valentino. Hubo admiradores que se suicidaron. Aunque la carrera de Dean no fue sino un cometa fugaz, la mayoría de sus fans se negaban a aceptar su muerte. Cada día llegaban al estudio miles de cartas, casi todas ellas de adolescentes”.

Vida rápida.
Nació el 8 de febrero de 1931 en Marión, estado de Indiana. Se crió en la granja de sus tíos, estudió teatro y participó como modelo en algunos anuncios publicitarios. Su nombre completo: James Byron Dean. En el cine, lo descubrió Elia Kazan, director de Nido de ratas, que lo llamó para actuar en Al este del paraíso (en DVD se consigue como Al este del Edén), su primer protagó-nico después de haber pasado por breves papeles en producciones menores (Harvest) y series para televisión (Un conflicto en cada esquina), algunas veces sin acreditar. En 16 meses filmó tres películas. Solo llegó a ver una de ellas, Al este del Edén. Fue dos veces nominado al Osear. Las dos, postumamente. No llegó a cumplir 25 años: se mató en un siniestro automovilístico cuando iba rumbo a una carrera de autos.

Su lápida dice simplemente, James Dean 1931-1955. ¿Hace falta decir algo más? Parece que sí. Cada año surgen homenajes, recuerdos,  secretos, biografías, testimonios que abordan el mito, destacando el lado humano, las zonas oscuras, los defectos, las virtudes, o directamente encumbrando aun más la leyenda, que dio un paseo corto por la vida y se convirtió en símbolo de la rebeldía eterna.
Dean era retraído, de ánimo fluctuante suspicaz, y podía ser dulce y pasar a ser grosero y poco solidario en cuestion de segundos.

JAMES DEAN.
80 años del eterno rebelde.
Tuvo un paso fugaz por el cine, filmando solo tres películas y obteniendo dos nominaciones al Osear. Icono pop surgido en la década de los 50, símbolo de rebeldía e inconformismo juvenil, habría cumplido 80 años

En Biutiful no hay grandes acontecimientos. Solo la individualización de la dura cotidianidad de uno de los cientos de millones de seres humanos que viven todos los días con esa sombra y esa luz. Al fin y al cabo, cuando una película no es un documento, es un sueño. Y el soñador siempre está’ solo, de la misma forma que el pintor está solo ante el lienzo blanco. Estar solo es hacerse preguntas (ya lo dijo Godard)… y hacer películas es contestarlas…

Al visitar en 2007 Barcelona, el personaje de Uxbal me dijo que pertenecía a ese mundo. Para mí, la individualización de una sola de estas realidades valía la pena el viaje. Para lo que nosotros es una realidad extrema y al límite, para ellos es solo la naturaleza de su existencia y la ordinariedad de su día a día. Muchos de los personajes no son actores y de hecho han tenido una vida semejante o paralela al mundo de la película, pero ¿cómo nació todo esto? Mis películas siempre nacen a partir de algo muy vago, retazos de una conversación, la visión fugaz de una escena por la ventanilla del coche, un rayo de luz o notas musicales. Biutiful empezó una fría mañana de otoño de 2006 mientras preparaba el desayuno con mis hijos y puse un CD del Concierto en sol mayor para piano de Ravel. Unos meses antes, había puesto el mismo concierto mientras íbamos en coche desde Los Ángeles al Festival de Cine de Telluride. Las vistas en la zona de los Four Corners eran espléndidas, pero cuando acabó la pieza de Ravel, los dos niños se echaron a llorar a la vez. La melancolía, la sensación de tristeza y belleza que desprende la composición los conmovió. No pudieron resistir ni explicarlo; solo lo sintieron. Cuando volvieron a oír las notas del concierto aquella mañana, los dos me pidieron que lo quitara. Se acordaban claramente del impacto emocional que les había producido la música. Esa misma mañana, un personaje llamó a la puerta de mi cabeza y me dijo: “Hola, me llamo Uxbal”. Iba a vivir con él durante los tres años siguientes. No sabía lo que quería, quién era ni a dónde iba; era escéptico y lleno de contradicciones. Pero seré honrado y reconoceré que sabía cómo presentarle y cómo acabar con él… Sí, solo tenía el principio y el final…

Biutiful es para mí una reflexión acerca de nuestra breve y humilde permanencia en esta vida. Nuestra existencia, tan rápida como el parpadeo de una estrella, solo nos revela su inefable brevedad al sabernos cerca de la muerte. A últimas fechas he pensado en mi propia muerte. ¿A dónde vamos? ¿En qué nos convertimos cuando nos morimos? En la memoria de los otros. Esta es la angustiante y vertiginosa carrera contra el tiempo que Uxbal enfrenta. Qué hace un hombre con sus últimos días de vida, ¿se dedica a vivir o a morir? Sí, tenía razón Kurosawa cuando decía que nuestros sueños de trascendencia eran eso, una ilusión. Sin embargo, desde un principio yo no estaba interesado en hacer una película sobre la muerte, sino una reflexión sobre la vida y dentro de la vida mientras inevitablemente la perdemos. La sociedad moderna padece, entre muchas otras cosas, de una profunda crisis de tanatofobia. Por eso mismo, sabía que la contradicción formal y temática de intentar un poema sórdido acerca de un hombre iluminándose mientras cae en el oscuro pozo de la muerte sería un reto. Digo contradictorio porque mientras la espiral interna de Uxbal necesitaba ir hacia el interior y lo espiritual, la urgencia de esta nueva realidad social y política de Europa estiraban su espiral externa hacia el lado contrario. Los noticieros nos reportan a diario estadísticas de cientos de miles de personas muertas y explotadas dentro de estos panales humanos que se han formado en los suburbios de todas las ciudades europeas. La vertiginosidad y vacuidad de estas noticias nos tiene sedados y sin la capacidad de metabolizar la dura realidad de los pobres, los inmigrantes, los siempre invisibles.

Después de recorrer el mundo con Babel, pensé que ya había explorado bastantes líneas múltiples, estructuras fragmentadas e historias entrecruzadas. Cada parte se rodó en un idioma distinto y en un país diferente. Cuando acabé Babel, estaba tan agotado que pensé, deliberadamente, que mi siguiente película tendría un único personaje, con un solo punto de vista, transcurriría en una única ciudad, con una línea narrativa directa y en mi propio idioma natal. Haciendo una analogía musical, si Babel había sido una ópera, Biutiful sería un réquiem, un adagio… y si, aquí estoy Biutiful es todo lo que no había hecho hasta ahora: una historia lineal cuyos personajes mueven la historia dentro de un género inexplorado para mí: la tragedia.

Y para que ese giro narrativo le diese resultado a González Iñárritu, para que de las múltiples historias valiese la pena pasar a una sola, se hacía necesaria la presencia de un actor que sostuviese el papel con fortaleza. Esa presencia quedó garantizada en la persona de Javier Bardem (¿el actor del momento?).
Y claramente esa designación comenzó a dar sus frutos: no únicamente la película, sino su rol como protagónico, están a la espera del dictamen de la Academia de los Osear. Pero antes, en Cannes, ya fue galardonado Bardem con el premio a la mejor actuación en esta película. El español de rostro rústico, devenido galán, es quien parece embanderarse con esta película, quitando del protagónico al autor, y haciendo la propuesta un poco más estelar de lo que podría haber sido con otro actor en el rol.
Por eso la elección fue acertada. Mucha crítica en Cannes, incluso, supuso que sin Bardem este largo proyecto de González Iñárritu (¡dos horas y 45 minutos!) se hubiese ido sencillamente a pique. Tan drástica resulta la nueva propuesta que gran parte de los especializados sostienen que nada tiene de valioso. En resumen, el intimista Iñárritu no rinde demasiado en el esquema internacional, y sólo parece sobrevivir gracias a la ayuda de Bardem.
El español de rostro rústico, devenido galán, es quien parece embanderarse con esta película, quitando del protagónico al autor

Poder hacer una sinopsis de las películas de González Irráñitu puede resultar, afortunadamente, un trabajo sumamente forzoso. Las características de su cine han marcado (¿hasta ahora?) el manejo de elementos que, si bien no novedosos en el cine contemporáneo, sí al menos poco trabajados de forma tan precisa y cuidada. Así fue con /Amores perros, pero también con 21 gramos o Babel: muchas historias paralelas que hacia el final de sus rectas encuentran siempre el punto de anclaje común, o se rozan, o se miran de lejos. Más allá de los resultados (debo admitir que únicamente siento un verdadero reconocimiento con /Amores perros; ni 21 gramos ni menos Babel me parecen grandes películas), es claro que hay una calidad mínima establecida en cada una de sus películas. Probablemente, el abuso del recurso de los cortes diegéticos hayan repercutido en las estrategias de sorpresa de sus últimos filmes, probablemente eso haya cansado al director (algo puede desprenderse de su diario de filmación de Biutiful), y probablemente, llegada ya su cuarta película, vea que es la hora de proponer un cambio hacia historias que no tengan ya su centro de apoyo en los aspectos formales, sino que volviendo a las técnicas clásicas de la narración puedan servirle de soporte para contar nuevas historias. Esto es lo que parece suceder con Biutiful: ya no hay muchos personajes, ni historias, ni lugares. Ahora es solo Uxbal (Javier Bardem) en una oscura Barcelona, y una cámara que lo sigue en lo que podría llegar a ser una etapa oscura y decisiva de su vida. De todas formas existen semejanzas con sus producciones anteriores, sobre todo si miramos aspectos que podrían encasillarse en los conceptos de “clima” y “tono”. Por “clima”, podemos decir que las historias que suele narrar González Iñárritu son perfiladas hacia las vivencias personales, pequeñas historias mínimas (claro, enmarcadas en complejos contextos, claramente como ocurre en Babel), y nada de eso parece cambiar con su nueva película Biutiful. Pero por otro lado, también el “tono” de las películas del mexicano mantienen su hilo: fotografía más bien oscura, silencios y música en lugar de las palabras, espacios poéticos entre la palabra y la imagen: todo esto se recorre (en mayor o menor medida) desde Amores Perros hasta Babel, y si bien cambia, como dijimos, el mecanismo narrativo, el “tono” parece mantenerse.

Belleza mexicana.
Biutiful: la nueva película del mexicano Alejandro González Iñárritu.
Tres éxitos de amplio reconocimiento carga en la mochila este director mexicano que a través de su ópera prima, la impactante Amores perros, ha sabido posicionar su cine en la palestra mundial a base de una inteligencia narrativa poco tradicional, y del sumo cuidado estético de sus tomas. Hoy presenta Biutiful, un trabajo diferente respecto de su concepción cinematográfica más representativa.
El español de rostro rústico, devenido galán, es quien parece embanderarse con esta película, quitando del protagónico al autor.

Ashton Kutcher segun Natalie Portman:
“Nos reímos todo el tiempo. Ashton es divertido, relajado y profesional. Fue un placer ver cómo improvisa durante el rodaje y trabajar con él”.

Natalie Portman, segun Ashton Kutcher:
“Natalie es una persona muy dulce y siempre está preparada y dispuesta para trabajar. Además tomó decisiones muy interesantes con su personaje. Fue una de las mejores socias que tuve”.

Natalie Portman y su experiencia en los Angeles.
“Me mudé a Los Ángeles casi al mismo tiempo que decidí trabajar en este proyecto. Así que estaba teniendo mi propia historia de amor con Los Ángeles durante el rodaje. Es un lugar increíble, es una ciudad con mucha diversidad. Hay barrios étnicos, tenes todas las culturas, hay una naturaleza increíble, arte y música. Así que fue muy divertido explorar ese lado de Los Ángeles en una película”

Amigos con derechos.
“No estoy a favor de la vulgaridad. Pero estoy a favor de que las mujeres sean tan expresivas como los hombres”, Natalie Portman.
Pero, como mencionamos antes, Natalie Portman no está sola. En esta historia la acompaña Ashton Kutcher que también dio sus motivos para querer ser parte del elenco: “Lo mejor de esta película es que no hay ningún tipo de pretensiones. Solo somos actores en escena interpretando personajes que intentan resolver sus diferencias. Es una película fresca y su guionista, Elizabeth Merino, ha eludido cualquier cliché o mecánica de las comedias románticas“. Kutcher interpreta a Adam, quien en su adolescencia intentó acercarse a Emma, pero no tuvo éxito y todo terminó en una amistad. Años después la situación cambió y, para sorpresa de ambos, terminan en la cama. Pero para no arruinar su amistad deciden tener una relación exclusivamente física: sin exigencias, ataduras, celos o feliz día de San Valentín. La historia fluye sin mayores problemas, porque ninguno está interesado en comprometerse. Mientras Emma dice ser alérgica a los compromisos, Adam no quiere saber nada con el amor porque viene de pasarla mal luego de enterarse de que su padre, una importante estrella de televisión, está saliendo con su ex novia. “Al principio de una relación las personas sienten a menudo la necesidad de definirla y, a veces, quieren ponerla en una caja. Pero el caso de Adam y Emma es que pasan de ser amigos a tener relaciones sexuales y no es fácil, porque algunos pueden sentir la necesidad de llegar con un regalo; una flor y ese tipo de cosas”, explica Kutcher. Mientras la película avanza empezarán a aparecer complicaciones entre Emma y Adam y habrá que ver si logran mantener su relación sin que el amor se interponga.

Natalie y Ashton.
Natalie Portman está enamorada, embarazada y a punto de casarse. Nada parecido ie ocurre a Emma Kurtzman, el personaje que interpreta en Amigos con derechos, la nueva comedia romántica que protagoniza junto a Ashton Kutcher.
Emma es una doctora sin tiempo para el amor y mucho menos para otras cosas que a veces vienen de la mano, como el matrimonio o los hijos. Ella proclama que es alérgica a las relaciones y tiene una cadena de historias de corta duración. “Emma es una doctora que no está tratando de encontrar una relación. Ella no quiere involucrarse, sobre todo porque le resulta difícil perder a la gente”, cuenta Natalie Portman. Y agrega: “Empecé a leer las líneas del guión en voz alta y eso fue una buena señal, porque siempre sabes que tenes que ser parte de una película cuando empezás a meterte en el personaje antes de terminar el guión”. Por otro lado, además de involucrarse en esta película como actriz, Portman también fue la productora ejecutiva. Tres años atrás fundó su propia compañía, Handsomecharlie Films, con su socia Annette Savitch, que trabajó en el filme como co-productora. “Nos sumamos a Amigos con derechos porque con nuestra productora queremos hacer el tipo de películas que nos gustaría ver y que sentimos que no están en la pantalla grande. Yo no estoy a favor de la vulgaridad. Pero estoy a favor de que las mujeres sean tan expresivas como los hombres. Me encanta el tipo de comedias de Judd Apatow, pero me gustaría ver a más mujeres logrando ser divertidas”.

¿Cómo fue la rutina de rodaje?
Empezábamos el lunes a las seis de la mañana, pero cada día duraba más y más, lo que hacía que arrancáramos más tarde al día siguiente, y para el viernes, empezábamos a las ocho de la mañana y seguíamos toda la noche. Y ido son las cuatro de la madrugada de un  sábado y traes puestas zapatillas de punta de bailarina, bueno, solo trataba de asegurarme de no romperme una pierna. Antes de cada escena tenía que hacer un calentamiento. Fue una locura, pero tenes que hacerlo. Así que tenía que hacer toda una rutina en la barra cada vez antes de filmar una escena para asegurarme de no desgarrarme ligamentos. Y en la madrugada eso es bastante difícil.

Tenes una licenciatura en psicología. Si Nina fuera tu paciente, ¿cuál sería el diagnóstico?
Definitivamente hay un desorden obsesivo, compulsivo, anorexia, bulimía, narcisismo, desorden de personalidad, probablemente es bipolar, (se ríe)…
¿Y ésto cómo se arregla? Años y años de terapia.

“Fue el papel, físicamente más demandante que he hecho. Empecé a entrenar un año antes de que empezáramos y tuve que seguir el entrenamiento hasta terminar la filmación. Fue una locura”
Y sobre la investigación ¿cómo descubriste lo que era el mundo del ballet?
Aprendí la mayor parte durante mi entrenamiento. Mí maestra, Mary Ann Bowers, estuvo en el Ballet de la Ciudad de Nueva York durante diez años, así que pasando varias horas al día con ella durante un año  pude escuchar muchas historias. A medida que nos acercábamos al comienzo de la filmación, pude pasar tiempo con otras bailarinas también y oír sus historias. También leí muchas biografías y autobiografías  de bailarinas que me ayudaron a realmente sumergirme en el mundo del ballet.

¿Hay similitudes entre la vida de una actriz y la vida de una bailarina?
Definitivamente hay similitudes pero también marcadas diferencias. Creo que la dedicación y la técnica que se requieren de una bailarina no se requieren de una actriz en lo absoluto. Es un arte donde el virtuosismo se caracteriza por trabajo duro y técnica extrema.

Hacer el thriller psicológico El cisne negro para el director Darren Aronofsky fue sencillamente el desafío más duro al que se ha enfrentado en su vida. Natalie Portman inter-oreta a Nina, una ambiciosa bailarina de ballet que vive en Nueva York y que está a punto de saltar a la fama en su carrera al ganar el mejor doble papel, al inocente cisne blanco y al sensual cisne negro, personajes de El lago de los cisnes. La actriz se sumergió en la preparación e investigación del papel, conociendo bailarinas, leyendo libros sobre ballet y entrenando muchísimo, que la llevó por un régimen agotador en un tiempo récord.
¿Qué tan demandante físicamente fue este papel?
Extremadamente. Fue el papel más físicamente demandante que he hecho. Comencé a entrenar un año antes de que empezáramos a filmar y tuve que seguir el entrenamiento hasta terminar la filmación, entonces tenía días de trabajo de quince, dieciséis horas. Entrenaba antes y después del rodaje. Fue muy extremo.

¿Ya habías bailado ballet antes?
Bailé ballet hasta los 13 así que tenía una base. Empecé a entrenar para El Cisne Negro cuando tenía 28 años, así que tenía quince años de no hacer nada y envejecer. A los 28 estás en la cima de una carrera de ballet, no es una edad para empezar.

No es motivo para desanimarse. La realidad indica que las buenas películas llegan en cuentagotas todo el mundo lo sabe, pero no existe satisfacción más grande que salir de una sala luego de un peliculón. Porque el cine incluso ayuda a potenciar el efecto que un autor quiere transmitir con su obra. Por algo, los líderes de la revolución rusa encontraron en el séptimo arte el medio más efectivo para transmitir su propaganda. Salas repletas y un mensaje que se desprendía por el contenido y por las técnicas de edición que buscaban unir conceptos a través de la yuxtaposición de distintas imágenes.
Piensen en el entorno que se crea en una sala. Asientos cómodos en los que el espectador se pierde, perfectamente dirigidos a la pantalla, escalonados para que no haya ninguna interferencia o ruido entre el emisor y receptor; oscuridad justa oara magnificar la luz proveniente de la pantalla. A veces pienso que en otra época el cine debe haber causado el mismo efecto que el experimento en Alex Delarge en La naranja mecánica; o que fue evidencia clave cuando desarrollaron la teoría de la aguja hipodérmica. Piensen en las veces que salieron de la sala y debieron tomarse unos segundos para “volverá la realidad”.
Por eso, no importa qué tan buena sea una película, nunca será la misma si la vemos en la pantalla grande o con un DVD falso en el living de casa. De ahí a que resulte común escuchar o expresar comentarios como “me gustó mucho más cuando la vi en el cine”, luego de volver a mirar una cinta y decepcionarnos con el resultado que arrojó un reproductor de DVD.
La piratería podrá ser el gran problema del cine, pero aquellos que la practican también se perjudican, y en un plano bastante más relevante que el económico.

El gran problema del cine es la piratería. Puede que haya crisis de guiones e historias para contar, que cada vez se estrenen más remakes y franquicias de hasta siete películas, que la tecnología de imagen y sonido esté ganando la pulseada al contenido. Pero el gran problema del cine es la piratería. Según la Motion Pictures Asociation (MPA), que representa a los principales estudios cinematográficos de Estados Unidos, el 30% de las películas que se ven en ese país son ilegales; en Argentina, el 68%. El organismo afirma que el daño económico a la industria es de miles de millones al año. Es cierto que casi nadie puede arrojar la primera piedra, pero quién no se molesta con los vivos que se jactan de su dvdteca pirata.
Pero no vale de mucho enojarse. Después de todo, es su pérdida. Sobre todo si piratean las películas de calidad. Porque es verdad, ir al cine y encontrarse con alguna comedia gastada, una de suspenso repleta de lugares conocidos o dramunes sentimentales llenos de golpes bajos, duele. Y no es por el precio de la entrada, que debe ser similar al que se paga por un DVD trucho, y si alguien argumenta que lo puede ver más de una vez, miente, porque ya entraría en la categoría de masoquista, ¿quién compra una película pirata y la ve más de una vez! Encima, el mismo estudio de la MPA sostiene que el 58% de los consumidores pirata son de niveles socioeconómicos ABC1.

Elegancia y glamourpresentes en los Oscar británicos.
Los Bafta Awards, también conocidos como los Osear británicos, se suman a la más glamo-rosa Red Carpet del 2011. La Academia Británica para las Artes del Cine y la Televisión (Barta), premió a los mejores filmes, donde una vez más la gran triunfadora de la noche fue El discurso del rey. Y la alfombra roja trajo mucho color y muchas caras conocidas. Emma Watson lució un vestido aira costura de Valentino, con un sólo hombro y un volado en el escote. Por otro lado Jessica Alba llegó de azul eléctrico con un vestido ajustado de corte imperio, de la firma Versace Atelier, con un collar a juego. Eva Greense se vistió de Tom Ford, con un vestido negro con sutiles transparencias. Y Amy Adams se mostró con un Elie Saab en tonos coral. Con su gusto peculiar -y posando con los chicos de Red social- apareció Tilda Swinton con un traje chaqueta-pantalón de Haider Ackermman.Y mucho mejor de lo habitual lució Helena Bonham Cárter, con un vestido negro de Vivienne Westwood.

Hay nuevo Superman.
Los estudios Warner Bros presentaron finalmente al actor que encarnará al nuevo Superman en el esperado filme que prepara Zack Snyder (300, Watchmen). El elegido es el británico Henry Cavill, una estrella relativamente desconocida, coprotagonista de la serie The Tudors. Según el director, Cavill es “la elección perfecta para portar la capa y el escudo con la ‘S’”. El filme se estrenará recién a finales de 2012. Recientemente Cavill finalizó el rodaje de The Cold Light of Day junto a Bruce Willis y Sigourney Weaver y en los próximos meses se lo podrá ver en Immortals con Mickey Rourke y John Hurt.

Shia LaBeouf fue detenido.
El protagonista de Transformers fue detenido el pasado mes por la Policía de Los Angeles. En esta ocasión se enfrentó a unos fans que le habían pedido tomarse una foto con él y, al no obtenerla, empezaron a insultarlo, lo que dio lugar a una pelea. Según uno de los chicos, “quería una foto con él así que fui a su mesa, me senté a su lado y le dije que era fan suyo. Lo llamé Sr. LaBeouf”, declaró Mark Mastro a Radar Online. “Dijo que sólo quería estar solo y rechazó tomarse la foto. Me alejé”. Tras la interrupción, la noche continuó tranquilamente hasta que el actor se dispuso a abandonar el restaurante. Afuera, Mastro y otro amigo decidieron acercarse de nuevo para hablar con el actor, lo que enojó a LaBeouf. Ante la negativa intercambiaron varios insultos que terminaron con la detención de LaBeouf.

Bardem: ¿villano de 007?
El actor español podría ser el próximo villano al que se enfrente James Bond, según informa Deadline. La publicación aseguró que Bardem recibió una oferta para realizar uno de los papeles protagónicos en la saga en la que Daniel Craig interpreta al agente 007. Aunque los detalles sobre el personaje no trascendieron, Deadline recuerda que en las sagas de Bond el mayor papel protagonista es, junto con el del propio detective, el del villano. Recordemos que el año pasado el actor rechazó otra oportunidad de interpretar a un malo de película, en el filme de Oliver Stone Wall Street: el dinero nunca duerme.

Las 10 mujeres más sexies del mundo.
La revista AskMen encuesto a casi 5 millones de personas. La ganadora fue Blake Lively, la protagonista de Gossip Girl. El año pasado estaba en el lugar número 85 pero en el 2011 escaló como pocas hasta el primer podio. En el segundo puesto aparece la ucraniana Mila Kunis. Este año llegó al cine gracias a El cisne negro. En el tercer lugar aparece una latina. Se trata de Sofía Vergara, de 38 años, protagonista, de Modern Family, la serie que arrasa en Estados Unidos.

El pasado mes se llevó a cabo la entrega de premios del cine español, que tuvo entre sus protagonistas al uruguayo Jorge Drexler, que se quedó con el galardón a mejor canción original por el tema Que el soneto nos tome por sorpresa de la película Lope. Al igual que cuando ganó el Osear por la canción que compuso para Diarios de motocicleta, al momento de recibir el premio no hubo dedicatorias, Drexler volvió a aprovechar la ocasión para cantar. Por otro lado, en la categoría mejor película hispanoamericana el premio fue para la película chilena La vida de los peces, que superó a la peruana Contracorriente, la argentina El hombre de al lado y la mexicana El infierno.

Para festejar hemos preparado una edición súper especial de estrenos-de-cine.net con un suplemento completamente dedicado a lo que fue la entrega de los ÓSCAR el domingo 27 de Febrero. En el sitio podrás encontrar toda la información déla premiación más importante de la industria del cine, los preparativos, la ceremonia, los ganadores, y muchísimo más.
Natalie Portman ocupa la portada de nuestra revista. La actriz que ya contaba con un impresionante carrera volvió a estar en boca de todo el mundo luego de su interpretación en El Cisne Negro por la cual obtuvo importantes premios en los últimos meses. Vas a poder leer una entrevista a esta increíble actriz en donde también nos adelanta información sobre su nueva película Amigos con derechos. Hacemos un repaso por la carrera de una de las bandas más importantes de toda la historia, U2. Luego de muchos años vuelven a Argentina y prometen un show sin precedentes. Buena oportunidad para ir a ver a una leyenda que está más vigente que nunca. Además vas a poder encontrar noticias de muchas películas que se estrenan en este mes e información de la película uruguaya La Casa Muda, que antes de estrenarse en su país de origen ya cuenta con un remake en Hollywood. De parte de todo el equipo de estrenos-de-cine.net te agradecemos por acompañarnos estos años y te invitamos a seguir compartiendo con nosotros todo lo que pasa en el mundo del entretenimiento por mucho tiempo más.

Crecí acostumbrado a espiar mil historias en una sala de cine o en la comodidad de mi hogar, a decodificar pensamientos transmitidos en el celuloide a través de mi propia historia, a criticar cada película en base a la construcción emotiva que yo hacía en cada caso, sintiéndome capaz de ser juez o verdugo de grandes directores y de grandes obras.
Luego me enamoré de mi mujer, y dentro de las muchas cosas que me deslumhraron de ella, encontré nuestra capacidad de disfrutar juntos del cine. Compartimos silencios frente a una pantalla, debatimos por horas terminada una película, nos reímos hasta las lágrimas, nos emocionamos con historias que llegaban muy dentro nuestro, o incluso aburriéndonos por otras tantas luchando para que el sueño no nos venza, porque así es el cine, una de cal y una de arena. Pero hoy lo vivo distinto, más simple pero con potencia amplificada, más sentido. Me llega a través de los ojos de mis hijas Briana y Ámbar de 5 y 3 años de edad respectivamente. Disfrutar de su experiencia frente a una pantalla me conmueve. Aquellos lectores con hijos, sabrán a que me refiero. Su atención centrada en una película, riendo a carcajadas o dialogando sin respuesta con los personajes, protagonistas de las historias que ven, contando sus versiones de las mismas y con una inagotable capacidad de verlas una y otra vez sin siquiera cansarse. Ellas ven películas en 3D como si esto fuera lo más normal del mundo, mientras que nosotros todavía no podemos cerrar la boca por el efecto que provoca esta nueva experiencia. Me encuentro reencontrándome con los mismos personajes que disfruté en mi infancia y conociendo muchos más. La magia del cine. Siempre recorro los kioscos de revistas buscando algo nuevo, con la esperanza de encontrar alguna nueva revista. He pasado por muchas de todas las partes del mundo. Y en este camino me topé por azar con ustedes, una revista que desde que llegó a nuestras tierras me cautivó por su calidad gráfica y contenido. Mes a mes recorro los kioscos de revista con una simple pregunta: “¿tienen el nuevo número de Cinemag?”, algunos no la conocen aún, esperemos que esto cambie rápidamente por la fuerza e insistencia de más lectores que como yo la esperamos ansiosamente.

Espero ansiosamente la entrega de los premios de la Academia, como hace ya cuatro años seguidos que los vengo siguiendo, desde aquella vez en la que Los infiltrados, de Martin Scorsese, arrasó con las estatuillas. El año siguiente recuerdo que la ceremonia había sido muy aburrida, a mi parecer, esa fue la vez que los hermanos Cohén ganaron por su Sin lugar para los débiles y ahora vuelven a estar nominados por Temple de acero. Después vino la entrega de los premios en el año 2009, que para mí fue la mejor, con la divertidísima presentación del actor Hugh Jackman, y aparte recuerdo que fue la que esperé ansiosamente cuando escuché que el fallecido Heath Ledger iba a estar nominado por su monumental papel del guasón. Desde esa vez la entrega de premios la empecé a ver no como un simple espectador sino como hincha, porque estaba deseando que Batman: El caballero de la noche, de Christopher Nolan, pegara fuerte en los Osear. Esta increíble película se llevó dos premios de los ocho a los que aspiraba, incluyendo mejor actor de reparto… me puse muy contento con este premio, para mí fue el más merecido de esa noche, el guasón de Heath Ledger se había convertido en uno de mis ídolos desde que vi aquella película de Batman con mis amigos en el cine. En fin el dueño de esa noche fue Quien quiere ser millonario. En la última entrega, hinchó por la maravillosa Bastardos sin gloria que también ganó dos de los ocho Osear que estaba nominada, incluyendo actor de reparto Christoph Waltz por su gran actuación del maldito coronel nazi Hans Landa. Esa noche ganó Vivir al límite que a mi parecer no fue una muy buena película. Ahora se viene una nueva entrega de los premios de la academia y nuevamente los veré como hincha, mi favorita es El Origen de Christopher Nolan que al igual que Bastardos sin gloria y El caballero de la noche tiene ocho nominaciones, lo único que falta es que se lleve dos.

¿Y qué podríamos decir del director Tom Hooper? La verdad es que no mucho, pero que sin lugar a dudas su papel se vuelve también bastante peculiar, lo que lo hace ser un ingrediente más en esta receta hacia los Osear (ver recuadro La clave del éxito). El hombre no tiene una filmografía grande, esta es su segunda gran película, pero ciertos detalles en la composición de la película hablan de una sensibilidad que no se ata a los cánones de lo común en el cine. Los contrapuntos de planos en los diálogos entre el Firth y Rush, nunca perfectamente centrados, y ciertas decisiones estéticas en la ubicación de las cámaras (que príorizan al actor) hablan, si no de un gran director, de alguien sí con cierta iniciativa y singularidad (rareza para la Academia). SI una película con 12 nominaciones no resulta ser la gran ganadora de la noche, va a ser una gala para el recuerdo. Ma pasado en otras ocasiones, pero la estadística general suele señalar que en casos como éstos, tos discursos de agradecimiento ya se tienen ensayados de antemano.

De la retórica, jaq.
La política y la retórica han tenido, desde la Antigua Grecia y a lo largo de toda la historia de occidente, un lazo que ha oscilado entre la tensión y la estrechez, porque ambas conforman artes que -en mayor o menor medida inextrincablemen-te refieren a la persuasión. No en vano en un pasaje de la película aparece un discurso de Hitler que por ser en alemán, carece de sentido para la familia real que en ese momento ¡o presenciaba gracias a un proyector, pero que sin embargo contiene una fuerza persuasiva desde lo perlocutivo que ya había merecido por esos años la reflexión cómica del propio Chaplin. Y no es menor que el rey Jorge VI, con problemas de tartamudez, anhele poder ser como Hitler: firme, seguro, implacable, sin importar que barbaridades eslé diciendo. En tiempos donde el vacio de sentido en los discursos políticos ya no sorprende a nadie (basta ver la delegación parlamentaria de Uruguay en su visita a Irán vestioos como payasos ante un gobierno que encerró al cineasta Jafar Panahi por el simple hecho de hacer películas}, esta oda 3 la superación personal desde el culto a lo meramente istrónico es, por lo menos, algo que merece la reflexión. La política so ha tranformado en eso lo sabemos todos (con resignación). No quiero cerrar sin decir que me gustaba mucho mas un rey tartamudo.

Con una historia sencilla y bien contada, la única película que parece poder pelear en la recta final con Red social, en la entrega de premios más esperada del cine, es El discurso del Rey. En este pequeño informe te contamos de qué va la película, algunas claves para su éxito y si vale la pena o no ir a verla. Todo sin tartamudear.
Ambientada en los albores de la Segunda Guerra Mundial, la película que dirige el inglés Tom Hooper se centra en ef advenimiento del rey Jorge VI a la corona de Inglaterra. Todo et periplo que vive este ser humano desde la muerte de su padre, la asunción y posterior abdicación al trono de su hermano Eduardo !ll, y su final destino de ser rey, cargando con ei peso de una seria disfunción en el habla: ser tartamudo.
Esta película, que basa sus hechos en la realidad, cuenta con interesantes aportes que son las que la convierten en ta gran candidata que hoy es. Por un lado, un gran elenco: esta película confirma lo que Un hombre soltero (Tom Ford, 2009) ya había dejado más que en claro, que otorgarle papeles secundarios en comedias romanticonas a Colin Firth es un verdadero desperdicio. La actuación de este actor es, sin lugar a dudas, la que más se perfila hacia la estatuilla dorada porque sería la primera vez que lo ganase, porque estamos hablando de una muy imponente actuación (el tartamudo de Firth saca realmente de quicio), y porque saldaría en parte algo de la injusticia que sufrió con Un hombre soltero. También es sublime la actuación de reparto de Geoffrey Rush (interpretando al doctor que ayuda al rey con su habla), quien a base de gestuatidad y sobre un guión “típicamente” inglés, logra hacer reír sin la necesidad de grandes istrionismos.

Bombas y publicidad.
Los famosos encontraron en esta plataforma, la herramienta ideal para comunicarse con sus fans y para realizar “comunicados de prensa” sin costo alguno. Y en esta categoría entra de todo: desde anuncio de conciertos y giras por distintos países, publicación de libros, discos o películas, lanzamiento de producios y asuntos muy personales. Sin ir muy lejos, el actor Jim Carrey y su ex esposa Jenny McCarthy publicaron en Twitter que su relación se había terminado, similar a lo que hizo Eva Longoria (Amas de casa desesperadas) cuando anunció sus problemas maritales con el basquetbolista Tony Parker, debido a infidelidades de este. En el otro extremo, en el Senado y Cámara de Diputados ya es común que los legisladores tweeteen las resoluciones más importantes de la jornada en simultáneo. En Twitter, el cine ha encontrado una forma ideal de hacer publicidad: los estudios lanzan comunicados, pero también los directores, actores y todos los involucrados en los distintos proyectos.
La película El origen {Inception, 2010) fue la más comentada en Twitter y el tercer tema más popular del año en esta red social. La generación de expectativa por parte de Warner fue grandiosa y El origen se convirtió en la cinta más esperada del año, aunque hay críticos que opinan que esta campaña fue excesiva pues generó expectativas que el producto no pudo colmar. Por su parte, Harry Pottery las reliquias de la muerte, Parte 1, fue la segunda película más comentada y noveno tema en el rank-ing del 2010.

Twitter cuenta con más de 106 millones de usuarios y tiene un valor estimado de USS 3.700 millones

Usuarios:
Facebook:500 millones
Twitter:106 millones
Valor:
Facebook:41.200 millones
Twitter:3.700 millones
Edad promedio de usuarios:
Facebook:18 a 25 años
Twitter:26 a 34 años
Lanzamiento:
Facebook: Febrero 2004
Twitter: Octubre 2006
Creador:
Facebook:Mark Zuckerberg
Twitter: Jack Dorsey
¿Qué tengo?:
Facebook:Amigos
Twitter:Seguidores

El actor Jim Carrey anunció su separación por este medio.
Además, se puede poner texto, finks a sitios web o imágenes.
Cada usuario puede “seguir” las cuentas que quiera, amigos, conocidos, grupos de interés (revistas de cine, música, tendencias, moda, etcétera) y recibirá publicaciones a toda hora. Claro que el uso más popular es el de seguir a los artistas preferidos de cada uno para ver en qué andan.
Los Twitterati.
“Twitterati” es el término creado para definir aquellos usuarios de Twitter que tienen miles, cientos de miles y millones de seguidores. Los nuevos líderes de opinión en el mundo; de ahí a que una importante revista argentina haya nombrado a Twitter como “persona del año”.
Los comunicadores están encantados con esta maravilla. ¿Cuántas veces escuchamos a los periodistas citar los “tweeteos” de Forlán o algún político o artista? Pero mientras que Diego Forlán tiene 804.524 seguidores, hay otros “twitterati” de mayor calibre… La artista con más seguidores en Twitter es Lady Gaga con 7.498.545, cuyo último tweet, publicado hace 20 horas fue en relación al éxito de su álbum: The Fame Monster was named the best-seíling álbum of2010! I’m so
excited for the future, believe + work hard, you witl achieve your dreams”.
Los siguientes cuatro en el podio difieren un poco en el orden, pero nadie cuestiona que están en la cúspide:
Aahton Kutcher. 6.140.533. actor de Hollywood.
Barack Obama. 6.170.868, presidente de Estados Unidos.
Britney Spears. 6.458.505, cantante Justrn Bieber. 6.422.052, cantante, fenómeno teen en el mundo Shakira. 3.786.893, primer latino en el podio.

Todo bien, ¿pero cómo funciona?
Para recibir los “tweets” que alguien publica, un usuario debe tener una cuenta de twitter, encontrar al usuario que desea seguir y hacer click en el botón “seguir” (follow). Existen las cuentas que dejan que la gente los “siga” o lea sin más, y aquellos que exigen pedir permiso. Esta es la gran diferencia con Facebook {FB): en FB, la relación entre usuarios es bidireccional, para ser “amigo” de alguien, esa persona debe aceptarte. En Twitter no. Entonces, con frecuencia los usuarios pueden “espiar” lo que otros tweetean. Para ser gráfico, el Twitter es como un muro de Facebook donde uno tiene todos los mensajes que escribe y todos aquellos publicados por los usuarios que “sigue”. Por ejemplo, en este momento acabo de publicar quéestoy escribiendo un artículo sobre Twitter en Cinemag y busco sugerencias. Veremos si alguien responde…

¿Y qué hago con un twitter?
La respuesta: lo que quieras. Se dice que Twitter tiene tantos usos como usuarios. Las personas la utilizan como confesionario, como alguien que acaba de escribir “me vacunó una palmera”, un tweet muy provocativo, que luego de la pregunta de un curioso, el primero explica “me di contra una palmera y me enterré tremenda espina en la nalga! Jajá”. De acuerdo a un estudio que realizó Pear Analyiics, los contenidos más habituales en esta red social, en orden descendente, son las noticias, correo basura, autopromoción, palabras sin sentido, lo controversial, y mensajes repetidos (retwittear lo que otro usuario publica).
Sin embargo, la idea consiste en narrar lo que uno está haciendo minuto a minuto, y se puede hacer gracias a la nueva generación de teléfonos celulares, lo que extiende el uso de Twitter fuera del horario de oficina.

Twittermania.
Una nueva red social en puja, ¿dejaremos a nuestros “amigos por nuestros seguidores”?
Facebook no tiembla. De hecho, en algunos países se convirtió en el sitio más visitado por tos internautas. incluso por encima de google. Sin embargo, hay oirá red social en la puja. Una que crece a paso sostenido, conquista a un público mayor y en la que los artistas encontraron una mejor manera de relacionarse con sus fanáticos: Twitter. Jack Dorsey es el creador de este neonato de la web 2.0, que lanzó la aplicación en marzo de 2006 con el nombre de twttr, en relación a la otra red social, Flickr, aunque luego sería modificado. “Tweet” hace referencia a la onomatopeya del ruido que emiten los pájaros (según los yankees, por estos lados sería “pió”). De ahí que esta red social se llame así y que su ¡so-tipo sea un pajarito. Se trata de un servicio de microblogging o nanoblogging, que permite a los usuarios enviar y recibir mensajes cortos (un máximo de 140 caracteres). Hoy cuenta con más de 106 millones de usuarios y tiene un valor estimado de US$3.700 millones.
A pesar de esto, por estos lados sigue siendo algo bastante nuevo.

Gwyneth Paltrow vuelve al canto.
Country Strong.
En julio llega un drama contando la vida de dos artistas musicales. Por un lado, Beau Hutton. un cantautor de música country (Garrett Dedlung. Troya) con mucho talentoy ascenso, que conoce a Kelly Canter tGwyneth Paltrow) una estrella olvidada buscando su regreso a la cima de los rankings. La música y sus intereses ayuda a generar la química pero será su principal problema, ya que en el medio está el marido/manager de Kelly y una reina de la belleza que quiere probar suerte con el canto (Lejghion Ueester. Gossip Girl).
Estreno julio 2011

Las pericias del amor.
Blue Vatentine.
Ryan Gosting y Michelle Williams protagonizan un drama romántico sobre el amor, las relaciones y los desencuentros, que les podría valer nominaciones al Osear. Dean (Gosling, Diarios de una pasión) y Cindy (Williams, Regreso a Cold Mountain) son un matrimonio que atraviesa uno de sus peores momentos. Llegado el punto de desesperación, deciden tomarse una noche solo para ellos en la que irán recordando momentos del pasado, cuando el romance estaba a flor de piel, aunque esto solo pueda contribuir a aumentar el dolor que sienten en el presente. Estreno: mayo 2011.

Cuando terminaste Mal día para pescar dijiste que ya tenías otro proyecto en mente. ¿Ya estás trabajando en eso?
Estoy trabajando en eso desde antes de terminar Mal día para pescar. Por ahora el proyecto está en desarrollo y buscando financiación.

¿Cómo ves al cine nacional?
Creo que hay que verlo en perspectiva. Dónde estaba hace diez años y dónde está ahora. Hoy se estrenan de cinco a diez películas uruguayas de ficción y documentales en la cartelera local. Muchas viajan a festivales de primer nivel y son estrenadas comercíalmente en América y Europa. Es un hecho novedoso y a destacar el rápido ascenso y las cuotas de calidad alcanzadas en tan poco tiempo y con escasísimos recursos. Hoy los nuevos desafios y objetivos pasan por la consolidación y madurez creativa, por el acercamiento de un público local que se ha ido distanciando, pero sobre todo por generar una plataforma mayor del sector que permita la financiación de producciones sólidas y constantes.

De las películas que viste en el 2010 ¿cuáles fueron las que más te gustaron?
Mad Men sigue siendo lo que más me interesó del 2010, a pesar de ser televisión. En cine, Toy Story 3, Un tipo serio, Un profeta. La cinta blanca, Anvll! The story of Anvil, Red social, Vivir al límite {The Hurt Locker).

Alvaro Brechner.
El director de Mal día para pescar repasa la experiencia vivida con su ópera prima, habla sobre los desafios del cine nacional y, en et mes del Osear, cuenta cuáles fueron las películas del 2010 que más le gustaron.
Los nuevos desafíos del cine nacional pasan por la consolidación y madurez creativa, pero sobre todo por generar una plataforma que permita la financiación de producciones sólidas y constantes.
Siempre quise hacer cine, pero en ese entonces parecía imposible soñar con hacerlo en Uruguay. Cuando quise darme cuenta, estaba estudiando en la facultad de arquitectura. Pero me aburría mucho y sólo quería hacer algo relacionado con lo cinematográfico. Entonces me enteré que había una carrera que se llamaba Ciencias de la Comunicación, y que tenia un apartado de narración audiovisual. Decidí probarlo.
Ahora que pasó bastante tiempo del estreno de tu ópera prima, Mal día para pescar, que recorrió varios festivales con muy buenos resultados y fue elegida para representar a Uruguay en la pasada edición de los Osear. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Esperabas todos esos reconocimientos?
Yo inlento hacer las cosas que me dan placer, sin estar tanto pendiente de las reacciones de afuera. La satisfacción proviene úe hacer lo que uno quiere y descubrir con el tiempo, después de haberlo hecho, por qué uno quería hacerlo. Ahora, por supuesto, una vez hecha la película, los premios y selecciones en festivales ayudan a dar a conocería, y es un grato placer y enorme privilegio poder recorrer países mostrando tu trabajo a audiencias de distintas culturas y continentes. Fue una experiencia fascinante ver las diferentes reacciones ante la misma película. Con pocos días de diferencia presencié cómo reaccionaban de forma diferente ante el drama y el humor, el público coreano, escandinavo y cubano.

Unos homeless que cercan a la iglesia para que nadie se vaya y el diablo que empieza a amainar. El diablo que no es mas que un liquido verde encerrado en un frasco gigante el cual se abre solo desde adentro y una biblia escrita sobre lo ya escrito y un profesor de física que se junta con el cuia para darse cuenta ele que el bien y el mal a un nrvel subatómico, son los mismo. Por ende. Dios no evisfe asi como el diablo tampoco, son lo mismo. Esta película de forrar por demás atea, plagada de zombis convertidos a partir de tragar ese liquido verde, es de !n ultimo bueno Que tu ó el género anlos de que vinieran los noventas y su horror porno explícito lleno de torturas sofisticadas y violaciones v venganza”, en tiempo real Pnncipo… giacias a dios tiene algo do lo que muchas películas de genera hoy carecen imaginación Y mete miedo mas que dar impresión o convertir)ios cómplices morbosos de lo que vemos. Y lo mas maravilloso es que el mal, como contrapartida amistosa del bien, se esconde dentro de los espejas. Asi que gane, quien gane todos pierden.

El Príncipe de las Tinieblas.
Hace rato que las películas de terror dejaran de ser lo oue eran: la con-Uacara de un establishment insoportable m en le moralista y dtí finales felices metidos de prepo. También fueron, hasta finales de los ochenta, el meior lugar para los cineastas independientes dentro de Hollywood. Además de una prueba de fuego para hacer cine en estado puro, ese que combina las bases mismas del lenguaie audiovisual. Hoy el cine de terror iDza la porquería, una suerte de torturas con una estructura de cine ponió donde el espectador combina pochocios con destripes V ausencia de guión y no hablar de una ideología retrograda. No es el caso de Carpenter. Prínce oí darkness toma la mejor herramienta que supo tener el cine de terror: el surrealismo. La piemisa es fácil y vanguardista (porque hoy dai le caño a la iglesia parece un gran negocio para Hollywood aunque más rio sea porarnbita). una secta dentro de la iglesia ortodoxa ha descubierto ai diablo encerrado y lo ha ocultado en una iglesia de mala muerte en un barrio en las afueras de alguna ciudad de Estados Unidos El cura que guarda la llave de este secreto muere y aparece el gran Donald Pleasence para acudir a un profesor de física cuántica y pedirle ayuda para ver que demonios hacen con el demonio Asi que el profesor de física cuántica (el actor que hace del entrenador del Kgrflte Kid) ¡unta a unos alumnos y se instalan ahi donde parece que se esta gestando el fin del mundo a manos del diablo. Cosa que se les complica. Porque el diablo no es tal y porque dios no existe y porque Jesucristo era un marciano que cayó a la tiena Si. eso. Y a partir de ahí la película se transforma en algo mas que genial con unas ‘ricwsiones en e1 su Tialismo que dejan un melancólico recueido a Buñuol Y un trabajo con el fuera de campo y la ausencia de gore y un montón de insectos.

En ningún momento me puse a pensar que esa sociedad tenía su gobierno -bueno o malo-, que había una autoridad pública, y que todo el mundo vivía bajo esas normas sin grandes cuestionamientos. El punto es, ¿por qué el terrorismo nos resulta simpático cuando lo vemos desde la perspectiva del terrorista? ¿Cómo reaccionaríamos si la misma película se hiciera desde la óptica del Canciller? Esto nos lleva a cuestionarnos cómo tomaríamos una película sobre los tupamaros… ¿Serían héroes?, ¿terroristas?, ¿mártires?
No debemos olvidar que todos los “libertadores” de América fueron, a los ojos de la autoridad del momento, personajes subversivos. La historia, esos documentos que escriben los ganadores, relata sus acciones como hazañas heroicas. Pero en realidad se levantaron en armas en contra del gobierno establecido. Por supuesto que todo es mucho más complicado y vale la pena un análisis profundo. Pera deíando de lado todos los aspectos serios de la discusión, y cualquier tipo de conclusión, creo que todos coincidimos en la facilidad y destreza con la que el cine construye héroes y demonios, ya sea en 5, 15 o 120 minutos.

El otro día tuve una conversación sobre el cine y las películas con protagonistas “subversivos”. Si bien en la discusión salieron nombres de filmes de todo tipo (desde Robín Hood, pasando por Corazón Valiente, hasta 10.000 A.C.), el tópico se centró en la cinta de los hermanos Wachowski, V de Vendetta (James McTeigue, 2006). Protagonizada por Natalie Portman, Hugo Weaving y Stephen Fry, la historia tiene lugar en un Londres futurista, con un gobierno de tintes totalitarios, donde un vigilante busca venganza por hechos del pasado y se propone explotar el Parlamento. Debo confesar que cuando vi esta película por primera vez lo hice por puro entretenimiento, y opté por el bando del “bueno” en seguida, y siempre quise que apuñalara al canciller y que volara la casa de gobierno   en mil pedazos. Pero en realidad, dejé pasar  algo muy importante por alto: ese tipo es tremendo terrorista.
Más allá del reparto, la trama y los efectos especiales, la magia de la película consiste en contar los acontecimientos de tal manera que nosotros -los espectadores- nunca ponemos en tela de juicio los actos de V (el protagonista). Para nosotros, que sabemos poco y nada del contexto socio-político que rodea la trama, este señor enmascarado es un héroe (el bueno) y todos aquellos que caen por el filo de su cuchillo son los villanos (los malos) y merecen la peor de las muertes.

No te metas con mis hijos.
Julia Roberts se trenzó con un paparazzi, luego de que este quiso fotografiar a sus hijos mientras la familia daba un paseo. La actriz demostró tener un carácter fuerte al darse cuenta de que un fotógrafo la estaba siguiendo para obtener algunas imágenes; por eso, la actriz enfrentó al profesional de manera violenta. Roberts estaba paseando con su esposo Danny Moder y sus tres hijos cuando, de repente, descubrió que un paparazzi estaba intentando captar un momento familiar. “Julia estaba furiosa”, dijo un testigo.
El portal Radar Online publicó una foto entre Roberts y el paparazzi, en la que se observa cómo la actriz se acerca al joven con una expresión desafiante, “Me estás acosando. Salí de mi vista. Me has estado siguiendo por toda la ciudad”, le dijo Julia durante la discusión.

Madonna abriría una discoteca en Londres.
Madonna está encantada con su nueva faceta de empresaría, ya que después de haber inaugurado hace poco su gimnasio Hard Candy Fitness en México ya se encuentra estudiando la posiblidad de abrn una discoteca en Londres. La cantante cuenta con la colaboración del empresario Tony Fernandez propietaiiD de los ciubes Aura Mayfaír, para ser su socio en caso de que se lleve acabo el proyecto. “Madonna tiene planes ambiciosos”, afirmó otro de los socios al diario The Daily Telegraph.

Emma, millonana.
Emma Watson declaró que a lo largo de 10 años con su personaje de Hermione en la saga de Harry Poter cuenta con una buena cantidad de dinero, pero no encuentra la manera de gastarlo. “Tengo tanto dinero que no sé qué hacer con él. Me compré una computadora y un auto, es por lo que más he pagado, asi que el tiempo me sobrará”, dijo la actriz a un portal de internet. Watson fue seleccionada para interpretar a Hermione Granger a los 10 anos, pero ha pasado su vida estudiando y filmando las películas de esa saga, sin estar consciente de la fortuna que tiene en el banco, que asciende a más de US$ 15 millones.

Eva Longoria y un fraude millonario.
Eva Longoria fue denunciada por uno de sus socios del restaurante Beso del que es copropietaria por un presunto fraude millonario. Malí Nachum demandó a la protagonista de Desperate Housewives, por US$ 4 millones, alegando que Longoria habría empleado un esquema ilegal para incrementar sus beneficios derivados del negocio, situado en Los Ángeles. Según la denuncia, la actriz prestó US$ 1 millón con un eievadlsimo tipo de interés a la empresa a cargo del restaurante, lo que en un plazo de dos años generó que la deuda que tenía ei restaurante con Longoria se elevara a USS 4,6 millones. La cantidad que pide Nachum es por daños y perjuicios, ya que Eva habría realizado supuestas prácticas contrarias a la leyes californianas.

Jorge Drexler nominado a los Goya.
En la entrega de los premios Goya el uruguayo competirá en la categoría Mejor canción original por el tema Que el soneto nos tome por sorpresa, compuesto para la pelicula española Lope. El cantautor que ya se llevó un Osear por Al otro lado del río, tema que escribió para Diarios de Motocicletas competirá con In the lap of the mountain de Víctor Reyes para la película Enterrado. Loving slrangers de Russían Red para Habitación en Roma y No se puede vivir con un franco de Emilio Aragón para Pájaros de papel. Los premios Goya se entregarán el próximo 13 de febrero en el Teatro Real de Madrid.

Ryan y Sandra son sólo amigos.
El representante de Sandra Bullock ha encargado de desmentir los comentarios que afirmaban que entre la actriz y Ryan Reynolds existía algo más que una amistad. Ambos compartieron protagonismo en la comedia La propuesta y los dos se han separado recientemente de sus parejas. Sin embargo, no son más que dos buenos amigos. El desmentido viene a cuenta de los rumores que aseguraban que la actriz había disfrutado de salidas nocturnas con el actor, después de la ruptura de este con Scarlett. La publicación Star Magazine insinuaba que Reynolds se había acercado a Bullock en este mal momento. Una fuente hablaba de citas nocturnas, llamadas telefónicas, escapadas secretas.

Maggie Q es la nueva protagonista de Nikita remake de la famosa sene de televisión que anule Warner Channel. La actriz de 30 anos, nacio en Hawai y es hija de un estadounidense y Lina vietnamita que se conocieron mientras el era soldado en Vietnasn Su verdadero nombre es Margaret Denise Quigley pero decidió adoptar el seudónimo que utiliza hasta hoy después que luí diario de Hong Kong la bautizara como Maggi Q porque ni parecen a los asiaticos le? cosíala pronunciar Quiulev A lo largo de su carrera. Maggi q apareció en vanas pekculas -entre las que se destacan Duro de matar 4 New Yoik I Lene Voli y la Iproera entrega de Mision imposible. Para obtener estos trabajos fue fundamenta! Jackie Chan. actor que la conoció en Hong Konq cuando ella era una modelo sin imu. ho éxito le enseno artes marciales para convertida en una cbica oe acción Por otro lado e¡ entienamiento también la preparo para hacei escenas arriesgadas La acti iz dice no querer dobles, a pesar de haber peidido audición en uno de tos oídos luego de que se le reventara un tímpano durante una explosión en una escena de riesgo el año proximo la veíamos la película . apocalíptica Pnest. ¡unto a Paul Bottany.

Además de las relaciones peligrosas, las traiciones, el chisme y el misterio de la identidad de quien conoce oscuros pasados y presentes de los personajes, Gossip Girl y Pretty Little Liars comparten una característica que parece ser el verdadero secreto del éxito: las adolescentes sexuadas. Estas mujercitas que no tienen pudor en mostrar y utilizar sus encantos femeninos a la hora de conquistar, conspirar o lograr objetivos son Lolitas que harían ruborizar a Nabokov. En esta línea, se unen al grupo las protagonistas de la remake de Beverly Hills, 90210, que esta vez sí son adolescentes. (En la primera versión era un elenco pasado de horno que hacía de teens, como más recientemente ocurrió con The O.C.) Con glamour o sin él, con mayor o menor dosis de “realismo”, las muchachitas exhiben sus dotes y se entregan con pasión o sin ella al sexo en todas sus versiones: heterosexual, homosexual, grupal, infiel, con hombres mayores. A pesar de que lo mismo hacen sus colegas masculinos y a pesar de que soy mujer, resulta que lo de ellas es más impresionante de ver. Tal vez por eso la “voz cantante” (en varias en off también, como narrador omnisciente) de estas series la llevan las mujercitas. La televisión estadounidense vuelve a ponerle su sello a un formato, uno que se le escapaba. De las soap operas que duraban 15 años, de Dallas y Dinastía, llegan hoy a decirnos a los latinoamericanos que la telenovela es de ellos también. Los que escuchan detrás de las puertas, las miradas a la lontananza, los amores que se pierden y se recuperan ad infinitum y ad nauseam, ahora tienen una versión de detergente “inteligente”, la soap opera 2.0, elaborada por los “dueños” de la televisión, le pese a quien le pese. Existe un denominador común que linkea y lleva la línea argumental de este tipo de productos masterizado en las últimas dos décadas. Es un hombre y se llama Darren Starr. Él, productor y escritor televisivo, creó las primeras versiones de Beverly Hills y Melrose Place, las abandonó a tiempo y se despachó con Sex and The City. Después, es sólo un juego de unir puntos y formar la figura: de Sex and The City a Amas de casa desesperadas, del primero a Gossip Girl, de éste y el segundo a Pretty Little Liars. Con muchos símiles que fracasaron en el intento y quedaron por el camino, además. Uno de los placeres culposos de la pantalla chica (podríamos dejar de llamarla así, dados los nuevos formatos) existe por obra de Darren Star. Gracias Darren Star por elaborar y dar la receta para el cheesecake de la torta televisiva. Lo digo sin culpa.

Es evidente que Gossip Girl es a la televisión, al consumo y a la moda estadounidense lo que fue en su momento Sex and The City. La serie sobre adolescentes de la clase alta neoyorquina causa furor y pasiones. Su fórmula de conspiración+secretos+traición +sexo enfundada en glamorosos púberes con tacos altos de marca, trajes masculinos hechos a medida y estilo Jackie O. es letal para el televidente voyeur. La posibilidad de mirar una realidad absolutamente ajena, de una clase encerrada en su Upper East Side de Manhattan y tener acceso vip a la vida, las fiestas, los centros educativos y los brunchs de estos seres humanos de fábula es escandalosamente atractiva. Y, por lo que me contaron, no tan lejana en kilómetros: basta con ir a San Pablo y desembolsar varios cientos de dólares para vivir (bah, presenciar) una noche alia Gossip Girl. En CW, la misma cadena de cable que emite hace tres temporadas Gossip Girl, se estrenó en la temporada 2009-2010 una serie que superó a la anterior en el segmento de audiencia más importante para este tipo de productos, léase femenino de 13 a 30 años. Pretty Little Liars está, al igual que Gossip Girl, basada en una colección de libros de autora femenina. De los ocho títulos que componen la saga de Sara Shepard, es el primero el que bautizó a la serie televisiva. La historia comienza con una escena en una “pijamada” de cinco amigas que termina en la desaparición de una de ellas, la más popular de la secundaria. Un año después volvemos a la pequeña ciudad de Rosewood, para encontrar a las cuatro sobrevivientes cambiadas y distanciadas entre sí. Sin embargo, la aparición de mensajes firmados con la inicial de la desparecida que aparece muerta -que dicen secretos que sólo ella sabe y cuestiones que cada una de las cuatro está viviendo en ese momento- vuelve a unirlas en la búsqueda del mensajero. La premisa y el argumento son el resultado de poner en una coctelera a la brillante Twin Peaks de David Lynch y batirla junto a las novelitas rosas hermosas de internado femenino de Enid Blyton y una pizca de la película Sé lo que hicieron el verano pasado.

Machete, el origen.
Como otras grandes buenas ideas, Machete nació como una broma. La semilla fue plantada durante el rodaje de Desperado. Si bien se ha reiterado que el origen de Machete se encuentra en el legendario tráiler “falso” concebido por Rodríguez como parte del tributo que él y Quentin Tarantino hicieron a las películas de clasificación B, Grindhouse, el personaje apareció por primera vez en la mente del director a principios de los ’90. “No había ninguna película de acción con sabor latino que pudiera atraer a un gran público”, explica Rodríguez, “Cuando vi las películas de John Woo, deseaba ser asiático. Woo y Chow Yun-Fat con sus películas Hard Boiled y The Killer, realmente me inspiraron para hacer películas que pudieran crear esa sensación en el ámbito latino”. Esta idea se empezó a cristalizar cuando Danny Trejo se presentó en el set de Desperado, que se filmaba en un pequeño poblado mexicano. “Nadie sabía realmente nada sobre Desperado; sin embargo, los pobladores locales se congregaban para ver a Danny, creyendo que era la estrella de la película, aunque su parte era muy pequeña”, recuerda Rodríguez. “Danny tiene una presencia increíble, así que supe que había encontrado a Machete. Entonces le entregué un cuchillo y le dije que empezara a practicar”.

Por dos películas más.
En su paso entre géneros, Rodríguez hace homenajes y referencias, recicla actores y temas. Con Aulas peligrosas retomó a los extraterrestres invasores de cuerpos y se mandó una película de terror y ciencia ficción en el marco de una highschool movie, exprimiendo todos los estereotipos que pueblan estos títulos. Con Spy Kids (saga de tres películas a las que el año que viene se suma una cuarta) se metió con la comedia familiar mezclada con el cine de acción y espionaje, y de paso le tiró un hueso a Silvestre Stallone, que no estaba pasando por un buen momento. También incursionó en el género infantil (Las aventuras de Shark Boy y Lava Girl) y produjo obras de otros, como Depredadores o las dos secuelas de Del crepúsculo al amanecer. La segunda parte de El Mariachi, La balada del pistolero, estrenada en 1995, es más o menos la misma película pero con más plata. Es el combo más grande, más vistoso, y con Antonio Banderas y Salma Hayek en los protagónicos. Y Tarantino tiene una breve participación como actor en una escena que probablemente él mismo escribió. No fue un taquillazo, pero redundó en un éxito comercial considerable. Fue el filme por el que Hakey y Banderas se apuntaron como miembros estables del firmamento hollywoodense. Rodríguez completó la trilogía de los músicos con Érase una vez en México, otra vez con Banderas y Hayek. Hecha para cumplir con el contrato con Columbia, esta historia sobrepasa todos los límites impuestos en la anterior (que ya era un delirio: había un mariachi disparando con una bazuca escondida en un estuche de guitarra, por ejemplo), y mete a Johnny Depp y Willem Dafoe junto con Mickey Rourke y… Enrique Iglesias (el costado terraja de Rodríguez nunca muere) en una misma bolsa. Nuevamente, la ecuación Rodríguez dio sus frutos: costo mínimo, ganancias máximas.
Todo comenzó con un pobre mariachi. Y desde entonces, ningún estudio quiere perderse al próximo Rodríguez.
Cuando el director le mostró la escena de Sin City que había rodado expresamente para él, Miller alucinó. “¡Es genial!”, dijo. Rodríguez simplemente se limitó a responder: “Frank, lo he sacado todo de tus cómics”.

La gran demostración de lo que podía hacer la maquinaria creativa de Rodríguez trabajando en sus propios estudios de Troublemaker Films llegó con Sin City, en 2005. Es curioso sin embargo que la obra que sobresale de su nutrida filmografía sea una película que no es enteramente una película, una historia que se basa en la obra de otra persona (el guionista y dibujante de cómics Frank Miller, con quien comparte los créditos de dirección). Sin City, su obra magna, más que una película que adapta un cómic es un cómic que se hace película. Todos los excesos típicos del director fueron a parar a otra parte, ya que lo que quiso, desde el principio, fue hacer una película que se viera igual a la historieta de Millar, que ya es un clásico. Ahora, Rodríguez se convertía en el vehículo para plasmar la visión de otro artista. Y, de paso, se dio el lujo de incluir a un director invitado: el amigo Quentin Tarantino.
Filmada completamente en los estudios de roublemaker, en formato digital de última tecnología, Sin City pone en imágenes en movimiento tres historias de esta oscura ciudad construida en blanco y negro. El elenco, impresionante: Bruce Willis, Benicio Del Toro, Carla Gugino, Jessica Alba, Clive Owen, Mickey Rourke, Michael Clarke Duncan, Josh Hartnett, Rutger Hauer, Rosario Dawson, Elijah Word, entre varios más. Para convencer a Miller de hacer la película, Rodríguez rodó una escena por su cuenta (la que aparece al inicio del filme) para mostrarle a Miller la fidelidad a su obra. Cuando el director le mostró la escena en su laptop, Millar alucinó. “¡Es genial!”, dijo. Rodríguez simplemente se limitó a responder: “Frank, lo he sacado todo de tus cómics”.

“Cuando vi las películas de John Woo, deseaba ser asiático. Woo y Chow Yun-Fat, con Hard Boiled y The Killer, me inspiraron para hacer películas que pudieran crear esa sensación en el ámbito latino” Robert Rodríguez.
La tecnología que se maneja en Troublemaker Films no sólo ha permitido prodigios como Sin City. También logró poner en escena el primer desnudo de Jessica Alba… aunque en realidad ella esté vestida. “Creo que siempre me sentí muy incómoda con la forma en que mi cuerpo se desarrolló y mi abuela se enojaría y me tiraría una toalla encima si me viera usando sólo un corpino y una bombacha”, contó la actriz en una entrevista. Esa fue la razón por la que cuando filmaron una escena en la que su personaje aparece completamente desnudo en Machete, en realidad la actriz llevaba puesta ropa interior, que fue removida posteriormente de manera digital.

Quentin Tarantino es un fan declarado de El Mariachi. Rodríguez lo conoció mientras él presentaba El Mariachi y  hacía lo propio con Perros de la calle en un festival. Juntos hicieron Four Rooms (un experimento fallido: cuatro cortos dirigidos por cuatro directores, entre ellos, Rodríguez y Tarantino) y un disparate devenido a filme de culto: Del crepúsculo al amanecer. Escrito por Tarantino, que también actúa en el filme, y dirigido por Rodríguez, Del crepúsculo al amanecer condensa los intereses y las habilidades de un director de desbordada imaginación y nula sutileza que le gusta mezclar géneros y empujar los límites. Esta película comienza como una road movie ultraviolenta y cool, con escenas rodadas a la luz del día, y se convierte brutalmente en una claustrofóbica historia de terror que transcurre durante una noche en un bar atestado de vampiros mexicanos. Tanto Rodríguez como Tarantino se divierten con el viejo truco de poner a un actor a hacer un papel inesperado: aquí Harvey Keitel es un pastor en plena crisis de fe, Juliette Lewis es una adolescente virginal, mientras el actor que por entonces era conocido por interpretar a un médico en E.R., George Clooney, es un criminal. Como Hayek y Banderas, Clooney le debe a Rodríguez su reconocimiento en Hollywood.

Los días como cobayo, más algunos ahorros y billetes prestados, conformaron el presupuesto de El Mariachi: 7.000 dólares. Juntó a sus amigos, llamó al desempleado Marquardt, le ofreció el papel de villano, modificó el guión en función de las locaciones y los recursos disponibles, y se largó a filmar. Para no desperdiciar celuloide, cada toma fue ensayada concienzudamente antes de ser filmada. Debido a su acortado presupuesto, no tenía para pagar a un camarógrafo ni a un director de fotografía ni a un sonidista ni a alguien que se encargara de los efectos especiales, así que lo hizo todo él. Y de paso, también trabajó en la música y el montaje. Filmar es solucionar problemas. Y con El Mariachi, Rodríguez no paró de encontrar soluciones y oportunidades allí donde cualquiera podría ver un obstáculo. A falta de una grúa usó una escalera de madera, y como Marquardt no hablaba una sola palabra de español, el actor usaría lentes negros para poder leer los diálogos que no lograba memorizar. El Mariachi fue comprada por Columbia Pictures y se presentó en el Festival de Cine de Sundance, por entonces la meca del cine independiente, y se llevó el premio del público. De ahí en más, a las salas comerciales. Y mientras tanto, un paseo por otros festivales internacionales, donde fue recibida con elogios. Tras su estreno, Rodríguez firmó un contrato por dos películas más. Desde entonces, todas sus películas recaudan, en un par de semanas, el doble de lo que costaron. Hoy, el esquema de financiación de El Mariache es reproducido a otra escala por medio de Troublemaker Films, la casa productora que Rodríguez fundó en 2000, que incluye una instalación para efectos visuales de última generación, además de un equipo para música y edición. A través de Troublemaker, Rodríguez se encarga de los riesgos financieros y, una vez terminado el largo, negocia con las productoras su distribución.

Conejillo de Indias.
La década de 1990 estaba preñada de buenos augurios cinematográficos. En el amanecer de la década James Cameron demostraba con Terminator 2 que las segundas partes podían ser mejores que las primeras y un debutante Quentin Tarantino sorprendía con Perros de la calle, un filme independiente que marcaría el inicio del reinado de este director criado en un videoclub y de la moda de hacer películas tarantinescas. Mientras esto ocurría, en Texas, Rodríguez se internaba en una clínica para someterse a pruebas médicas por las cuales recibía una paga considerable. Mientras no era usado como conejillo de Indias por los laboratorios, escribía y pulía el guión de lo que sería su ópera prima, El Mariachi. Allí conoció a algún que otro peculiar personaje, entre ellos, Peter Marquardt, un desempleado que aspiraba a ser actor.
El Mariachi es, hasta ahora, la producción de mas bajo presupuesto que haya distribuido un gran estudio y la primera cinta estadounidense estrenada totalmente en español

Erase una vez en Texas.
En el comienzo sólo había un pobre mariachi. Un pobre mariachi al que confunden con un asesino. Rodríguez tenía 23 años, unos 7.000 dólares, una idea en la cabeza y muchas ganas de filmarla. Lo suyo era el cine, lo sabía desde niño, desde el momento que su padre le regaló una cámara Súper 8. Desde entonces hizo películas caseras. Siendo un universitario, su primer corto oficial, Bedhead, es una historia de rivalidad entre hermanos y está protagonizado enteramente por familiares (hermanos y primos). Filmado en 16 mm, en blanco y negro, Bedhead ya contiene excesos y caricaturas, rápidos movimientos de cámara, escenas en ralenti, zooms a mansalva, un montaje ágil y una buena dosis de música y efectos sonoros que refuerzan la narración. En Bedhead hay sangre, cucarachas y poderes psíquicos. Y, claro, no falta el humor, a veces negro, a veces asqueroso, que se filtrará en sus siguientes producciones.
En Bedhead, además del guión y la dirección, Rodríguez se encargó de la fotografía, los efectos de sonido, el montaje y la banda sonora (en colaboración con Todd Fast). La animación de los créditos de apertura también la hizo él, junto con Elizabeth Avellán, por entonces su flamante esposa y posteriormente productora de casi todas sus películas (hasta su divorcio en 2007). Bedhead circuló por festivales de todo tipo y tamaño, y casi siempre fue bien recibido, lo que le dio el impulso necesario para dar el siguiente paso en su formación como cineasta: hacer un largo.

Machete, la última dé Robert Rodríguez, hace honor a los gustos y destrezas de este director estadounidense de ancestros mexicanos que se hizo famoso por hacer películas de forma rápida y con muy pocos recursos. Historia del cineasta rebelde que filma títulos que en otra época irían a parar directamente al videoclub.
Ano engañarnos. Si bien maneja presupuestos considerablemente más bajos que sus colegas, Robert Rodríguez filma películas “como si fueran” producciones berretas hechas con dos mangos y con actores ignotos. En realidad, tanto para hacer Machete, su última película, como para Planet Terror o Aulas peligrosas. Rodríguez cuenta con presupuestos generosos, actores de prestigio y/o estrellas hollywoodenses (desde Robert De Niro a Jessica Alba), y, en algunas ocasiones, eleva el nivel de su cine y sale un rato de la mera berretada autoconsciente y chistosa, como sucedió con Sin City. Eso sí, la experiencia de haber hecho largóme-trajes con muy poca plata lo lleva a producir, editar y componer la música de las películas que escribe y dirige en su propio estudio de Austin, Texas, donde nació hace 42 años.

Todo un parto: el plato previo a la segunda parte de ¿Qué pasó ayer?.
Al principio de la nota hablábamos un poco de ¿Qué pasó ayer?, una historia sobre una despedida de soltero en Las Vegas donde, con mucho alcohol de por medio, pasa de todo, incluyendo la aparición de un tigre en el baño de un hotel y la desaparición del novio a pocas horas de dar el sí en el altar. La película, con actores casi desconocidos hasta el momento, recaudó más de 200 millones de dólares, se llevó el Globo de Oro a la mejor comedia y provocó que los teléfonos de los protagonistas no pararan de sonar para sellar futuros proyectos. Con todos estos aspectos a su favor, no sorprende que ya se esté rodando la segunda entrega de esta cinta que tendrá como punto central otra despedida de soltero, pero esta vez no será en Las Vegas, sino en Tailandia. La película se estrenará en mayo de 2011.

El rodaje fue todo un parto.
El rodaje de Todo un parto fue un viaje en sí mismo. La filmación comenzó en los alrededores de Atlanta y se trasladó hacia otros lugares como Dallas, el interior de Texas, Nuevo México, incluyendo Las Vegas y Santa Fe, y California. Por otro lado, Una unidad de helicópteros abarcó el Gran Cañón del Colorado para una escena clave con Peter y Ethan. Entre toma y toma, ómnibus repletos de visitantes de todo el mundo llegaron a recorrer la zona y algunos miembros del equipo temían que se olvidaran de mirar por donde iban, al descubrir que estaban Downey Jr. y Galif ianakis. Por otra parte, los estudios de Warner sufrieron varios cambios, porque se recrearon varios paisajes en su interior.

“Creo que estoy haciendo una película contigo”
A pesar de las diferencias citadas entre los personajes centrales de esta historia; la dupla compuesta por el protagonista de Iron Man, Downey Jr., y el de ¿Qué pasó ayer?, Galifianakis, promete funcionar en la pantalla grande. ¿Pero cómo fue la relación de estos actores cuando empezaron a trabajar en esta película? Robert Downey Jr lo cuenta mejor que nadie: “recuerdo nuestro primer encuentro. Yo estaba en California y un tipo raro pasa y me dice: ‘Hola, creo que estoy haciendo una película contigo’. Y yo pensé: ‘Voy a darle una pina’. Y entonces me di cuenta: ‘¡Uy Dios… es Zach!’.
Anti-química: la clave del éxito
Los responsables del filme han dicho que esta es una película de amigos sin amigos, mientras que su director opina que en esta comedia lo principal no es la química entre los personajes centrales sino la anti-química: “En este tipo de películas la gente siempre suele hablar de química. Dicen que este tipo de historias funcionan si hay química entre los dos actores principales. Sin embargo, creo que lo que hace que Todo un parto funcione es la antiquímica. Son dos personas desconectadas y sin relación, además constantemente tienen fricciones, que generan tensión y comedia”. Pero esta es la opinión del director de la película. Nosotros, no sabremos si funciona la anti-química entre los dos personajes hasta que la película llegue a la cartelera. Aunque parece evidente que la fama de los protagonistas y el apellido del director, que ha ¡do cobrando fuerza a base de sorpresivos taquillazos, provocarán que un buen número de espectadores decida sumarse a este viaje.
“Adivina ¿quién tiene el Subaru Impreza? ¡Yo! Adivina ¿quién tiene una personalidad ganadora? ¡Yo! Aunque tu pelo está muy bien. Y tenes una mandíbula fuerte. Pero tengo que decirte algo: tu personalidad necesita un poco de trabajo”
Ethan Tremblay
(Zach Galifianakis)

El año pasado la comedia ¿Qué pasó ayer? (Hangover) sorprendió a varios al colarse entre las películas más taquilleras del 2009. Las situaciones absurdas que se sucedían una detrás de otra, no la habrán convertido en una película de culto ni en una road movie , inolvidable, pero refrescaron una cartelera repleta de comedias trilladas. El mérito se lo llevaron el director y guionista Todd Phillips y el reparto de actores, en el que se destacó Zach Galifianakis y el personaje estrafalario que interpretó; un tipo impredecible con problemas en la azotea que a varios nos gustaría tener como amigo, pero no como compañero de viaje. Y con esto empezamos a hablar de Todo un parto que, al igual que Hangover, tiene un viaje como punto de partida, a Phillips como director y a Galifianakis como protagonista. Además, si algo faltaba, Robert Downey Jr aparece como co-protagonista y Jamie Foxx como actor secundario.
En esta historia Downey Jr. y Galifianakis interpretan a dos hombres completamente distintos que no tienen otra que compartir un viaje por Estados Unidos. ¿Por qué? Porque el arquitecto Peter Highman, interpretado por Downey Jr., debe trasladarse desde Los Ángeles a Atlanta para poder llegar al nacimiento de su primer hijo. Pero el viaje no será uno más ya que, luego de unas desafortunadas circunstancias, se sumará un inesperado compañero de ruta llamado Ethan Tremblay (Galifianakis) que no le hará fácil la cruzada. Las diferencias entre ambos rompen los ojos, mientras que Highman es centrado, responsable, exitoso en su carrera y con intenciones de mantener la cordura; Tremblay tiene varios cables sueltos, es un aspirante a actor sin talento y es especialista en sacar de sus casillas a quienes lo rodean. Como si esto fuera poco, esta pareja despareja tiene otra diferencia significativa. El personaje encarnado por Downey Jr. está a punto de ser padre y el de Galifianakis acaba de perder a su progenitor.

Todo un parto.
Conocer a un hijo no siempre es fácil.
Todo un parto Presenta la historia de un hombre que deberá viajar con un atípico personaje para poder llegar a tiempo al nacimiento de su hijo. Hasta aquí, nada del otro mundo. Aunque si el director de la película es Todd Phillips -que el año pasado se llevó varios aplausos (y billetes) por ¿Qué pasó ayer?- y los protagonistas son Robert Downey Jr. y Zach Galifianakis, la diversión parece estar asegurada.
“Si vas a viajar conmigo a Los Angeles, tengo que darte una par de indicaciones. Número uno: no me hagas ninguna pregunta”

Rupert Allexander Lloyd Grint nació el 24 de agosto de 1988 en Hertfordshire, Inglaterra. Su primera actuación fue en Harry Potter y ta piedra filosofal, como el leal amigo Ron Weasley. A pesar de haber sido su primera experiencia, la crítica inglesa le adjudicó el premio a mejor interpretación por un debutante y como promesa de la actuación. Dentro de su experiencia paralela al mundo del mago, se destaca su papel en Thunderpants (2002), una comedia en la que también participaron los genios Stephen Fry y Paul Giamatti. En el 2006 estuvo junto a Laura Linney y Julie Walters en la comedia dramática Driving Lessons (del guionista de El último rey de Escocia). Sin embargo, lo más llamativo fuera de su papel como Ron, ocurrió el año pasado en la independiente Cherrybomb, donde representó a un adolescente en una historia de dos chicos y una chica que se escapan para vivir un fin de semana de alcohol, drogas y otras conductas delictivas, en donde pudimos ver al una vez niño coloradito en escenas de alta tensión sexual, interpretación muy bien recibida por la crítica. En el futuro, curiosamente también interpretará a un personaje de la vida real en Eddie the Eagle, sobre el primer inglés que calificó a las Olimpíadas de invierno en la disciplina sky jumper (salto en esquíes).

Emma Charlotte Duerre Watson nació el 15 de abril de 1990 en París, pero se mudó a Inglaterra a los 5, luego de que sus padres se divorciaran. Al igual que Rupert Grint, su primera aparición ante las cámaras fue en La piedra filosofal y desde entonces ha interpretado a Hermione Granger en todas las películas del mago (por si algún extraterrestre está leyendo esta edición de Cinemag).
Fuera del fenómeno Potter, Watson actuó en el drama para televisión Ballet Shoes (2007) y prestó su voz para la película animada The Tale of Despereaux, donde interpretó a la princesa Pea. Además, se ha destacado en el mundo de a moda y el arte. En el 2005, cuando tenía 15 años, se convirtió en la chica más joven en aparecer en la portada de la revista Teen Vogue.
El año que viene, luego del estreno de la última película del joven mago, podremos verla en My Week with Marilyn, del director Simón Curtís, junto a Michelle Williams, Julia Ormond y Judi Dench.

Daniel Radcliffe.
Nació el 23 de julio de 1989 en Fullham, Inglaterra. Desde chico se interesó en la actuación y obtuvo el papel del joven David Copperfield. Su vida cambió cuando fue seleccionado para interpretar a Harry Potter en la primera película estrenada el 26 de noviembre de 2001. Además de todas las películas de Harry, actuó en el filme independiente Un verano para toda la vida (Rod Hardi, 2007), sobre cuatro huérfanos y sus vivencias en verano, y se animó a hacer un desnudo en Broadway (Equus, su debut en el teatro neoyorquino, que también fue presentada en Londres). Se ha publicado que en la primera parte de Las reliquias de la muerte, Harry Potter aparece desnudo en lo que el director expresó como una escena “fascinante y muy sensual”, de la cual no se hace referencia en ninguna página del libro.
Una vez finalizada la saga más exitosa en la historia del cine, podremos ver a Radcliffe en la película Independiente de terror The Woman in Black (James Watkins, 2011) y en The Journey is the Destination, basada en la historia real de Dan Eldon, famoso artista y fotógrafo. También en 2011 vuelve a los escenarios de Broadway para protagonizar el musical How to Succeec in Business Without Really Trying, dirigido por Rob Ashford.

2D, 3D, 2D, ¿se ponen de acuerdo?
En las últimas horas se ha confirmado que, muy a pesar de los anuncios y promociones previas, Harry Potter y las reliquias de la mucrie no contará con formato 3D. Mucho se lia especulado acerca de los motivos que llevaron a Warner Bros, a tomar esta decisión, aunque todo se debe a motivos de tiempo: primero .se habló de que el formato fue adquirido por IM AX y dado que los menajes no llegaron con tiempo suficiente, no pudieron ser convertidos. Recordemos que el proyecto de George Lucas de pasar Star Wars a 3D le llevará algo así como dos años. Unos meses resulla una misión imposible. Otros culpan al director David Yates al argumentar que las grabaciones se extendieron demasiado, más que nada por retoques en escenas que recién concluyeron hace algunos meses. El comunicado oficial del sello expresaba que “a pesar de los mejores esfuerzos de todos, no hemos sido capaces de convertir la película por completo y al mismo tiempo alcanzar los estándares más altos de calidad. No queremos desilusionar a los seguidores que llevan tanto tiempo esperando la conclusión de este viaje extraordinario”. A título personal debo confesar que esta noticia me puso contento. Harry Potter no precisa del 3D para cautivar a los espectadores ni para vender más entradas. Su historia podría ser rodada en blanco y negro y aun así ser una demencia. El 3D continúa siendo nuevo. James Cameron supo utilizado a la perfección, al servicio de su historia; muchos otros han abusado de este recurso y adaptado los guiones a esta tecnología. Un error para nada sutil.

Por el lado del mal, los mortífagos remueven cielo y tierra con un solo objetivo: encontrar al “niño que vivió”. Su poder continúa en ascenso, el Ministerio de Magia ha sido corrompido e incluso Hogwarts dejó de ser un lugar seguro. Voldemort desea terminar con el mito de Harry y quiere hacerlo con sus propias manos.
La vida de Harry corre peligro y la Orden del Fénix se involucra en la pelea y ayuda en lo que puede. Sin embargo, una vez más, veremos que a fin de cuentas, el joven mago deberá enfrentar esta batalla solo, más que nada porque lo último que querría es que alguien saliera herido por su culpa. Las pistas llevarán a los tres amigos de nuevo a Hogwarts, y a encontrar algunas sorpresas que Dumbledore dejó antes de partir. Sorpresas con las que al menos podrán soñar con ganar esta batalla.

El séptimo libro de J.K. Rowling fue dividido en dos películas porqué los productores creyeron que de realizar un solo filme, tendrían que dejar aliiera personajes y escenas de importancia para el desenlace. En este momento de la historia, iodo y todos tienen su cuota de relevancia. David Yates es el encargado de dirigir las dos últimas películas. También estuvo al frente de orden del Fénix y El misterio del príncipe mestizo. M. Night Shyamalan y Guillermo del loro públicamente pronunciaron su interés en dirigir estas adaptaciones finales. La película contó con un presupuesto estimado de 150 millones de libras (unos 240 millones de dólares). Para estas últimas películas se suman al reparto Bill Nighy en el papel del ministro de Magia Rufus Sctimgeour, John Hatt (que tuvo su aparición clave en La piedra filosofal) como el vendendor de varitas Sr. Ollivander y Ciaran Hinds, en el papel del hermano menor de Albus Dumbledore.
Para ver el desenlace de la historia habrá que esperar ocho meses, la segunda parte se esttena el 1 5 de julio de 2011. Tampoco contatá con efectos 3D.

Mundo magico de harry potter:
Además, quien renga edad legal puede disfrutar de una jarra de Bullerbear. Después quedan las montañas rusas: The Dragón Challenge sé inspira en Harry Potter y el Cáliz de luego, uno entra y mientras recorre el lugar se encuentra con una réplica exacta del trofeo del torneo de los tres magos, y el Cáliz de luego prendido. Pero todo está en los detalles: más allá de estar en una especie de cueva, las luces son velas flotantes, como en el comedor de Hogwarts, la cartelert’a apoya a Potter, Durmstrang o Cedric Diggory. Y luego queda el casti-  lio de Hogwarts. Qué decir. Miren las imágenes y saquen sus propias con-   clusiones.
The Wizarding World of Harry Potter motivó a que un millón personas-adicional visite Island of Adventure. De acuerdo a los datos revelados, en el primer trimestre de 2009 el parque recibió 2,7 millones, y en este año 3,7 de visitantes.

Este año me di el lujo de visitar el parque Island of Adventure, en Orlando, Florida. Con tranquilidad puedo afirmar que es el mejor parque en todo Orlando, al tener las mejores montañas rusas y atracciones. Ya había recorrido esta maravilla en el 2005, pero decidí regresar. Podrán preguntarse por qué no darle la chance a otro parque (por las dudas, fuimos a Magic Kingdom y me aburrí mucho, es para niños, de hecho, hicimos una hora de lila para entrar a un juego de Peter Parí y ¡era una c.tlcsita!), pero lo cierto es que mucho había cambiado en Island of Adventure. Antes de partir, un primo, fanático de Harry Potter, me obligó a elegir ese destino, pues en junio de este año abrirían “el mundo de Harry Potter“. Investigué algo y los rumores eran muy variados: por un lado, escuché que no era “un parque entero” de Harry, sino que sólo habían abierto una montaña rusa: por otro lado, que sí existía un parque entero solo de Harry… a fin de cuentas, dentro del parque seleccionado habían construido un mundo aparrado del joven mago: The Wizarding World of Harry Potter No puedo explicar lo que hicieron en ese lugar. Antes de ingresar cuelga un cartel en los muros que dice: ” P léase résped Spell I.imits”. Al cruzar un muro impresionante, uno se encuentra en el medio del Diagon Alley, una réplica exacta de las tiendas, casas y bares, con nieve sobre los tejados; el Impreso de Hogwarts estacionado a la derecha y una lila de personas esperando su turno para sacarse una foto con el conductor; al londo y a la derecha una fila interminable de turistas espera con ansias su momento de entrar a Dervisb and liantes para comprar túnicas, varitas, gorros y toda la mercancía relativa a las películas. Afuera hay unos 35 grados y los fanáticos visten las túnicas y bufandas con gusto. Juro que la tila de espera era mayor que en las montañas rusas.

Como explica el ex director de Hogwarts, los horrocruxes son elementos que albergan el alma de una persona. Mientras estos no sean destruidos, esa persona no podrá morir. Lord Voldemort colocó su alma en varios de estos horrocruxes, dispersos en todo el mundo y bajo las formas menos imaginadas, para asegurarse que nunca alcanzará la mortalidad ni podrá caer derrotado. Siguiendo con la comparación con El Señor de los Anillos, los horrocruxes son como un anillo de poder, en el sentido de que la persona une su destino a estos, y hasta que no sean destruidos, la persona no podrá morir.
Albus Dumbledore le contó a Harry sobre estos “pedazos de alma” de Voldemort y le mostró cómo destruir uno. La misión, entonces, consiste en encontrar todos esos horrocruxes y romperlos, así, la batalla con Voldemort podrá ser de igual a igual.
En búsqueda de la esperanza
Con esa misión partieron Ron, Hermione y Harry, en una búsqueda que los llevará por todo el Reino Unido. El colegio, la magia y los hechizos, ahora, no parecen tan importantes. Esta empresa demandará mucho de estos tres amigos que deberán unirse y confiar más que nunca en el otro.

El séptimo libro fue dividido en dos películas porque los productores creyeron pe de realizar un solo filme, tendrían que dejar afuera personajes v escenas de importan-ría para el desenlac.
El último round.
La imagen de Albus Dumbledore cayendo de la torre luego de que Severus Snape lanzara el encantamiento Avada Kedavra resulta imposible borrar de la memoria. Sólo puede compararse al descenso de Gandalf al gris en las minas, o cuando Boromir cayó abatido recostado contra el árbol. ¿Por qué insistió en llegar a ese lugar solo? ¿Cómo pudo permitir que Draco Malfloy lo desarmara? Todo parece indicar que Dumbledore quiso llegar de esa exacta manera a ese fin. Pero, ¿por qué?
En Harry Potter y el misterio del príncipe la oscuridad ganó una batalla tremenda en contra del bien. El único rival capaz de hacer frente a Lord Voldemort ha muerto, sus mortífagos se desplazan por el mundo muggle como el mágico sin restricciones, y Severus Snape se incorporó a sus filas. Todo parece demasiado para Harry, Hermione y Ron. Esta historia introdujo un elemento clave para el desarrollo de los acontecimientos
futuros: los horrocruxes.

El comienzo del fin….
¿En verdad han pasado nueve años? El 26 de noviembre de 2001 se estrenaba en Estados Unidos la película sobre un mago que, a través de las páginas de algunos libros, ya había cautivado a niños, adolescentes y adultos en todo el mundo. Sí, es verdad lo que decía Eleonora Navata en su informe de julio 2009 de Cinemag: J. K. Rowling ideó una historia llena de lugares comunes pero que tuvo muchas virtudes y aciertos y que demostró, una vez más, que lo simple, lo bueno y lo tierno sí alcanzan para crear un fenómeno cultural como lo es Harry Potter. Mucha agua ha pasado por debajo del puente, como también hechizos, partidos de Quidditch, villanos, amigos, experiencias y aprendizajes. Un camino que Harry Potter no recorrió en soledad, sino en compañía de los dos mejores amigos del mundo: Ron y Hermione, y también seguido de cerca por millones de fanáticos de todas las edades que, página a página y fotograma a fotograma, sentían en carne propia todo lo que el pequeño Harry debió afrontar. Desde su nacimiento y el brutal asesinato de sus padres, la infancia infame a cargo a sus detestables tíos, los comienzos en Hogwarts, los nuevos amigos, el descubrimiento de su mentor Albus Dumbledore, y de la familia que jamás creyó tener, así como los enemigos mortales que su antítesis fue poniendo en su camino.
Sí, Harry Potter tuvo que enfrentar desde temprana edad experiencias que ninguna persona debería afrontar jamás. Hechos, sucesos y personajes que moldearon su personalidad, su sentido de la justicia y el bien, la humildad, la amistad y honestidad como valores que guían cada paso que da. Porque recordemos que Harry Potter tuvo dos nacimientos: el de su persona, del amor de Lily y James Potter (que todos alguna vez tuvimos); y el de su leyenda, a manos del Señor Oscuro, cuando intentó asesinarlo y sus padres lograron impedirlo, “el niño que vivió” sería su karma en su infancia, adolescencia y juventud.
Nadie le preguntó si él quería esa vida de fama, de héroe ante los ojos de todos aquellos que lo juzgaban sin conocerlo. La verdad es que Harry hubiera dado lo imposible por tener una vida como la de Ron Weasley, con un hogar amoroso, rodeado de familiares leales. En cambio recibió una vida de celebridad que nunca quiso y que desde su nacimiento lo condenó a formar un nexo inquebrantable con el culpable de terminar con la vida de las personas que más lo amaron en esta vida. Pequeña ironía.
Es que toda su vida, trucos, clases, bromas y tragedias lo llevaron a este momento. A su enfrentamiento con Lord Voldemort. Y llegado este instante, con todo lo hermoso y horrible que le tocó vivir, el tiempo y las enseñanzas parecen ser muy pocas.

Harry Potter y las reliquias de la muerte.
Ultimo hechizo.
Nada. Eso es lo que falta para que concluya la franquicia más exitosa de todos los tiempos. Que 2D, 3D, 2D… ¿a quién le importa? Harry Potter llega a su fin. Y loS fanáticos ya comenzaron el duelo.
Antes de comenzar este artículo debo detenerme en dos temas que si no me los saco de encima, probablemente puedan influir en la calidad del informe. El primero, que aplaudo a los productores de la película por la excelente decisión comercial de dividir el último libro de Harry Potter. ¿Para qué hacer una película cuando se pueden hacer dos? Qué brillante estrategia comercial: ¡obligar a los espectadores a pagar dos entradas! Clap, clap, clap. En segundo lugar, y acá creo que hablo en nombre de todos los seguidores de Harry Potter en el mundo, quiero expresar mi disconformidad por la perversa estrategia comercial de los productores de la película de Harry. ¿Qué se creyeron? ¡Jugar con los fanáticos de esa manera! Suficiente con tener que esperar uno o más años para el estreno de cada filme, para que nos torturen de esta manera, justo con la última parte de la historia. Increíble, los abucheo: bu, buu, buuu. Bien, ya que nos sacamos eso de encima…

Pelicula lovely bones de peter jackson.
Me costó dos días volver a ver una película sin sentir que estaba viendo una tontería. Pero este film vale la pena porque así como la risa es bienvenida, el llanto es necesario. No busquen solución en esta trama de pedófilos ignotos que andan por ahí encarnando al diablo de nuestros tiempos. Pienso en la triste y hermosa reflexión de Susie al final del film cuando decide abandonar el limbo y entrar al cielo de una vez por todas, porque a fin de cuentas todos nos morimos alguna vez, es tal la certeza única y universal: “Hola soy Susie, me asesinaron a los 14 años. Estuve un rato aquí en este mundo… y luego me fui. Fue hermoso” También las películas tristes son necesarias.

Lovely Bones de Peter Jackson.
Un alma en pena se cruza con la protagonista del film que está en el limbo entre la vida y la muerte y le dice: “Todos morimos, todos nos vamos a morir algún día”. De este infierno existencialista sale Jackson airoso desatando una película tan amarga y oscura como emotiva. A Susie Salmón la vida la cruzó con un vecino pedófilo que la violó y la mató y la hizo desaparecer. Sus padres se desesperan sin saber quién ha asesinado a su hija. Mientras tanto. Susie Salmón espera en el limbo porque no puede dejar de mirarlos por última vez y rechaza ir al cielo en pos de justica. El relato es Susie-oráculo que todo lo ve: cómo su familia se desintegra, cómo el asesino nunca es atrapado ni descubierto y cómo hay cosas que son irremediables. Jackson filma desde los sueños de Susie, que se hacen pesadillas pero siempre termina el sol saliendo. Ve como su madre deja su hogar, cómo su hermana deviene en una adolescente amarga y cómo su padre se convierte en un paria vencido lleno de violencia contenida. Susie asiste así a la vida de la cual el cruel destino la dejó varias paradas antes. “Hola, soy Susie”, dice al inicio del film “y me asesinaron en 1973 a la edad de 14 años”. Es esta terrible historia que elige filmar Jackson de quien se esperaba más que hiciera la remake de Infierno en la torre que una película infantil llena de sueños
que se convierte en pesadillas. Y a cada escena va reportando que el tiempo, si bien no tiende a mejorar, es el mejor tiempo que podemos tener. Así anda Susie sin poder incidir ni avisarle a sus padres que quien la asesinó vive al lado de su casa. Si bien es una película sencilla y filmada sin un dogma criterioso, las actuaciones y la historia atrapan como si uno estuviera viendo una película basada en hechos reales. Uno puede esperar el horror desgraciado de una familia que tiene a su hija desaparecida. Pero el relato se torna existencial. Un policía que sugiere abandonar la búsqueda, un cuerpo que nunca aparece, un novio que queda esperándola todos los fines de semana en donde se citaron por única vez, eso es todo en Lovely Bones: un relato macabro que logra ponernos tristes y lo agradecemos como final feliz.

Eastwood y la muerte.
Más allá de la vida (Hereafter).
Clint Eastwood dirige una historia dramática protagonizada por Matt Damon sobre la muerte y experiencias cercanas a ésta. La película tiene tres personajes centrales con algo en común: todos han experimentado la muerte muy de cerca. George (Damon), un yanqui de “cuello azul”, tiene una conexión especial con la vida después de la muerte; Marie, una periodista francesa, padece una situación límite que pone su vida patas para arriba; y cuando Marcus, un escolar londinense, pierde a un ser querido, precisa respuestas, la vida de cada uno de ellos tomará contacto con la de los otros, cambiando sus existencias para siempre.
Estreno: enero 2011.

Lo nuevo de Edward Zwick.
Love and Other Drugs.
La historia se centra en Jamie Reidy, que fue representante de ventas de Pfizer -farmacéutica que lanzó el Viagra- a finales de los noventa y que cuando escribió sus memorias sacó a la luz algunas de las prácticas de as compañías farmacéuticas. Jake Gyllenhaal interpreta al representante, que comienza una relación con una mujer que sufre Parkinson (Anne Hathaway) durante una de sus visitas de trabajo. Basada en las memorias de Reidy tituladas Hard Sell: The Evolution ofa Viagra Salesman.
Estreno: enero 2011.

No perdieron el tiempo.
Criatura de la noche.
El año pasado se estrenó una película sueca sobre un niño atormentado en la escuela que conoce a una niña vampira, con la que inicia una amistad sin precedentes. La industria estadounidense no perdió el tiempo y al ver esta maravilla -y conscientes de que en Estados Unidos prácticamente no existe el cine con subtítulos- compraron los derechos e hicieron su propia versión de la historia. Probablemente esta versión alcance mucha mayor difusión que la original. Una lástima para el público, no porque esta nueva vaya a ser mala, sino porque muy difícilmente pueda superar a la primera. La crítica dirá.
Estreno: diciembre 2010.

Vampiros y hombres.
Priest 3D.
Paul Bettany protagoniza este thriller de suspenso y ciencia ficción que tiene lugar en una realidad posapocalíptica con los hombres y vampiros peleando por siglos. En este contexto sobresale la figura legendaria de un sacerdote guerrero sobreviviente de la última guerra entre Nosferatu y humanos, que vive en sigilo en una ciudad gobernada por la iglesia. Sin embargo, cuando su sobrina es atacada por un grupo de chupasangres, el sacerdote rompe sus votos e inicia una cruzada en busca de venganza. A su lado está el novio de su sobrina, un sheriff sediento de revancha, y una sacerdotisa con aptitudes envidiables para la lucha.
Estreno: junio 2011.

Otro vuelo por el nido de los locos.
SuckerPunch.
Fantasía y drama se mezclan en esta historia ambientada en los años 50 sobre una chica que utiliza su imaginación para hacer frente a un encierro injusto en un psiquiátrico. Un padrastro infame y perverso decide encerrar a su hijastra en un hospital psiquiátrico para que la chica reciba una lobotomía. A pesar de la injusticia, la chica decide enfrentar el problema utilizando su creatividad y comienza a imaginar una realidad paralela donde podrá escapar de ese lugar, solo si consigue capturar cinco elementos antes de que sea muy tarde. Del director Zack Snyder, con las actuaciones de Vanessa Hudgens y Jon Hamm.
Estreno: marzo 2011.

La competencia de Seabiscuit y Black Beauty.
Secretariat.
Seabiscuit dejará de ser leyenda luego del estreno de Secretariat, también basada en una historia real. En la década de1970, Penny Chenery (Diane Lañe), una madre dedicada a tareas del hogar, luego de la muerte de su padre, accede a administrar el negocio familiar, un establo de caballos de carrera en Virginia. Sin experiencia, Penny debe hacer camino en un negocio dominado por los hombres. Pero no estará sola: una leyenda del turf, Lucien Laurin (John Malcovich), se unirá a su empresa y de la mano de Secretariat -un magnífico caballo- lograrán que el establo gane la Triple Corona por primera vez en 25 años.
Estreno: enero 2011.

Combatiendo la invasión.
Battle: Los Angeles.
W.A.T.C.H es un escuadrón de inteligencia y combate creado para promover y proteger la seguridad pública asesorando sobre las amenazas de interferencias extraterrestres hacia la humanidad. La evidencia ha demostrado, de hecho, que la vida en otros planetas existe y que los visitantes han llegado a nuestro planeta en numerosas oportunidades para realizar tareas de reconocimiento militar. Esta vez, los extraterrestres llegan a la ciudad de Los Angeles con la firme intención de atacar. El destino de la humanidad depende de este escuadrón. Con Michelle Rodríguez y Aaron Eckhart.
Estreno: abril 2011.

Christina Aguilera confirma separación.
Christina Aguilera se separó de su esposo Jordán Bratman, pero no hubo conversaciones inmediatas de divorcio, dijo semanas pasadas su representante. “Aunque Jordán y yo estamos separados, nuestro compromiso con nuestro hijo Max permanece tan fuerte como siempre”, dijo Aguilera en un comunicado divulgado a través de su representante. La actriz y cantante y el ejecutivo de música se casaron hace cinco años. Su hijo, Max, nació hace dos años.

Eva Longoria sale ilesa de un accidente.
La protagonista de Amas de casa desesperadas, Eva Longoria, sufió un accidente con su auto en Hollywood, al no haber podido evitar chocar con otro coche cuando su conductor hizo un giro repentino y se cruzó en su camino, informó la cadena norteamericana ABC. El accidente tuvo lugar muy cerca del restaurante Seso, propiedad de la actriz. A pesar del impacto, tanto Longoria como el otro conductor salieron ilesos del suceso y no necesitaron atención médica.
Mientras tanto, la actriz ha estrenado en Hollywood el documental Latinos Living the American Dream, que ella misma ha producido y dirigido. Además, viajará en los próximos días a España para presentar la ceremonia de los Premios de la Música Europea de MTV.

Beyoncé en la dulce espera.
La cantante Beyoncé Knowles espera su primer hijo con el rapero Jay-Z, según informaron fuentes cercanas a la pareja a la revista US Weekly. Según la publicación, la cantante de 29 años, que se casó en 2008 con el músico, se quedó “impactada” con la noticia. “Le encantan los niños, pero no estaba preparada para ser madre justo ahora”, señaló la fuente, que reveló que la cantante “quería terminar su álbum y empezar una gira mundial”. Otra persona, también próxima a la pareja, dijo que Beyoncé, que está en su primer trimestre de gestación, consideró el embarazo “como un regalo de Dios y está muy contenta”. Los amigos de la pareja ya han empezado a enviar sus buenos deseos a los futuros padres.

Madonna de joda.
Madonna fue vista dándose tremendos besos con su nuevo galán en un club nocturno de Nueva York. De acuerdo con algunos sitios se tomaban de la mano y se daban “besos a escondidas”. Una fuente dijo que la artista bailó con el galán y después no le importó ser vista besándolo. Según informes de testigos, la pareja se trasladó a otro club nocturno en las primeras horas de la mañana “y se abrazaron y besaron en el resto de la noche”. Se trata de Brahim Rachiki, de 33 años, uno de sus coreógrafos que la acompañó en su gira de Sticky and Sweef. Su último novio, el modelo brasileño Jesús Luz, de 24 años, ha sido visto con mujeres de su misma edad, y se ha dicho que el modelo regresó a Brasil. Rachiki aparece como asistente de coreógrafo en los créditos para el documental de Michael Jackson, This Is It. También ha trabajado con Janet Jackson, Chris Brown, y además hizo algunos comerciales para la marca Levi’s.

Mel Gibson no va a estar en ¿Qué pasó ayer? 2.
Los estudios Warner Bros, finalmente no contarán con Mel Gibson en la secuela de la comedia ¿Qué pasó ayer? 2, ya que la decisión no contaba con el pleno apoyo del equipo de la película, informó la edición digital de la revista The Hollywood Repórter. El director del filme, Todd Phillips, y los estudios habían acordado la participación del actor en un pequeño papel donde interpretaría a un tatuador de Bangkok, según se dio semanas pasadas, pero la noticia causó un gran revuelo entre los directivos y los integrantes del equipo de producción, por lo que finalmente se dio marcha atrás.
“Pensé que Mel habría estado genial en la película y tuve el apoyo total de Jeff Robinov ( presidente de Warner) y su equipo”, dijo Phillips en un comunicado. “Pero me doy cuenta de que una película es un esfuerzo colectivo y la decisión final no tenía el apoyo total del reparto y del equipo”, agregó.

Charlize Theron muy enamorada.
A pocos meses de terminar su relación con StuartTownsend, Charlize Theron ha decidido dejar la soltería y comenzar una nueva vida al lado de un granjero, quien además trabaja como modelo, sin dejar los hábitos de la vida pueblerina. La prensa norteamericana señala que el joven llamado Eric Thal, tiene además, una granja cerca de Nueva York. Un amigo de la nueva pareja de la estrella comentó a la revista Life and Style: “Tienen mucho en común. Él es un granjero que planta sus propias verduras y ella creció en una granja en Sudáfrica. A ambos les gusta escaparse de Hollywood de vez en cuando para pasar unos días en el campo”.

Líate a hacer tirabuzones mientras ametrallas a los malos con estos juegos de ben 10. ¡Bandido a las tres!
¿NUNCA te has preguntado cómo sería pilotar un Fortaleza Volante B-17 en un ataque aéreo sobre Berlín?», pregunta la publicidad de este juego de ben 10.
Si te pareces lo más mínimo a nosotros, la respuesta a la pregunta es sí, cada día. Así que alegrémonos, porque ben 10 ha creado el juego perfecto: se llama ben 10 alien y tiene tal cuidado por el detalle que el manual consta de 10 páginas. Esos que han puesto cara de susto, que no se preocupen. A nivel arcade, en realidad apenas debes encargarte del control del avión ya que puedes ir entendiendo los fundamentos y avanzando niveles conforme aprendes.
Eso sí, antes de empezar a preocuparte por lo de «mirar a tus seis», debes decidir acerca de un montón de detalles: cosas como la espoleta de tus armas, la altitud a la que puedes llegar sin máscara de oxígeno, la fuerza de la gravedad a la que tu piloto se desmaya, el retroceso de tus armas… y eso sólo para empezar. Además hay biografías resumidas de todos los aparatos que puedes pilotar. Tamaña atención al detalle es impresionante y a la vez enternecedora.
CUÑAS FUERA.
En cuanto hayas comprobado tus alerones y te hayas puesto las gafas, puedes elevarte hacia el cielo azul. El objetivo de esta demo en concreto es hacerte una idea de cómo pilotar el avión (despegar y aterriza no es ningún picnic), pero si necesitas con desespero una confrontación siempre puedes dirigirte a una pista de aterrizaje enemiga y dedicarte mejor a bombardearla con saña. Observa que el nivel Realista es tan alto que no puedes hablar mientras juegas; recomendamos abordar este ajuste tras llevar algunas horas en el aire.
La dificultad de pilotar un avión en tres dimensiones queda bien patente en este juego de ben 10, pero una vez que hayas dominado el arte, controlar estas máquinas clásicas resulta una experiencia realmente estimulante.
Si a eso le añadimos la versión on line del juego, tú también puedes experimentar la sensación de pilotar un caza de la segunda Guerra Mundial mientras charlas con tus colegas pilotos sobre si mola más Pink o Avril Lavigne.

Los actores de la serie colaboraron, si bien se volvieron sumamente famosos, y se hicieron millonarios a una corta edad, no hay un escándalo que los rodee. Por otro lado, estas siete películas han contado con más de un director, y a diferencia de otras series en donde esto se tradujo en versiones disparatadas, en este caso siempre se mantuvo una coherencia y una línea que dio como resultado un producto uniforme y en constante crecimiento. La saga llega a su final, el último libro se divide en dos películas y la primera se estrena este mes. En principio se iba a estrenar en 3D pero cuando el estudio vio que el resultado no iba a ser el esperado, decidieron cambiar la estrategia, estrenar en formato tradicional y una vez más cuidar la propiedad y las expectativas por encima de todo. Es difícil pensar que esta franquicia vaya a desaparecer con la octava película. Todo lo contrario, parecería ser que todo está calculado y seguiremos viendo surgir entretenimientos relacionados a este fenómeno. Por lo pronto ya tiene su parque de entretenimientos y la autora dijo que podría seguir escribiendo libros sobre esta historia, aunque no tiene pensado hacerlo por el momento.

La serie Harry Potter tenía un desafío extra, en el 2001 los fanáticos que seguían la serie eran chicos, hoy casi diez años después son adultos y sin embargo el interés se mantiene y la serie no solo no ha perdido público sino que ha conquistado nuevas generaciones. Los chicos de hoy habrán tenido que ver las primeras películas en dvd y tv, pero lo cierto es que un estreno de Harry Potter atrae a toda la familia, a los niños de hoy y a los de hace de diez años. Harry Potter es una franquicia que nunca ha sido contaminada por factores externos. En primer lugar no se asoció la marca Harry Potter a ninguna multinacional o empresa que pudiera mediante promociones hacer uso de la marca, más allá de que las películas hubiesen obtenido mayor exposición en los medios, mayor difusión y por lo tanto mayor reconocimiento en la audiencia, lo que seguramente se hubiese traducido en mayor venta de entradas. Pues bien, este no fue el caso, la magia de esta serie se mantuvo intacta, y ninguna marca interfirió con el mundo Harry Potter.

Todo tiene un final y parece ser que una de las franquicias más importantes, taquilleras y rentables de la historia también. Fueron siete libros que se transformaron en ocho películas y una década de producciones que nunca cayeron en popularidad. Las expectativas detrás de cada estreno siempre fueron gigantes, y lo más importante es que siempre fueron colmadas. Así fue que el buen romance entre la serie de Harry Potter y sus seguidores continuó y se mantuvo hasta estos días.
Detrás de semejante éxito hay mucho más que siete libros. Es cierto que la autora dio en el clavo y supo alcanzar una audiencia que cada vez estaba más lejos de la lectura tradicional. Pero hay un trabajo delicado y milimétricamente calculado detrás de esta franquicia.
Es común cuando hay un éxito de esta magnitud ver cómo las empresas detrás de los derechos parecen desesperarse por sacarle provecho a tantas categorías como sea posible, y en ese afán por aprovechar el éxito del momento muchos detalles no son tenidos en cuenta y si bien es cierto que muchas veces logran ser negocios millonarios también es cierto que no perduran en el tiempo.

Esta película está dividida, al igual que el animé, en tres libros o partes, la primera es el libro uno: agua, la segunda es el libro dos: tierra y la tercera es el libro tres: fuego. Cada una coincide con los elementos que Aang irá aprendiendo en su camino a convertirse por entero en el avatar, recordemos que él ya domina el aire. El libro dos, tierra, desarrolla la historia ya pasado un año desde que Katara y Sokka descubrieron al avatar. El libro tres, fuego, sucede tres años después y es la ofensiva de los reinos agua y teirra contra el reino del fuego, en la batalla definitiva por derrocar al señor de ese reino. Hasta ahora escuchamos hablar del avatar, pero ¿qué es un avatar? Un avatar es un enviado de los dioses, con ciertos poderes, cuya misión es cumplir la voluntad de los dioses entre los mortales, también actúa de nexo entre estos y los primeros. Si lo asocian con algún personaje histórico, a mi criterio, es correcto. El último maestro aire: una película totalmente disfrutable, que en realidad va a parecer demasiado corta, pero más allá de los efectos especiales que ostenta, tendríamos que rescatar la filosofía que promueve: una defensa de la naturaleza, aceptación de todos como ¡guales, la amistad como el mayor valor, la unión de pueblos disimiles por un bien común y la idea de que nuestro cuerpo es solo un recipiente que contiene algo más valioso y eterno que vivirá por siempre más allá de lo material. Conceptos que los occidentales han olvidado y que no estaña mal volver a recordarlos.

En el lado opuesto nos encontramos con el reino del fuego, fácilmente podemos ver en las acciones y actitudes de este reino a la sociedad moderna, explota los recursos naturales sin importar lo que le hace a la tierra, contamina con sus fábricas y chimeneas, es puramente mecanicista y tecnologicista. Los buques de guerra de este reino son de rápida asociación con las fábricas, puramente de hierro, con sus chimeneas humeantes, van arrasando todo vestigio de vida natural con tal de dominar el mundo. También hace acordar a los buques de guerra de la Primera Guerra Mundial. Ante este atropello se unen los reinos agua y tierra a los que el avatar les dio nuevas esperanzas con su reaparición. Y, hablando del avatar, vemos tanto en el animé como en la película una concepción de la vida muy relacionada a las creencias budistas, ya sea, al hablar de la reencarnación como a la hora de saber quién es el próximo avatar. La forma de elegirlo es igual a la que utilizan para designar al próximo Dalai Lama o nueva encamación de Buda.También en el concepto de unión con la naturaleza y el manejo que se debe hacer de ella. En el tema de los efectos visuales, son excelentes, la fotografía es muy buena y nos sumerge en un mundo cíen por ciento oriental. Incluso en las técnicas para manejar los elementos, se ve mucho de los movimientos del kung fu y del tai chi. Un único detalle: me extrañó ver a un dragón chino con alas, pero bueno, esas son exquisiteces.

El último maestro del aire.
Luego de lo que considero varios fracasos después de Sexto sentido, M. Night Shyamalan vuelve al ruedo con esta nueva película. Esta vez creo que dio en el clavo. Con perdón de los fanáticos, pero discrepo con aquellos que consideraron que el director caricaturizó a los personajes, originalmente del animé, en la película. Hay que considerar que es casi imposible desarrollar plenamente a un personaje que se desarrolla a lo largo de veintidós capítulos, que es la primera temporada, en una hora cuarenta de película. 1 Ya que forzosamente se deben seleccionar aquellas partes importantes para contar la historia. Lo que sí considero es que 1 el personaje de Sokka no es tan gracioso como en el animé, es más mesurado y centrado en lo que hace. Dicho por el director, su plan era lograr llegar a humanizar a los personajes. Y creo que lo ha logrado. Los personajes son creíbles y se empatiza rápido con ellos, por lo menos con Aang (Noah Ringer), Katara (Nicola Peltz) y Sokka (Jackson Rathbone). Un tema con el que concuerdo con el señor Wisdoom, es la temática tanto del animé como de la película. El hecho de que distintos reinos manejen un elemento (agua, tierra, fuego) y mezclado en esta historia el tema del honor del guerrero y el respeto por los espíritus de la naturaleza. Respeto que hace tiempo que el hombre ha perdido y que de alguna forma la película intenta rescatar. Con respecto a este tema, en la película vemos dos bandos bien diferenciados, los reinos de agua y tierra enfrentados al reino de fuego. Pero por sobre toda esta guerra, es fácil notar los valores que Shyamalan intenta rescatar: la fuerza de la amistad por sobre todas las cosas, aún en las situaciones más difíciles, el respeto y el cuidado de la naturaleza y conseguir la armonía con esta, también lo Importante que son las raíces y las costumbres ancestrales para mantener una identidad. Otro sitio donde hay muy buenos estrenos de cine es Peliculas De Estreno.

Mark Valley.
Mark Valley nació en Nueva York el 24 de diciembre de 1964, y se lo conoce por participar en varias series de televisión. Su carrera artística se inició cuando un agente lo descubrió en Berlín; su primer papel fue en la película The Innocent, protagonizada por Anthony Hopkins y filmada en Alemania. Estudió matemáticas en la Academia Militar de West Point en Estados Unidos y participó en la operación Tormenta del Desierto prestando servicio a su país. Habla alemán en forma perfecta y esto gracias a que estuvo cinco años en Alemania con el ejército estadounidense. Durante su participación en la serie Frínge, se enamoró de Anna Torv (Olivia Dunham) y se casaron en una ceremonia secreta, pero el romance duró menos de dos años. Se hizo popular gracias a su papel de Brade Chase en la serie Boston Legal. Actualmente protagoniza la serie de Warner Channel, Human Target, donde hace todas sus escenas de acción y no usa dobles.

Un filme del director Ang Lee se asemeja al libro de Elizabeth Gilbert, no por su contenido sino por su título: Comer, beber y amar, una comedia que se estrenó en 1994 y fue nominada al Osear y al Globo de Oro como mejor película de habla no inglesa.
El placer de viajar apesárele lodo.
“Un viaje despierta en mí lo mismo que siente una madre por su bebé insoportable, diarreieoy nervioso: me importa un bledo lo que me haga sufrir”, Elizabeth Gilberc, Comer rezar amar.
Parecido no es lo mismo.

Tercera parada Indonesia (amar).
Gilbert viajó por primera vez a Bali cuando la directora de una revista le pidió que fuera a ese lugar para escribir un artículo sobre el yoga como opción vacacional. Allí conoció a un profesor de yoga que también podía hacer de curandero. Este hombre le dijo unas cuantas cosas sobre su vida como que se casaría, tendría una hija y, lo que más le llamó la atención, que un día regresaría a Bali y viviría en su casa. Esta predicción hizo que Gilbert sintiera la necesidad de incluir este lugar en su itinerario de viaje, cuando decidió irse un año a visitar otros países. Así fue que luego de recorrer Italia y la India, regresó a Bali para pasar los últimos cuatro meses de su travesía. En esta ciudad conoció a Felipe, un brasileño del que finalmente se enamora, encarnado por Javier Bardem. Una vez que se definió que el español sería Felipe, solo restaba decidir quién interpretaría al otro personaje clave de esta etapa: el profesor de yoga y curandero de Bali, Ketut Liyer. El encargado de llevar adelante este rol apareció una tarde, en un hotel en Yakarta (Indonesia). Era un flautista, llamado Hadi Subiyanto, que captó la atención de los encargados del filme, que se acercaron a preguntarle si le gustaría quedarse con el personaje. El flautista no solo no era actor y, por ende, nunca había actuado, sino que tampoco sabía quién era Julia Roberts. Después de las explicaciones del caso, Subiyanto viajó a Bali para sumarse a la filmación de esta película. Ésta es una gran ocasión para mí… Es la segunda gran cosa que ha ocurrido en mi vida. Primero nací, y ahora esto. Estoy muy contento”, dijo el flautista.

Segunda parada India (rezar).
Liz llega a la India para estar tranquila, explorar “el arte de la devoción” y pisar el freno. “Ella no debe tratar de controlar las cosas. Simplemente debe parar”, comenta uno de los productores de la película. La mayor parte de este tramo de la cinta se realizó dentro de un Ashram, una comunidad típica del hinduismo en la que convive un guía espiritual junto a sus discípulos. Los realizadores de esta historia contaron que fue difícil encontrar uno donde se pudiera filmar debido a las devotas prácticas hindúes en la India. Finalmente, después de recorrer todo el país encontraron un Ashram que les permitiría filmar en su interior siempre y cuando no se interrumpieran las actividades diarias del mismo. “Siempre que se filma en una organización espiritual o religiosa, esto representa un reto. Tenemos un trabajo, pero también captamos algo muy personal, así que debemos asegurarnos de hacerlo respetuosa y correctamente. Todo el equipo estaba constantemente consciente de las costumbres que se debían observar dentro y fuera de la película”, comentó el productor ejecutivo, Stan Wlodkowski.

El libro como guia.
El best-seller de Gilbertr fue elegido entre los cien mejores libros del 2006 por el New York Times, ha sido traducido a más de 40 idiomas y .se mantiene entre los más vendidos con más de seis millones de copias vendidas en Estados Unidos. Para ser lo más fieles posibles con esta historia, durante la elaboración del guión del filme, el director y el guionista de la película tuvieron un intercambio constante con la autora del libro. “Siempre que surgía una pregunta sobre la mol¡pación delpeisonitje (interpretado por Julia Roberts), tenia una excelente aliada en la autora misma”, contó Murphy.

Primera parada Italia (comer).
Una vez que decide armar las valijas para huir de Nueva York, el primer destino -del personaje interpretado por Julia Roberts- es Roma. Luego de darse el gusto de aprender italiano en Estados Unidos, Liz continúa estudiando este idioma en el país con forma de bota. Allí descubrirá la satisfacción por el “bel far niente” (la belleza de no hacer nada) y el valor del placer, sobre todo, por una buena conversación en italiano y por la comida, una de las grandes protagonistas de esta parte de la película. Aquí tuvo un papel fundamental la experta en gastronomía, Susan Spungen, quien ya había trabajado en el filme Julie & Julia. Spungen participó en toda la filmación de la secuencia de Roma como proveedora de todos los platos que aparecen en la pantalla, entre los que se destacan los clásicos italianos: pasta, pizza y gelato. Según la propia Julia Roberts, la comida que se ve en el filme fue preparada en el momento para que resaltara más y parece que no estaba nada mal, ya que la actriz ha confesado que engordó cinco kilos durante el rodaje y que podía llegar a comer cuatro pizzas al día.

Un elemento para cada lugar.
Los encargados de la película querían que las imágenes plasmadas en la pantalla reforzaran la historia y los rasgos de los personajes. Por eso el diseñador de producción, Bill Groom, y el diseñador de vestuario, Michael Dennison, pensaron que Comer rezar anuir requería cuatro apariencias, una para cada locación de la cinta (Nueva York, Roma, India y Bali). Luego de visitar los lugares mencionados en el libro de Gilbert, Groom llegó a la conclusión que se inspirarían en los cuatro elemenros -Tierra, Aire, Fuego y Agua- para representar la apariencia de los diferentes mundos de Nueva York, Roma, India y Bali, respectivamente.

Además de intentar filmar en los sitios reales, los encargados de la película también concluyeron que debían respetar el orden cronológico del viaje de Gilbert; la despedida de Nueva York para partir a Roma, luego a la India y, finalmente, llegar a Bali. Así fue que el primer desafío consistió en organizar el calendario de filmación de forma de contar con la disponibilidad de los equipos de trabajo y de los actores, sobre todo de Julia Roberts que por ser la encargada de interpretar a Gilbert es quien lleva adelante la historia y protagoniza todas las escenas de la película. Otro reto fue adaptar los lugares para llevar a cabo la filmación, ya que algunas locaciones tenían una infraestructura preparada para recibir un rodaje porque habían sido anfitrionas de muchas películas, pero otras, como Bali, jamás habían tenido una filmación de esta magnitud. “Cuando empezamos a filmar en Nueva York siempre tuvimos una agencia de producción abierta en algún lugar del mundo. La película estaba abierta para negocios las 24 horas del día. Teníamos agencias de elenco, departamentos de arte, de construcción y de guardarropa por todo el planeta”, recuerda Gardner, uno de los productores.

Cuando supe que iba a tener que escribir el informe sobre Comer rezar amar decidí comprarme el libro, titulado de esa forma, en el que se basó la película. Confieso que el título, al mejor estilo libro de autoayuda, no me atraía en lo más mínimo. Sin embargo, me llevé una sorpresa; me resultó entretenido. No tanto por la posibilidad de ver cómo Elizabeth Gilbert, la protagonista de esta historia autobiográfica, decide empezar una búsqueda para redescubrirse y recuperarse de un interminable divorcio y una posterior relación caprichosa; sino como guía de viaje. De forma amena, Gilbert nos acerca tres culturas y realidades cuando -luego de lograr que su marido firme el divorcio- decide tomarse un año para dejar Nueva York y establecerse en tres países: Italia, la India e Indonesia, cuatro meses en cada uno. Si bien es probable que la película no profundice mucho en las peculiaridades de estos tres lugares y sus pequeñas anécdotas, visualmente promete, ya que tendremos la posibilidad de ver en la pantalla algunas zonas donde transcurrió parte de esta historia. El director del filme, Ryan Murphy (conocido por su trabajo en series como G/ee o Nip/Tuck) dijo que para él no había otra opción que filmar en los lugares que Gilbert había estado. “Invertimos mucho tiempo en la preproducción, viajando a distintos países tres veces para encontrarlas locaciones exactas”, contó Murphy y agregó que fue sencillo filmar en Roma, porque se dedicaron a recorrer los sitios más famosos que visitó la autora de esta historia. Sin embargo, a pesar de las intenciones del director, no siempre fue posible rodar en los lugares exactos. “Si no podíamos filmar en un lugar real por razones fuera de nuestro control, sacábamos una gran cantidad de fotos para después recrearlo. Debido a que el libro es muy conocido y, como director, para mí era esencial ser auténtico sobre los lugares donde ella estuvo”, explicó Murphy.

Comer rezar amar.
Perderse para encontrarse.
Hay quienes dicen que la lectura es el viaje de los eme no pueden tomar el tren; por eso el director de Comer rezar amar promete no despegarse de la historia inspiró esta película para recorrer talia, la India y Bali con todos aquellos que no pueden lubirse al avión.
Si no podíamos filmar en un lugar real por razones mera de nuestro eontrol, sacábamos una gran cantidad de fotos para después recrearlo.

UN CUENTO POLAR.
En el vasto reino nevado de uno de tos extremos del mundo, Un cuento polar es una aventura de la vida real de quienes produjeron La marcha de los pingüinos. Narrada en inglés por Queen Latifah, la película cuenta la historia de dos criaturas árticas muy diferentes: Nanu, una cachorra de oso polar, y Seela, una cría de morsa. Con solo sus instintos naturales y la guía de la madre, estos animales enfrentan innumerables peligros en un mundo de hielo que está derritiéndose rápidamente bajo sus pies. Dirigida por Adam Ravetch y Sarah Robertson. Por Natgeo.

JUMPER.
Del director de The Bourne Identity y Mr. & Mrs. Smith. Con Hayden Christensen; Samuel L. Jackson; Rachel Bilson; Jamie Bell; Diane Lañe. Por una anomalía genética David Rice es capaz de tele-transportarse adonde desee y usará ese poder para descubrir quién asesinó a su madre. Por Canal Fox.

2012.
En el año 2012, como lo predijo el antiguo calendario maya, un cataclismo hace que el mundo como lo conocemos llegue a su fin. En el medio de los eventos apocalípticos, el escritor Tony Curtís emprende un desesperado. viaje para salvar a su familia. Una película de Roland Emmerich, el director de El día de la independencia, Godzilla y El día después de mañana. Por HBO, estreno domingo 19 de setiembre

NADIE ACABARÁ CON LOS LIBROS.
Dos de los intelectuales más destacados de Europa hablan del pasado, presente y futuro del libro. Un nuevo libro sobre libros o, más bien, un monólogo a dos voces, las de Umberto Eco, novelista y semiólogo, y Jean-Claude Carriére, dramaturgo y guionista, que, entrevistados por Jean-Philippe de Tonnac, comparten con el lector sus reflexiones sobre el mundo del libro. A través de sus recuerdos, anecdotario e íntimas descripciones, cuentan la relación que han establecido con la escritura, la bibliofilia y la cultura en general. Pero Eco y Carriére apuntan también muchas de las desventajas de las nuevas tecnologías, desventajas que hacen que la vida del libro en papel quede resguardada de cara al futuro.

EL APRENDIZ DE VAMPIRO.
El escritor Darren Shan publicó El aprendiz de vampiro en el año 2000, cuando el furor por los vampiros no era tan notorio como en la actualidad. Este ameno libro, para aquellos a quienes les gusta ingresar en mundos fantásticos habitados por monstruos incomprendidos y extrañas criaturas nocturnas, gira alrededor de un adolescente de 16 años que lleva el mismo nombre que el autor y se describe como “un vampiro a medias”, aunque no siempre fue así.
Darren era un joven común y corriente hasta que concurre al “Circo de los extraños” junto a su mejor amigo Steve Leopard. Allí la historia dará un vuelco de 180 grados cuando, sin saber, rompe una tregua establecida hace más de 200 años entre dos líneas enemigas de vampiros.
Luego del éxito alcanzado por la saga Crepúsculo, Universal se decidió a realizar la adaptación cinematográfica que se tituló igual que el libro. La película fue dirigida por Paul Weitz y protagonizada por John C Reilly y Chris Massoglia.

RECUÉRDAME.
Título original: Remember Me.
Director: Alien Coulter.
Con: Robert Pattinson, Emilie de Ravin.
Género: Drama/ Romance.
Edita: Censa.
Tyler (Robert Pattinson) es un joven rebelde que tiene una relación complicada con su padre y piensa que nadie más puede entender por lo que pasa, hasta que conoce a Ally y se da cuenta de que existe esa persona con quien compartir todo. Una historia que nos muestra el poder del amor, la fuerza de la familia y la importancia de vivir apasionadamente cada día en la vida.

EL RATÓN PÉREZ 2.
Título original: El Ratón Pérez 2
Director: Andrés G. Schaer.
Con: Alejandro Awada, Mará Campanelli, Roly Serrano.
Género: Infantil Edita: RBS
Lucas es un niño de 8 años que quiere saber cómo hace el Ratón Pérez para cambiar dientes por monedas sin que ningún niño pueda verlo. En el intento por satisfacer su curiosidad, sin querer ayudará a que Pérez caiga en manos de Gil Penkoff, un inescrupuloso empresario que buscará hacerse millonario vendiendo al mundo los secretos del mítico ratón.

QUERIDO JOHN.
Título original: Dear John.
Director: Lasse Hallstróm Con: Channing Tatum, Amanda Seyfried.
Género: Drama/romance.
Edita: Censa.
John Tyree (Channning Tatum) es un joven soldado, y Savannah Curtis (Amanda Seyfried), una universitaria idealista de la que se enamora John. Durante los siguientes siete tumultuosos años, la pareja es separada por las cada vez más peligrosas asignaciones de John. La pareja se reúne esporádicamente pero mantiene el contacto a través de una cadena de cartas de amor; las mismas que, eventualmente, desatan consecuencias fatales.

CONSPIRACIÓN MILITAR.
Título original: The Way of War.
Director: John Cárter.
Con: Cuba Gooding Jr., J.K.
Simmons, J. Ornar Castro.
Género: Acción.
Edita: RBS.
Wolfe es un agente que trabaja para los servicios secretos estadounidenses. Le asignan una riesgosa misión que consiste en asesinar a un peligroso terrorista en Oriente Medio. Mientras intenta cumplir sus órdenes, descubre una siniestra conspiración que involucra a miembros destacados del gobierno estadounidense. Intentará llegar al fondo del asunto, si antes no lo quitan de en medio.

Wall Street: Money Never Sleeps.
EEUU, 127 min.
Director: Oliver Stone.
Reparto: Shia LeBeouf, Michael Douglas, Charlie Sheen.
Género: drama, thriller.
Wall street 2 El dinero nunca duerme.
El director Oliver Stone retoma un proyecto de 1987 sobre Wall Street, que mezcla la crisis económica global y el asesinato de una leyenda de la bolsa.
En 1987 Michael Douglas, Charlie Sheen y Martin Sheen protagonizaron una película sobre Wall Street y el mercado de valores. Este año, Oliver Stone crea una nueva historia que actúa como una especie de secuela, cuyos protagonistas habían sido aprendices en la primera película y ahora serán los mentores de Jacob Moore (Shia LeBeouf – Transformers). La historia corre en una época en que la economía global está al punto del colapso. En estas circunstancias, un joven y talentoso corredor de bolsa (LeBeouf) une fuerzas con una leyenda viviente de Wall Street (Douglas) para alertar a la comunidad económica del desastre inminente. Además, tutor y aprendiz intentarán descubrir quién está detrás del asesinato del antiguo mentor del joven y, lo que es más importante, qué relación tiene ese caso con el caos económico global.

Grown Ups.
EEUU, 102 min.
Director: Dennis Dugan.
Reparto: Adam Sandler, Chris Rock, Kevin James, Rob Schneider, David Spade, Steve Buscemi.
Género: comedia.
Son como niños.
El director Dennis Dugan retoma su trabajo junto a Adam Sandler (juntos hicieron No te metas con Zohan, Los declaro marido y Larry, etc.) en lo que podría ser una de las grandes comedias del 2010
La película reúne a Sandler, Chris Rock, Kevin James, Rob Schneider, David Spade y Steve Buscemi y trata sobre cinco amigos íntimos de la secundaria que se vuelven a juntar 30 años después para compartir un fin de semana con motivo del 4 de julio. Hace años que no se ven, pero Lenny, Kurt, Eric, Marcus y Rob comparten esa amistad única en la que el paso del tiempo no es percibido. Como ya son “mayores” (como indica el título en inglés), este grupo de amigos decide reunirse junto a sus esposas y niños en una cabana junto a un lago. Mucho ha pasado desde la secundaria en el amor y lo laboral, lo que mantendrá a este grupete muy ocupado en conversaciones que descubrirán más de lo que salta a la vista. El recuerdo y añoranza de la juventud y días pasados obligarán a que cada uno de ellos analice si su vida actual era todo cuanto esperaban en la adolescencia y, de no coincidir, tomar cartas en el asunto para buscar aquello que anhelaban.

SIEMPRE A SU LADO.
Título original: Hachiko.
Director: Lasse Hallstróm Con: Richard Gere, Joan Alien Género:
Drama/romance.
Edita: Timesur.
El profesor Parker Wilson es un distinguido académico que descubre un perro perdido de raza Akita en su camino de regreso a casa. A pesar de las protestas iniciales de su esposa, el animal se gana el cariño de la familia Wilson y se convierte en un fiel compañero de Parker. A medida que su vínculo crece, nace una hermosa amistad que encarna el verdadero espíritu de familia y lealtad, e inspira los corazones de todos los habitantes del pueblo.

Nanny McPhee Returns.
EEUU, Francia, Reino Unido, 109 min.
Director: Sussana While.
Reparto: Ewan McGregor Ralph Fiennes, Maggie Gyllenhaal, Emma Thompson .
Género: comedia familiar.
El regreso de la nana mágica.
Emma Thompson retoma su ya clásico personaje en la segunda entrega de la nana McPhee, una película llena de magia, ideal para disfrutar en familia.
La nana McPhee es conocida por llegar a los hogares de las buenas personas que precisan de su ayuda. En esta secuela, la nana (Emma Thompson – Más extraño que la ficción) arriba a una granja, donde una madre (Maggie Gyllenhaal – Batman: El caballero de la noche) intenta salvar el negocio y sustento de la familia y a la vez educar a sus cinco hijos, sin la ayuda de su esposo que ha partido a la guerra. Ademas, debe lidiar con dos sobrinas muy mal educadas que piensan quedarse todo el verano.
Arribando en su motocicleta voladora y utilizando algunos de sus trucos y artefactos mágicos, la nana McPhee pondrá el lugar en orden y enseñará a estas dos detestables brujas, no una, sino cinco lecciones que nunca olvidarán.

¿Cómo están Brad y la familia?
Muy bien, gracias. Cuando tenes niños, te mantienen ocupada, te hacen reír y son el centro de tu mundo. Y esa es la forma en que debe ser. Estamos muy felices.

¿Qué opinas sobre la ayuda humanitaria y la política exterior de la administración de Obama?
Creo que hay buenas intenciones y buena voluntad, se han hecho muchas declaraciones fuertes. Espero que muchas de esas declaraciones se conviertan en acción verdadera. Pienso que debe ser el trabajo más difícil en el mundo encabezar un gobierno y responder todas las preguntas al mismo tiempo; hay ciertas cosas que buscamos y por las que esperamos una respuesta.

Guionistas se rompen la cabeza no para ver cómo relacionar la historia de Jigsaw, sus porqués y los herederos de su “obra”, sino para pensar nuevas y morbosas trampas mortales. Siete películas y ni una técnica repetida, ¿dónde se documentarán esos profesionales?
Pero la pregunta sigue sin respuesta. No se explica cómo una franquicia de terror, violenta, truculenta, explícita a más no poder, ha conquistado el corazón del público. Dicen que la crónica roja de los noticieros es el segmento que más raiting genera, seguramente tenga su que ver. ¿Será que las personas somos morbosas por naturaleza? ¿Quién no ha detenido la marcha cuando ve que hubo un accidente de auto? ¿Es un reflejo? ¿Qué necesidad buscamos satisfacer? ¿Existe una necesidad?

Lo curioso de este galardón y del éxito de El juego del miedo es que irónicamente, el género de terror es el único al que no le interesa ser “catch air. Los genios del terror trabajan para un público muy específico de seguidores amantes de la violencia y la sangre. A diferencia de géneros como la ciencia ficción, la comedia o la acción, donde por lo general se colocan actores de renombre que expandan el atractivo para aumentar el abanico del público objetivo, el terror no piensa en la familia ni en los niños. Por eso los grandes clásicos de este género son considerados como películas de culto entre sus seguidores. Entonces, ¿cómo llegamos a U$S 730 millones recaudados? Lo más increíble de esta franquicia y su éxito, a pesar de los intentos de misterio y tintes de thriller insertos en la historia, es que a fin de cuentas, es una película violenta porque sí. Similar al caso de Hostel, aunque esta historia tenga menos sustento.

Terror, sangre y billetes.
El estreno de la séptima película de la saga El juego del miedo (Saw, estrenada en el 2004) marcará su ingreso al libro Guinness de los récords por ser la franquicia de terror y suspenso más exitosa en la historia del cine. En este caso, el éxito se mide con los dólares recaudados: 730 millones, dejando en el olvido a clásicos como Pesadilla y Martes 13 (con sus respectivos remakes este año).
He visto las tres primeras entregas de este fenómeno del terror y con eso me alcanzó para entender el mensaje que promulgan. Aunque en realidad lo había captado en los primeros cinco minutos de la primera película (el macaco en el triciclo lo explica sin vueltas). Mi punto: ¿son necesarias siete películas sobre lo mismo? No. Pero es obvio que estoy errado.

Mel Gibson protagoniza otro accidente.
Semanas pasadas Mel Gibson sufrió un accidente de tránsito en Malibú, del que salió ileso. El actor perdió el control de su Maserati y chocó contra la ladera de una montaña. La policía determinó que el actor no había estado bebiendo alcohol. El informe policial dice que “por razones desconocidas, el señor Gibson quiso dirigir su vehículo hacia la derecha y chocó contra unas rocas”. Gibson no contaba con un teléfono celular al momento del accidente y según su propia declaración no pudo asegurar si se había quedado dormido. Luego del accidente, el Maserati del actor fue remolcado por una grúa. Hace unos cuatro años, Gibson fue detenido en la misma carretera mientras conducía su Lexus LS con un nivel de alcohol en sangre de 0,12 % a más de 160 kilómetros por hora; además tenía una botella de tequila en el coche.

Lo nuevo de Clint Eastwood.
Hereafter es el título de la nueva película dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Matt Damon sobre personas que sufrieron experiencias relacionadas con la muerte o la vida después de la muerte y cerrará el Festival de Cine de Nueva York. El filme, que también cuenta con la actriz belga Cecile de France y el guionista Peter Morgan, se presentará en el festival que comienza este 24 de setiembre junto a otras 27 películas. Morgan escribió el guión de destacadas películas como The Queen y Frost/Nixon.

Drexler le pone música a otra película y prepara su debut como actor.
Se acaba de estrenar el videoclip de Que el soneto nos tome por sorpresa, la canción especialmente compuesta por Jorge Drexler para la banda sonora de la película española Lope. La grabación ha sido dirigida por el propio Andrucha Waddington, director de la película, quien ya ha realizado videoclips para otros grandes artistas de Brasil como Caetano Veloso, Gilberto Gil y Paralamas do Sucesso. La película es protagonizada por la pareja española de Drexler, Leonor Watling. La cinta cuenta la historia de Lope de Vega, uno de los poetas y dramaturgos más importantes del siglo de oro español. También, durante este mes el cantautor presentará su nuevo disco, Amarla trama, y el documental sobre su gira Un instante preciso. Y atención: el próximo año debutará como actor, al protagonizar una película del argentino Daniel Burman, All In, junto a Soledad Villamil.

Desnudos para la Rolling.
El triángulo amoroso de la serie de HBO True Blood, conformado por Sookie (Anna Paquin), Bill (Stephen Moyer) y Eric (Alexander Skaarsgard), posó para la portada de la edición de setiembre de la revista norteamericana Rolling Stone. Cubiertos de sangre en sus cuerpos, el trío aparece completamente desnudo y reveló secretos de la serie. Moyer ofrece una elaborada teoría sobre por qué son tan atractivos los vampiros (tanto los True Blood, como los de la saga Crepúsculo). “Los vampiros crean un agujero en el cuello que la víctima no tenía”, dice el actor. “Es algo parecido a quitarle la virginidad a alguien. Después de eso, se bebe la sangre virgen. Y hay algo fuerte, como el colmillo, que penetra en la persona atacada. Eso, para mí es muy sexy”, comentó.

La cantante Katy Perry ha desechado el “alias” que usaba para proteger su privacidad mientras viaja por el mundo. Este consistía en el nombre de una prostituta de un programa de televisión llamado Strangers with Candy. La cantante confesó que se cambia el nombre cada vez que se registra en hoteles. Durante los dos últimos años se ha estado llamando Jerri Blank, personaje controversial interpretado por Amy Sedaris en la serie de 1990. Ahora que Katy reveló su alias, comenta que deberá buscar uno nuevo para reemplazarlo. “Se los conté porque es un alias que he usado durante dos años. Deberé inventarme uno muy bueno para sustituir el que ya no usaré”, dijo a la prensa.

La prensa mundial no habla de otra cosa: parece que George Clooney y Angelina Jolie podrían intepretar a Frank Sinatra y Marilyn Monroe respectivamente en la adaptación de una novela de próxima publicación titulada, The Life and Opinions of Maf the Dog, and of His Friend, Marilyn Monroe, según informa el diario The Times. El libro, escrito por Andrew O’Hagan, saldrá a la venta el próximo mes de diciembre, y en él se narra la biografía de Marilyn Monroe vista a través de los ojos de su perrita Terrier maltesa llamada Mafia Honey (Maf), precisamente un regalo de Sinatra en el año 1960. El autor del libro anunció esta noticia en el Festival Internacional del libro de Edimburgo (Reino Unido), aunque aún no se reveló qué director y guionista se encargarán del film. El libro narra cómo Maf conoció a diversos personajes influyentes como John F. Kennedy o el escritor Arthur Miller. La historia entre el mito y la perrita no es que fuera demasiado larga, ya que la actriz falleció cuando la mascota apenas tenía 3 años, en 1962.

Lo que, en lo personal, me transmitió la película, es que hay experiencias o secretos que deben permanecer ocultos o enterrados y que si se sacan a la luz, se pueden transformar en una obsesión, claramente es lo que le sucede al protagonista. También se puede ver que hay recuerdos que, una vez pasado el tiempo de duelo, se deben dejar libres, y si tratamos de aferramos a esos recuerdos, estos se convierten en una prisión que nos hace vivir en un sueño y no nos permite vivir en la vida real, ahogándonos y obsesionándonos.
En cuanto al sonido estridente que aparece en algunas escenas, es explicable si lo asociamos a las distorsiones que aparecen en otras realidades alternas, como en Matrix, cuando hay un cambio en la realidad, este se presenta como un déjá vú, en Piso 13, el cambio se presenta como algo que no está relacionado con el entorno. Aquí, el sonido, identifica o señala al soñador que algo en su sueño ha cambiado o que hay un elemento ajeno a su sueño que no debería estar ahí. En definitiva, se podría tomar como un mecanismo del inconsciente ante un elemento invasivo. Una película llena de acción y tensión que por momentos nos mantiene agarrados de las butacas, buena fotografía y efectos visuales, un buen mensaje que nos hace cuestionar nuestra propia mente, un guión que por momentos deja un poco que desear, pero un film disfrutable, dos horas veinte que no llegan a pesar, sino que pasan bastante rápido. Al final, bueno… saquen sus propias conclusiones.

Realidad. Qué realidad…
“La realidad, Sancho, depende del punto de vista de cada uno.” Le dijo Don Quijote a su amigo. Y esto nos lleva a la nueva película de Christopher Nolan protagonizada por DiCaprio: Inception. Si bien se pueden apreciar en la película influencias de, por ejemplo, La celda, película protagonizada por Jennifer López, donde la actriz encarna una policía que, junto a su compañero, deben ingresar al subconsciente de un delincuente (encarnado por Vincent Donofrio) a través de una máquina experimental, para descubrir el paradero de una de sus víctimas; Matrix, en algunas secuencias de lucha y en algunos conceptos; y finalmente Piso 13, donde científicos crean una realidad alternativa, la cual visitan, pero a su vez ellos también habitan en una realidad creada por otro científico. Todos estos elementos se reúnen en la nueva producción de DiCaprio, la cual puede (y no discrepo) recibir innumerables críticas con respecto a los clichés utilizados en numerosas películas. Pero más allá de lo que se pueda argumentar con respecto a los recursos que utilizó Nolan, como las influencias a las que hacía referencia, los clichés y el final (que me niego a revelar), la película apunta a un mensaje, creo yo, bastante concreto, y se podría pensar que el canal, en este caso el filme, no es tan importante como el mensaje que transmite. Un guión y un argumento bastante simples, desborde de efectos especiales, sonidos que crispan los nervios (a los que haré referencia más adelante), confluyen para que nosotros, como espectadores, nos cuestionemos nuestro propio subconsciente.

Harry Potter será seguramente una de las series que más influencia y vivencias van a traer para una generación entera. El éxito sin precedentes de esta serie está por llegar a su final. Los productores, ni lentos ni perezosos, decidieron dividir la última película en dos partes, la primera llega en noviembre. Por si esto fuera poco, también viene en 3D, si sos fanático anda viendo cuándo ponen las entradas a la venta. En este número te traemos un adelanto sobre esta primera parte del final de Harry Potter. Es justo sobre Hermione y sobre Bella (el personaje principal de la saga Crepúsculo) que nos habla en la nueva columna Chic Flick.

Quitando los aspectos estrictamente técnicos podríamos decir que la calificación de una película como buena o mala es una apreciación netamente subjetiva y seguramente variable. Osea, la misma persona que califica una película como buena hoy, podría haberla calificado como mala tiempo atrás. Es que el cine genera emociones de todo tipo, y justamente las personas reciben y procesan las emociones de distinta manera, dependiendo de infinidad de variables. Volver al Futuro es una de esas películas que de sólo recordarlas me roban una sonrisa. Con sólo imaginarme un par de escenas me llevan en un viaje por el tiempo al lugar y el día donde las vi. Las películas muchas veces son más que películas, son sensaciones que uno vivió cuando las vio, son momentos que estaba viviendo en ese entonces. Esta trilogía cumple 25 años y fue una de las sagas más importantes en la historia del cine de ciencia ficción.

Me da la impresión de que los uruguayos ven películas nacionales por el simple hecho, valga la redundancia, de ser nacionales. No es el tema lo que nos atrae, sino el saber que se trata de una película filmada en nuestro país, y que quizá aparezca en pantalla algún lugar conocido en el cual estuvimos. Sería bueno que los cineastas uruguayos se inclinaran más hacia el lado de la ciencia ficción, del terror, o el suspenso, cosa que parece imposible pero no lo es. Si no vean el ejemplo de “Ataque de pánico”, cuando se creía que el tema económico podría resultar un obstáculo para el desarrollo de nuestro cine nacional, este video demostró lo contrario. Lo único que hace falta es una cabeza con ideas frescas, dispuesta a plasmarlas en la pantalla grande.
Creo que estamos desaprovechando muchos lugares de nuestro país que podrían, perfectamente, ser escenario del próximo éxito uruguayo.

Sinceramente no soy aficionado al cine nacional, no es que me gusten solamente las pelis de Hollywood, porque para mí hay filmes extranjeros que son muy buenos; La vida es bella, Amores perros, Goodbye Lenin y muchos otros. El cine uruguayo en general genera pocas emociones en el espectador. Creo que ese es uno de los motivos por los cuales no me parece tan atractivo. Aunque hubo dos filmes uruguayos que me gustaron bastante: El viaje hacia el mar y El baño del papa, curiosamente ambos cuentan con el mismo actor protagónico: César Troncoso. Por lo cual creo que en, línea general, el cine nacional no cuenta con malas actuaciones. A mí me gustaría que se tocaran otros temas de mayor interés social como la violencia en los jóvenes, las drogas, la marginación entre adolescentes, algo así como aquella Vida rápida, pero mejor aun. Hay buen material para exponer, así que en mi opinión el cine nacional puede y debe mejorar.

Te damos la posibilidad de ganarte, El aprendiz de vampiro de Darren Shan o Nadie acabará con los libros de Umberto Eco y Jean-Claude Carriére. Para llevarte el libro de Shan nos tenes que escribir los comentarios en este post sobre el furor por los vampiros que generó la saga Crepúsculo. Si querés participar por el de Eco y Jean-Claude Carriére tenes que escribirnos sobre los libros electrónicos vs los libros impresos. La mejor carta se llevará uno de estos dos libros.

En este caso te proponemos que nos escribas unos comentarios con temas relacionados con el cine.
Si no se te ocurre sobre qué podes escribirnos, te proponemos que nos cuentes tu opinión sobre los temas olvidados (o poco comunes) que te gustaría ver en el cine. Los que quieran salirse del libreto y escribir sobre otro tema, adelante. Los ganadores se llevarán de regalo DVD (que hemos destacado a lo largo del año en nuestra sección) y entradas para el cine. Es importante la capacidad de síntesis y la calidad de expresión. No duden en hacernos llegar sus comentarios, opiniones y ¡gustos y disgustos del cine!

Sin embargo, no todo ha sido negativo. La actriz consiguió quedarse con el papel de Mary Jane Watson, la novia de Peter Parker, en las películas de Spiderman ¡rígidas por Sam Raimi. Justamente, una de las escenas más recordadas de estas cintas es el beso que protagonizó junto a su co-protagonista, Tobey Maguire, por el que recibieron el premio MTV al Mejor beso. Además actuó en Jumanji junto a Robin Williams, en La sonrisa de Mona Lisa con Julia Roberts y en Las vírgenes suicidas y María Antonieta de Sofía Coppola, entre otras.
En la actualidad se encuentra preparando dos películas que llegarán a los cines el año que viene: On the Road junto a Kristen Stewart y Planet Melancholia de Lars Von Trier.

Kirsten Dunst.
Kirsten Dunst dio sus primeros pasos a los 3 años de edad en comerciales de televisión, y ocho años después tuvo su primer beso en la pantalla grande, nada menos que con Brad Pitt en Entrevista con el vampiro, película por la que fue nominada a los Globos de Oro.
Tentras varias actrices de Hollywood se han visto envueltas en polémicas por adicciones o problemas familiares, el mayor revuelo alrededor de Dunst se generó por su apariencia física. La actriz fue elegida entre as más feas de Hollywood, algo que dio que hablar a sus seguidores y detractores. Otro aspecto que apareció en todos los medios fue su lucha contra la depresión, cuando a principios de 2008 empezó un tratamiento.

¿Qué ocurre con tu trabajo en la ONU actualmente?
Cuando tengo mucho tiempo puedo hacer más cosas en ese campo. La mayoría de mi trabajo no se trata sólo de apoyar a la ONU, sino tratar de difundir una buena educación para que puedan ocurrir las cosas de otra forma, ya sea que se trate de niños vulnerables, o desplazados o de desastres naturales, trato de estar en un lugar donde he conocido personas y tengo las conexiones con personas maravillosas que hacen este trabajo diariamente para obtener una respuesta y entender exactamente lo que se necesita hacer y lo que está ocurriendo. Y esto fue una cosa grandiosa en este último año. He investigado más y he tratado de entender problemas como el de Somalia y Haití, y no se trata solamente de atraer la atención, sino específicamente de cómo vamos a encargarnos de todos los huérfanos y niños solos. Trabajo con un grupo llamado KIND, que ayuda a los niños desplazados para que obtengan los servicios de abogados pro bono y ellos trabajan con otro grupo que se enfoca en los niños vulnerables. Así que ahora en vez de ir a un país, trato de ir a un lugar con un plan de acción muy específico, y no solo donar a uno o dos grupos, como hacía en el pasado, sino tratar de descubrir las piezas que faltan, algo que puede ser una ley de protección para los niños, así que cuando regrese a Haití voy a llevar a unos abogados especialistas en niños para que me ayuden a entender lo que falta en la ley y tratar de encargarse de una constitución futura para estos niños.

¿A tus niños les gusta verte hacer todas estas cosas?
Todos son diferentes, pero a los mayores sí les gusta. Venían y veían todos estos equipos y solo querían jugar con ellos. Asi que se enganchaban a estas cosas y volaban a través del escenario y jugaban mucho cuando venían de visita. Podían jugar con sangre falsa y fingir que tenían cortes y moretones que les hacían en el departamento de maquillaje, así que se divirtieron mucho.

Me enteré que te lastimaste. ¿Qué sucedió?
Era lo primero que haríamos en la mañana y pensé “esto será como un dulce”. Salté al interior disparando y de alguna forma choqué directamente contra esta cornisa que estaba como a un pie sobre el piso, me golpeó justo entre los ojos y me hizo un corte. Después de una curación en el set, me llevaron al hospital para una revisión. Estaba bien. Tenía un corte en mi cabeza y lo cubrieron con un parche. Estaba de regreso ese mismo día para filmar acrobacias. Y es gracioso, porque en las escenas posteriores mi nariz está fracturada y tengo muchos cortes, así que ni siquiera tuvimos que tratar de simular eso, combinó perfectamente.

¿Conociste a algunos agentes reales de la CIA?
Sí, conocí a unas mujeres, eran de apariencia dulce, complexión pequeña, de ojos azules y cabello rubio, parecía que podían ser dueñas de una pequeña tienda en High Street o quizá ser maestras en Ohio. Pero una vez que empiezas a hablar con ellas, podes ver cómo se manejan dentro de este mundo increíblemente demandante y a la vez peligroso. Una de las cosas que me contaron fue que como mujeres tenían muchas dificultades para manejar sus relaciones personales, que lo más difícil es tener un trabajo sobre el cual no puedes hablar en absoluto con tu esposo. Me dijeron que mantener un seguimiento de las mentiras era muy duro y esto las hacía sentirse distantes de las personas fuera de la CÍA. Y creo que como mujer, esto es un poco más duro, pues la naturaleza femenina es ser más emotiva y es muy difícil no poder compartir y hablar.

¿Es enriquecedor realizar toda esa actividad física?
Sí, ciertamente lo es, para todos nosotros, no solo para mí. Es como cuando las personas van al gimnasio, es como estar en contacto con esa parte fundamental de ti mismo, que te ayuda a estar centrado y a responder todas estas cosas. Cuando me visitaron para hablar por primera vez sobre la película, acababa de tener a los gemelos y estaba en mi casa en camisón, sintiéndome muy tierna y maternal. Recuerdo que estaba con ellos en mi habitación, ya sabes, como ocurre en las primeras semanas cuando acabas de dar a luz, y cuando hojeé el guión y vi que se trataba de salir y atacar y hacer mucha actividad física, realmente me hizo gracia, yo en camisón en mi habitación, pensando “si puedo hacer esto sería un equilibrio agradable…” Es decir, ser una mamá y luego regresar a trabajar y hacer este papel rudo y físico. Me pareció un desafío real.

¿Así que tuviste que estar muy en forma para este papel?
Comencé cuando mis bebés aún eran pequeños. Logré estar tan en forma como me fue posible en ese momento de mi vida. Relativamente en forma. Se trató más de retomar el ritmo para hacer una película como esta. Y los primeros días sentía algo parecido a “¿cómo es que estoy de regreso aquí?” (risas). Había hecho El sustituto y después estaba en casa y de pronto estaba saltando de un puente, con una pistola corriendo por la calle mientras me perseguían, así que pensaba “¿qué estoy haciendo? ¿Cómo llegué aqui? No soy una estrella de acción, soy la mamá de alguien…” Pero con unos pocos días metida en esto, enseguida me sentí de regreso.

¿Las escenas de peleas requirieron que aprendieras nuevas habilidades?
Sí, fue una forma diferente de pelear para mí. Es difícil de explicar, pero cuando tu cuerpo cae, tu centro de gravedad cambia. Fue como tener una pelea callejera, ya sabes, ¿cuál seria la forma más rápida de hacerle esto a alguien? ¿Qué harías tú? Esto te va a sonar extraño, pero creo que tiendo a pelear demasiado erguida, tengo un cierto tipo de postura que es muy erguida y a veces cuando peleo se puede ver como un tipo de ballet. Tuve que deshacerme de eso y trabajar un poco más suelta. Tuvieron que aterrizarme para que no me viera tan larga y elegante, sino que me viera más inclinada, encorvada y oscilante.

¿Cuánto tiempo invertiste para preparar estas escenas?
Bueno, en esta película me hubiera gustado tener más tiempo, pero el desafío no estaba solo en las escenas de pelea, también es una historia muy dramática. A veces la película se trata solo de acrobacias y eso es todo lo que debes hacer y para lo que te entrenas y en lo que te debes concentrar. Pero esta película en realidad tiene escenas muy. muy importantes para interpretar y entonces algunas veces debías realizar las acrobacias al final, así que no tenías la semana para prepararte. Así que fue un equilibrio extraño. Pero de cierta forma divertida, el aceleramiento con lo que se hacía todo causó que todos estuviéramos en pánico y fuéramos más agresivos y esto funcionó para la película. El coreógrafo de peleas fue Simón Crane, que realizó Tomb Raiders conmigo, además de Mr and Mrs Smith, así que lo conozco hace mucho tiempo. Ensayamos varias semanas antes y después los fines de semana, pero debido a la gran cantidad de drama pesado que interpretábamos, apenas teníamos un descanso de 20 minutos, salíamos al pasillo para tratar de practicar otra vez la pelea.

Creo que el papel se escribió originalmente para un protagonista masculino y tú lo has modificado hasta convertirlo en un papel femenino. Eso es en sí muy interesante…
Lo es. Creo que cuando las personas escriben historias con la intención original de que sean para mujeres, al menos eso sucedió con las películas que realicé en el pasado, ya sean del género fantástico o cómico, no abordan tradicionalmente el aspecto más serio del género de suspenso y acción. Hay algo genial y muy divertido en estos guiones, pero en realidad no aterrizan la historia en algo un poco más áspero y fuerte. Por ello, nunca pude encontrar uno que originalmente fuera escrito para una mujer, no es de sorprender que buscábamos algo que no existía. Con Agente Salt, los escritores no necesariamente se sentaron a pensar “¿qué haría una mujer en esta situación?”. Simplemente pensaron “¿Qué haría un agente de la CÍA?” Por eso inmediatamente pensé que este era uno de los mejores papeles que había leído y que era algo que implicaba un mayor reto.

¿Estuviste involucrada en el proceso de cambiar el protagonista masculino y convertirlo en uno femenino?
Sí, participé. Fue más difícil de lo que pensamos el cambiar todo lo relacionado a un hombre al personaje de una mujer. Esto se debe a que los desafíos y las sorpresas, o la forma en que un hombre reaccionaria ante cierta situación, no son necesariamente las mismas cuando se trata de una mujer. Por ejemplo, el personaje mascuünD.Driginalestaba.casado y.teníaun.hijo y parte del descubrimiento al final era que podía encontrar el amor; sin embargo, para una mujer descubrir el amor no involucra una gran sorpresa, usualmente es lo que la gente espera de una mujer. Y también estaba el estilo de pelea; tuvimos que ajusfar eso. Pero lo logramos, y los escritores hicieron un gran trabajo.

Cuando las personas escriben historias con la intención original de que sean para mujeres, ya sean del género fantástico o cómico, no abordan el aspecto más serio del género de suspenso y acción.
¿Has visto Agente Salt?
Vi las primeras tomas y realmente me  gustó. Soy terrible para ver mis propias
películas, pero me senté a ver Agente Salt y decir que me gustó es algo raro, especialmente con algo en lo que participé. Pero creo que es interesante. Deseábamos encontrar la forma de hacer una película que no solo mostrara las cosas obvias que el público esperaría en este tipo de películas de suspenso y acción. Algunas fueron divertidas, pero otras fueron muy difíciles y sabíamos que si podíamos llevarlas a cabo tendríamos algo distinto para mostrar. Así que les doy el crédito a los productores y a todos los involucrados, pues nos permitieron intentar cosas que rompieron el formato tradicional. Y funcionó.
¿Qué tipo de cosas difíciles querías llevar a cabo?
Es un problema hablar de esto porque van a ser sorpresas.

Todas sus caras.
Angelina Jolie vuelve a la pantalla grande de la mano de Agente Salt y, por ende, también regresa a las ruedas de prensa para hablar sobre varios aspectos de su vida. Las preguntas sobre Brad Pitt y sus hijos nunca faltan, pero no es de lo único que puede hablar una de las actrices más famosas de Hollywood. En este caso, Jolie habló de todo acerca de la película; describió cómo se sintió al encarnar a una agente de la CÍA y cómo fue el accidente que sufrió durante el rodaje. Además tampoco evitó preguntas sobre su familia, la gestión de Obama y su trabajo en la ONU.

Glee – Nuevos episodios.
Regresan los nueve nuevos episodios que completan la primera temporada de Glee, la serie seguida por millones de fans en todo el mundo, ganadora del Golden Globe como Mejor Comedia Musical y dirigida por Ryan Murphy. En esta nueva entrega, estrellas invitadas como Neil Patrick Harris, Eve y Olivia Newton John se sumarán al fenómeno Glee. Entre los episodios más esperados llega el denominado Hell-O, que en los EEUU fue seguido por más de 13 millones de espectadores; en este los fanáticos podrán disfrutar canciones de The Doors, Lionel Richie, AC/DC, Neil Diamond y Los Beatles.

Michael Jackson’s This Is It.
Miles de fans asistieron a las salas de cine en el mundo entero para ver los últimos momentos del Rey del Pop en Michael Jackson’s Thls Is It, y ahora durante este mes lo podrás ver a través de Warner Channel. Su música alcanzó a millones, su talento inspiró al mundo entero, y a un año de su muerte se estrena en exclusiva en el cable básico este homenaje a uno de los hombres más grandes e influyentes del mundo del entretenimiento. This Is It fue originalmente el nombre de una serie de 50 conciertos programados en la Arena 02 de Londres, la cual marcaría el regreso del Rey del Pop a los escenarios; sin embargo, el 25 de junio de 2009, dos semanas antes del primer espectáculo de la gira, Jackson sufre un paro cardiorrespiratorio y fallece. Pensando en los millones de fanáticos del artista, se decide sacar a la luz pública el material que fue grabado durante los ensayos, creando así el documental más taquillera de la historia.

Desayuno en Tiffany’s.
Desayuno en Tiffany’s es una novela corta de Truman Capote, quizá la más célebre de las que escribió, y es una de las más famosas obras de la literatura norteamericana contemporánea, que fue llevada al cine en 1961 por Blake Edwards. La novela trata sobre uno de los personajes femeninos más significativos de la literatura norteamericana: una mujer llamada Holly, que pertenece a la moderna burguesía de Nueva York y se pasa la vida asistiendo a multitud de fiestas con personajes de mundo, en busca de un hombre rico que se ofrezca a mantenerla. A su vez, Paul, un escritor que no logra publicar un libro, siente atracción por ella, y vive en su mismo edificio. Estos dos personajes, que son los principales y alrededor de los cuales girarán pocos más con caracterización, se conocerán y se harán amigos, pero Paul quiere algo más que eso.

Recomendados de Random House Mondadori.
La Sra. Dalloway.
Si, como señala Mario Vargas Llosa en el prólogo de esta hermosa edición, la obra de Virginia Woolf parecería ser de las pocas a las que bien le cabe el sayo de la categorización “novela femenina”, su cuarta novela, La Sra. Dalloway es quizás una de las justificaciones más esclarecedoras sobre esta etiquetaA lo largo de sus pocas páginas, la autora nos coloca en un día de la vida de Clarissa Dalloway. Ese día, que contiene como evento principal la realización de una cena para un grupo social, agrega en la protagonista el alterante sucedo del suicidio de un joven que acaba de regresar de la guerra. La técnica de Woolf es la de llevar la narración a un subjetivismo extremo, donde se reconozcan las dolencias y padeceres de la protagonista desde un lugar que pocas veces había existido en la narrativa. El resultado es una historia intimista, donde se reescribe la condición de mujer. En 1997, la directora Marleen Gorris llevó a la pantalla esta excelente historia de la escritora londinense, poniendo en el protagónico a Vanessa Redgrave.

INVICTOS.
Título original: Invictus
Director: Clint Eastwood Con: Morgan Freeman, Matt Damon
Género: drama/biográfica .
Edita: Timesur.
Esta es la historia de cómo Nelson Mándela (Morgan Freeman) suma fuerzas con el capitán del equipo de rugby de Sudáfrica (Damon) para ayudar y unir a su país. El presidente Mándela, recién elegido, sabe que su país se mantiene racial y económicamente dividido por el régimen del Apartheid. Creyendo que puede juntar a su gente a través del lenguaje universal del deporte, Mándela reúne al desamparado equipo de rugby de Sudáfrica mientras tiene una insólita participación en la Copa del Mundo de 1995 que lo lleva al partido del campeonato.

DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS.
Título original: Where the Wild Things Are.
Director: Spike Jonze.
Con: Max Records, Catherine Keener.
Género: aventuras Edita: Timesur.
Max es un niño travieso y sensible que siente que nadie lo comprende en su casa, por eso escapa y llega a una isla en donde encuentra criaturas extrañas y misteriosas, cuyas emociones y acciones son salvajes e impredecíbles. Las criaturas desean un líder que los guíe, así que Max es coronado rey, y promete crear un lugar en el que todo el mundo sea feliz. Pero pronto se dará cuenta que reinar no es tan fácil, y sus relaciones son mucho más complicadas de lo que jamás hubiera imaginado.

¿Y DÓNDE ESTÁN LOS MORGAN?
Título original: Did You Hear About the Morgans? Director: Marc Lawrence Con: Sarah Jessica Parker, Hugh Grant Género: comedia Edita: Timesur.
Meryl y Paul Morgan (Sarah Jessica Parker y Hugh Grant) son una exitosa pareja de Manhattan cuyas “casi” perfectas vidas se derrumba y deciden divorciarse. Pero la locura de su vida romántica no puede ser comparada con lo que van a vivir; ellos son testigos de un asesinato y se convierten en blancos de un asesino a sueldo. Los federales, protegiéndolos como testigos, se llevan a los Morgan de su amada Nueva York a un pequeño pueblo en Wyoming.

Todos estan bien.
Título original: Everybody’s Fines.
Director: Martin Campbell Con: Robert De Niro, Kate Beckinsale, Drew Barrymore .
Género: comedia Edita: RBS.
La película es un remake de la que dirigió Giuseppe Tomatore en 1990, con Marcello Mastroianni en el papel protagónico. En esta nueva versión, De Niro es un padre de familia viudo, ya abuelo que, una vez alcanzada la jubilación, quiere reunir nuevamente a sus cinco hijos alrededor de la misma mesa. Cuando todos le fallan para acudir a su casa, decidirá entonces realizar un viaje en busca de sus hijos descubriendo una realidad diferente a como se la había imaginado.

AL FILO DE LA OSCURIDAD.
Titulo original: Edge of Darkness.
Director: Martin Campbell Con: Mel Gibson, Ray Winstone.
Género: thriller policial Edita: Timesur.
Thomas Craven (Mel Gibson) es un detective de homicidios que trabaja para el Departamento de Policía de Boston. Su única hija Emma, de 24 años, es asesinada en las escaleras de su propia casa. Todo el mundo piensa que en realidad querían matarlo a él, no a ella, pero rápidamente Craven comienza a darse cuenta que no es así, entonces investiga. La solitaria búsqueda de respuestas sobre la muerte de su hija llega a transformarse en una odisea de descubrimientos emocionales, y de redención.

Unos personajes con carencias varias lo ayudan a contar sus historias. En Tesis, Ángela alberga muchas inseguridades y una peligrosa curiosidad por lo desconocido que pone en riesgo su vida. Grace, en Los otros, también se presenta como una mujer muy perturbada e insegura, que mantiene una relación con la muerte más allá de su conciencia. Hasta aquí, los acercamientos que existen a la muerte se dan en una atmósfera de oscuridad. En cambio, en Mar adentro, Amenábar renueva y amplía su ángulo de visión, dejando de lado lo macabro para dar paso a la luz. El personaje de Ramón busca la redención de su dignidad a través del acto de morir, al que lejos de temerle, desea más que nada en el mundo. Luego de contar la historia de este hombre rodeado de mujeres, Amenábar invierte la narrativa en su última película, Agora, en la que cuenta la vida de una mujer rodeada de hombres. Se aleja así del concepto que sobrevoló sus películas anteriores, dando lugar a un planteo histórico y metafísico. De esta forma, continúa en la línea de la reflexión de temas existencíales, pero desde otra óptica, más aventurera y exuberante.
Las posturas filosóficas que representan sus personajes no cuadrarían si se quisiera unificar el discurso de su obra. Tampoco parece interesarle asumir alguna de dichas posturas ni imponerlas, sino transmitirlas, esperando que el público entienda e interprete el mensaje según sus propios decodificadores.

ALEJANDRO AMENÁBAR .
La antesala de la muerte.
El fin de la vida, o el camino que se recorre hasta que esta se apaga, puede ser usado con cualquier intención en cine. Tanto una película con la mayor densidad dramática como una de terror con psicópatas, pueden compartir el mismo leitmotiv. Así lo demuestra Alejandro Amenábar en su reducida pero exitosa filmografía. Desde su ópera prima, Tesis, pasando por Los otros y hasta Mar adentro, sobresale de forma inevitable el tema de la muerte. Pero no se trata necesariamente de la muerte en sí misma, sino del sufrimiento, la tortura, de la muerte en vida. Amenábar entiende el miedo y sabe cómo transmitirlo.

En junio se estrenó Sex and The City 2, película que ocupó la portada de mayo. La segunda entrega de esta adaptación cinematográfica de la serie original de TV rompió la taquilla y vendió más de 25.000 entradas en sus primeras 3 semanas. Hay que destacar también la performance de la película Argentina dos hermanos que en tan sólo dos semanas había vendido más de 15.000 entradas y de Robín Hood, una película de la que no se esperaba tanto y qué en 6 semanas ya llevaba 30.000 entradas vendidas. Ahora, la película de la que seguramente hablaremos en agosto es Toy Story 3. En sus primeros 3 días de exhibición, a una semana del comienzo de las vacaciones de julio vendió nada menos que 14.000 entradas, lo que le da un envión gigante para entrar con toda la fuerza a las vacaciones y robarse el primer lugar de la taquilla, al menos hasta el estreno de la cuarta entrega de Shrek.

Quinta columna.
El grupo de disidentes de los V se llama a sí mismo 5° columna, nombre que no es ninguna casualidad. En la guerra civil española se formó un grupo rebelde clandestino que actuaba a favor de Franco, al que un general nombró 5″ columna. Desde entonces se usa esa expresión para señalar a un núcleo de personas contrarias a la comunidad en la que viven. La 5° columna existe desde el tiempo en que llegaron los primeros invasores y se infiltraron entre los humanos. Esta llegada de las naves espaciales obliga a que los rebeldes retomen la lucha armada

Puntos en contra:
Nada es gratis en la vida: tienen mucho para ofrecer, pero ¿qué quieren en retorno? Si viajaron miles de millones de kilómetros algo deben estar buscando. ¿Es algo que los humanos tienen o precisan a los humanos?
No son tan lindos: basta con ver el primer capítulo de la nueva serie o estar algo familiarizado con la de 1984 para saber que en realidad los invasores son lagartos disfrazados de humanos. ¿Por qué ocultan su aspecto? ¿Para ganarse la confianza de las personas?
Una cura o su cura: los Centros de curación V parecen una bendición, ¿pero quién controla que no jueguen con el organismo humano?
¿Quién puede saber qué contenido tienen las vacunas que nos ofrecen? Después de todo, los únicos que pueden controlar la tecnología de los V, son ellos mismos.
Están hace tiempo: los V están escondidos entre nosotros hace mucho tiempo. Estudiándonos, relevando información que puedan utilizar en nuestra contra. Y los infiltrados pueden estar en cualquier lugar.

Razones para abrirle el corazón a los V.
Avances médicos: los V afirman y luego demuestran que tienen la medicina necesaria para curar enfermedades como el cáncer. Al primer día de su llegada, personas con discapacidades crónicas repentinamente están curados. A los pocos dias del primer contacto anuncian que abrirán los Centros de curación V, donde piensan asistir a cualquier persona que lo requiera, sin costo.
Avances energéticos: la nave de los “visitantes” no funciona con diesel o nafta, lo que hace pensar que cuentan con una fuente de energía alternativa que podría solucionar una de las preocupaciones más grandes de este siglo.
Avances tecnológicos: si los personajes de la serie The BigBang Theory fueran reales, estarían fascinados con todo lo que estos extraterrestres tienen para ofrecer. Dejarían de hablar de Star Trek en dos días.
Son muy bonitos: la primera pregunta que un periodista le hizo a la líder de los V fue si existían visitantes feos. Ante la sorpresa de la mujer, el hombre se apuró a decir que el aspecto de todos los V era lo que los humanos consideran como “atractivo”. Y crean que no…
Ah, además juran y rejuran que vienen en paz. Pero eso es algo secundario.

La elección del bando.
¿Qué harías si un día cualquiera 29 naves extraterrestres llegan de otra galaxia y se instalan en las principales ciudades del mundo? El cine ciertamente nos ha dado motivos para preparar las armas. Pero, ¿qué pasaría si estos visitantes trajeran consigo la cura para las peores enfermedades de nuestro tiempo o la tecnología necesaria para no depender de recursos limitados como el petróleo? En la historia de V, desde la llegada de los extraterrestres, la opinión pública se divide en dos. Los que creen que este acontecimiento es una bendición y los que dudan de las intenciones de los V y creen que hay que averiguar algo más sobre ellos.

¿Visitantes o invasores?
En abril se estrenó “V“, remake de la popular serie de 1984 sobre visitantes de otra galaxia que llegan a la Tierra con la cura para muchos males de nuestro tiempo. Sin embargo, los invasores esconden intenciones nefastas para la humanidad. Su llegada marcó el comienzo de una guerra clandestina en la que un grupo de personas lucha por revelar la verdad. La guerra ha comenzado. Solo resta elegir un bando.

“LAS PELÍCULAS DE PIXAR SIEMPRE SABEN CÓMO LLEGARNOS AL CORAZÓN”
¿Qué otro personaje le gustaría interpretar en caso de que no fuera Woody?
Mmm, esa es una muy buena pregunta. Francamente, soy del estilo del perro Slinky. Creo que Slinky puede hacer cosas eirá lugares a los que otros juguetes no pueden, gracias a su habilidad de estirarse. Creo que eso sería divertido.
Toy Story fue estrenada en 1995. ¿Cuáles son algunos de los cambios que has v<
experimentado en el proceso de animación a lo largo de los años?
Primeramente, se nos mostró la película en bocetos de historia montados en las paredes, así que se entraba al edificio y, luego de caminar unos metros, la película se entendía; porque literalmente se “transitaba” cada secuencia. Esta vez hicieron esta cosa maravillosa, simplemente mostrando toda la animación: un proceso en el que cada voz y cada efecto de sonido se agregan a dibujos apenas animados y dura exactamente lo mismo que la película final. Así que realmente era como entrar en una sala de proyección con el resto del elenco y se podía ver todo al mismo tiempo.
¿Podes describir el proceso de trabajar en películas animadas?
Hace mucho tiempo que yo trabajo en películas de Pixar y siempre me sorprende que crearlas lleve aproximadamente cuatro años. Parece como si te llamaran cada dos semanas, pero resulta que es una vez cada seis meses. Cuando empecé a hacer la primera película de Toy Story tenía dos hijos; ahora tengo cuatro.

Las películas de Toy Story son reconocidas por todo el mundo. ¿Qué las hace clásicas?

Las películas de la saga Toy Story logran lo que los clásicos de todos los tiempos aspiran a tener: personajes inocentes que afrontan un montón de aventuras. Todos conocemos los gustos de Woody y Buzz; pensamos quienes seríamos si fuéramos juguetes. Hay una gran lógica a la que suscriben John Lasseter y todos los guionistas: la que hace que los espectadores de cine se relajen y se dejen transportar a ese tiempo y espacio mágicos.

Disney-Pixar es reconocida por crear películas impulsadas por la historia, con un gran corazón. ¿Qué opinas de esta Toy Story 3?

Toy Story 3 es una enorme aventura que nos mantiene todo el tiempo en el borde de la butaca. Es en parte como un “gran escape”, con la misma emoción con la que Dorothy escapa de la Malvada Bruja del Oeste (en El Mago de Oz). Y al tomar esos elementos, los transforman en algo muy emocional. Los creadores de las películas de Pixar siempre saben cómo llegarnos al corazón. La historia es tan simple como crecer, y que un muchacho parta hacia la universidad; pero es tan profundamente emocional que no se puede evitar lagrimear.

Esta será la tercera vez que interpretas al sherrff vaquero Woody. Después de todos estos años, ¿cómo describirías a ese personaje, y qué lo hace tan querido?

Woody es un muchacho pasional que se sumerge en todas las acciones. Ni bien tiene el pensamiento instintivo de “debo ayudarlos” o “debo escapar”, lo hace con total compromiso. Eso se debe apreciar en cualquier persona. Lo que es genial es que yo recibo crédito por la manera en que surgen el personaje y el humor. Hay chicos que ahora están en la universidad y me dicen: “Cuando le dijiste a ese niño vecino que jugara tranquilo, eso significó mucho para mí”.

Tom Hanks.
En 1995 le prestó su voz al querido y leal vaquero Woody en el éxito animado Toy Story, en la versión original en inglés; y repitió su papel en la secuela de 1999, que resultó un gran éxito mundial. Tom Hanks está ahora de regreso en la tercera de Toy Story, una de las favoritas de estas vacaciones. Para el actor, volver al rol de Woody tras una larga ausencia fue una tarea fácil.

Espero que te paguen más por todo ese trabajo extra.
No (risas). En realidad, tan pronto como termine esta entrevista voy a ir a llamar Jeffrey Katzenberg.
¿Cuál es tu mejor recuerdo de hacer las películas de Shrek en estos años?
La apertura en Cannes. Estás en una fiesta que está llena de filmes intelectuales de la República Checa, Corea, Rusia y de todo el mundo que son introspectivos del alma humana y allí estaba Shrek. El teatro de Cannes se llenó de risas. Tuvimos 12 minutos de aplausos. No hubo interrupciones en ninguna parte y la gente se rió y se divirtió.
¿Qué significa este personaje en tu carrera?
Mucho. Cuando llegué a Estados Unidos ni siquiera podía hablar el idioma, pero cuando me llamaron para estar en Shrek, solo querían mí voz, algo que me asombró bastante. No sabía cómo era el proceso de animación y fue difícil. Pero Shrek significa mucho para mí. Representa la parte magnífica de Hollywood y la búsqueda de la perfección. Es el trabajo de un amplio equipo de animadores, gente creativa, guionistas, productores y están todos en busca de la excelencia. Estoy seguro que en 20 años la gente mirará atrás y dirá: “Las películas de Shrek estaban muy bien hechas”.

ANTONIO BANDERAS.
El único que no se despide de su personaje.
Mientras el resto del elenco se despide de los personajes que interpretan, Antonio Banderas es el único que no deberá hacerlo, ya que su personaje tendrá su propia película.
¿Qué es lo que más te gusta del gato?
Que es travieso. Además me encanta el contraste de tamaño que hay entre él y Shrek, el gato es tan chico. Recuerdo cuando estábamos discutiendo qué tipo de personaje debería ser y nos preguntábamos acerca de su voz. ¿Debería ser una voz baja para que coincidiera con su pequeño cuerpo? Decidimos que no, y fuimos en la dirección opuesta. Le dimos una voz muy segura. En ese cuerpo, es muy gracioso. Es como si nunca se hubiera visto en el espejo.
¿Es cierto que haces la voz del gato en varios idiomas para los diferentes mercados del mundo?
Si, soy el único de los cuatro personajes. Hago las voces en español. Puedo hacer una versión para el mercado castellano y hacer otra para el mercado de América Latina y hago una versión italiana, que es la más difícil.

¿Qué versión te gusta más de Fiona, la de esposa y madre o la guerrera?
Siempre he pensado en Fiona como una guerrera. Siempre la vi de esa manera, pensaba que iba a ir a la batalla a defender lo que amaba: su familia y amigos. Y para mí esta Fiona sigue siendo la misma. A pesar de los hijos, ella ha actuado siempre de la misma manera en todas las películas.
El director dice que tenes mucha energía. ¿Cómo haces?
No sé, simplemente la tengo. Mis amigos me dicen “¿Cuál es tu problema? ¿No estás cansada?”. Hace unas tres semanas estaba agotada porque hice una película durante seis meses con Tom (Cruise), no tenía tiempo libre ni nada y tue muy exigente. Además fue un rodaje rápido, así que era como correr una maratón. Pero dormir bien fue la clave. Si dormís, recargas baterías y podes seguir adelante.
¿Alguna vez paras de trabajar o estás siempre trabajando en una película e inmediatamente empezás con otra?
En general intento tomarme un tiempo entre película y película. No me gusta hacer una atrás de otra. Prefiero centrarme en hacer una cosa a la vez y después tomarme un año para vivir mi vida.

Cameron Díaz, orgullosa y melancólica, se despide de Fiona y dice de dónde saca energía para filmar tantas películas
¿Qué ha significado Shrek en tu vida y carrera?
Muchas cosas. Es como cuando no sabes lo que tenes hasta que lo perdés. Realmente no me di cuenta que Fiona y Shrek habían sido parte de mi vida durante los últimos 10 años. Era algo que daba por hecho. Pensé “Jeffrey me llamará en seis meses y vamos a empezar la siguiente”. Pero ya no será así.
¿Cómo te hace sentir eso?
Duele, pero ha sido un privilegio y un honor ser parte de esta historia, porque cuando te sentís parte de algo es muy bueno en muchos aspectos.
¿Y qué ha sido lo mejor de estos 10 años?
Me gusta mucho hablar sobre la película y hacer la voz estuvo bárbaro, pero creo que la verdadera alegría ha sido compartir esta experiencia con otras personas y escuchar lo que dice la gente sobre esta historia.

¿Qué cualidades compartís con Shrek?
La inseguridad. Soy muy seguro como para admitir que me siento muy inseguro. Al haber crecido en Canadá uno siente que camina entre los estadounidenses como si nada, pero sos diferente. Creo que los ogros también se sienten un poco alienados.
¿Cuál es el mayor desafío de interpretar a Shrek?
El mayor reto es entrar en el mundo de Shrek en los primeros 10 minutos, cuando entro al estudio de grabación. Porque vivo en Nueva York y es un lugar bastante abrumador. Una vez pasé por delante de la escena de un asesinato y luego entré a trabajar en Shrek.
¿Qué pensás sobre Happily forever after (Felices para siempre)?
Estaba hablando con Antonio de cómo happy en español es feliz y Antonio me dijo: “Odio la palabra feliz. Me gusta más la palabra diversión, que es algo más activo y tiene que ser trabajado”. Y esa es una de las cosas que pienso. La felicidad es una elección. Así que “felices para siempre” está en sus manos. No es algo que simplemente te pasa, sino que vos pasas por ella.

Antes de hacer Shrek, no creía que la animación pudiese movilizar a la gente.
En el 2001 el comedíante le prestaba su voz a Shrek por primera vez. Ahora se prepara para despedirse de este entrañable personaje que se ha convertido en un hombre de familia y extraña los días sin responsabilidades en los que se sentía un verdadero ogro.
¿Qué es lo mejor de ser parte de las películas de Shrek?
Tener trabajo estable, lo cual es bueno (risas). No, me encanta la cantidad de cineastas que se preocupan por Shrek y quieren que sea algo bueno. Antes de hacer Shrek, no creía que la animación pudiese mover a la gente o hacerla llorar. Eso ha sido increíble, ¡porque es un dibujo animado por el amor de Dios!
¿Cómo te sentís al saber que es la última película de Shrek?
Estoy cada vez más triste. Cuanto más hablo con Antonio (Banderas), Cameron (Díaz) y Eddie (Murphy) acerca del final, más triste me pongo. Pero me alegro de haber sido parte de ella. Cuando salió cada película de Shrek vi cómo mucha gente se preocupaba por él. También estoy orgulloso de que el final tenga gracia. Es como se hace en la televisión británica. Creo que es inteligente, solo llega a su fin con elocuencia.

Erase una vez en una realidad alterna de Muy muy lejano…
Casado y con un montón de mocosos, la vida es más doméstica que nunca para Shrek. Sus días de ahuyentar a los intrusos en el pantano se terminaron. Nuestro amigo verde es una celebridad local, famoso por sus heroicos logros, tan popular que firma autógrafos a diario.
Justamente es esa nostalgia de sus días de “ogro de verdad” lo que hace que Shrek se deje seducir, caiga en una trampa y firme un pacto con Rumpelstillskin, un experto charlatán. Una vez que hace el trato, el ogro viaja a una dimensión paralela de Muy muy lejano donde Rumpelstillskin es el rey y él, Fiona y todos sus amigos no se conocen y sus vidas son muy distintas a las usuales (lo mejor, una vez más, es el Gato con botas en versión mascota malcriada, obesa y bacana). En este nuevo mundo, que es como una vuelta a los orígenes de la historia, Shrek deberá hacer lo imposible para deshacer su gran macana, salvar a sus amigos, volver a la normalidad y encontrarse con Fiona, para conseguir de una vez y por todas su happily everafter.

La cuarta es la vencida: Shrek para siempre.
Este mes ya estará estrenada lo que anuncian como el final de esta fabulosa franquicia que ha conquistado el corazón de chicos y grandes. El título de la película es Shrek para siempre {Shrek foreverafter) y contará, una vez más, con las clásicas voces de Myke Myers, Cameron Diaz, Eddy Murphy y Antonio Banderas. Similar a lo que atravesaron los actores de Lost hace unos meses, este grupo deberá decir adiós a los personajes que los llenaron de fama y con los que recorrieron un lindo y divertido camino durante nueve años. La cuarta película de alguna manera quiso honrar los orígenes de la franquicia, con un giro inesperado en el guión.

Se llama Rumpelstillskin y es malo, muy malo.
Los arquitectos de este puzle de personajes y mezcla de cuentos de hadas tuvieron que volver a construir algo nuevo y fresco que no decepcione a los fanáticos. Y eso no solo se atañe a la historia, sino al villano de turno.
Primero fue Lord Farquaad, el enano ególatra que “contrata” a Shrek para rescatar a la princesa. Luego la mafiosa Hada madrina, manejando los hilos de Muy muy lejano a su antojo y preparando el terreno para que el inútil de su hijo ocupe el trono; y más 7 tarde fue el propio Príncipe Encantador quien buscó su final feliz en memoria de su madre. Los héroes precisan un antagonista de verdad para medir su talla y Rumpelstillskin parece estar a la altura de las circunstancias. El personaje también viene de la literatura infantil y fue tomado por los Hermanos Grimm en 1850. Es una especie de duende que se aprovecha de la situación desesperada de una princesa, pero al final se queda con las manos vacías. Por eso, vemos a otro antagonista buscar su final feliz. Los creadores de Rumpel lo definen como el opuesto de Príncipe Encantador y le dieron un aspecto mezquino e incluso una cola de rata. Para ser más gráfico, el director Mike Mitchell expresó que el villano se define como “el tipo de persona que gana 200 millones en la lotería y no sabe qué hacer con el dinero”.

Shrek 3.
Una vez que salvó a Muy muy lejano, Shrek debe asumir los roles de rey, dado que el Rey Sapo está muy enfermo. Por supuesto que la falta de tacto es evidente y todo lo que emprende es un desastre. Antes de morir, el Rey Harold revela que hay un heredero al trono: Arturo (y pensamos en el de Camelot y la mesa redonda). Shrek, Burro y Gato parten a buscarlo, cuando Fiona confiesa que está embarazada.
En Muy muy lejano, el Príncipe Encantador se reúne con todos los villanos de los cuentos de hadas y más allá de que lo repudian a él y a su cabellera, los convence de que es tiempo de conseguir su happily ever after. En medio del baby shower de Fiona atacan y consiguen el poder.
Arturo dista de ser lo que Shrek espera. Es tan ñoño que incluso los nerds le toman el pelo. Con algunas vicisitudes lo arrastran al barco, llegan a Muy muy lejano, rescatan a Fiona y derrotan al Príncipe Encantador, no sin imitar el gesto artiguense de dar “clemencia a los vencidos” y vivir, una vez más, happily ever after.